Reînnoirea italiană a anunțului. Rezumat: Misterul epocii Renașterii în Italia
Ministerul Renașterii italiene
Învierea Rozkvitepohi începe în Italia. Nu este de mirare că în Italia, în Renaștere, arta în sine a atins cea mai mare apogeu. Aici au scris, sculptat, creat zeci de mari genii și talente puternice.
Pe cobul Renașterii, a deveni un Proto-Renaștere este un fel de pregătire pentru un nou fascicul de lumină și pregătire pentru scoaterea lor din științe. Proto-renașterea este mai strâns legată de Evul Mediu, de tradițiile romane și gotice, precum și de tradițiile bizantine. Și nu este ușor să tragi un cordon clar din creativitatea artiștilor inovatori, un fel de incinerare a vechiului împotriva noului. Urechea Proto-Renașterii în mistica italiană este numită după nume Giotto di Bondone (1266-1337). Giotto, de fapt, namіtiv slyakh, ca o nouă dezvoltare a picturii: ilustrând creșterea momentelor realiste, umplerea formelor religioase cu zmіst secular, trecerea treptată de la imagini plate la cele volumetrice și în relief. Giotto este fondatorul noii picturi europene. Spărgând din canoanele clasei de mijloc, ei au adus stiulețul pământesc în scena religioasă, înfățișând legendele evanghelice. Una dintre cele mai bizare imagini create de Giotto este pe bună dreptate respectată imaginea lui Hristos din scena „Sărutul lui Iuda” (pictura Capela del Arena din Padova).
Cei mai mari maeștri ai renașterii timpurii sunt bruneleschi (1377-1446),Donatello (1386-1466),Verrocchio (1436- 1488),Masaccio (1401-1428),Mantegna (1431-1506),Botticelli (1444-1510) și alții. Acea creativitate cunoaște o gamă largă de principii de renaștere, pov'yazan, peredusim, cu ideea de seninătate, de dezvoltare a vitalității umane. Tsomoy Spring la Zasovoyvani Maistrai Novі Arti Priomy - Zovoynyna Pictura a măgarului trivimіrah, punând tipul de cerc de cerc, Scho Samostіyno, NOU, NU PRAYA SO ARHITINEKUTROUNE, RUCH U BІK iertare, Garmoniyi, Vitonneyih Komenittіzіmіzіm, Vitonneyih Kamenitіhіzіm Zієєєєєєєєєєѕѕѕѕѕѕѕѕѕѕ, Sprijină mama.
Florența a devenit patria Renașterii timpurii, iar „părinții Renașterii timpurii” sunt respectați pictor Masaccio, sculptorul Donatello și arhitectul Brunelleschi. Lucrarea principală a lui Masaccio sunt frescele din Capela Brancacci a Bisericii Santa Maria de lângă Florența, iar fresca „Vignannya z Rai” merită o atenție specială în ultimul ciclu, care este primul din pictura Învierii imaginii. a postului gol. Ruhi-ul tău, mimează exprimă sum'yattya, gunoi, kayattya. Marea autenticitate și permutarea imaginilor lui Masaccio evocă puterea specială a ideii umaniste a demnității umane și semnificația specialității umane.
Contribuția maiestuoasă la dezvoltarea arhitecturii a fost creată de arhitectul Filippe Brunelleschi (1377-1446). Vіn zaklav pіdvalini arhitectura renascentist. Una dintre cele mai faimoase lucrări de yoga este Capela Pazzi de la Biserica Santa Croce.
Sculptorul florentin Donatello (1386-1466) a reprodus un portret sculptural al acelei imagini a unui corp gol, ca primul memorial din bronz al lui „David”. A creat de el imagini ale idealului umanist al specialității dezvoltate armonios.
În perioada Înaltei Renașteri, geometrismul, puterile Renașterii timpurii, nu știu, ci mai degrabă se pierd. Ale, la unul nou, se poate face ceva nou: spiritualitate, psihologism, transmitere practică a lumii interioare a unei persoane, sentimente, atitudini, atitudini, caracter, temperament. Se dezvoltă o nouă perspectivă, se ajunge la materialitatea formelor ca generalitate și plasticitate, și lejeritate. Arta Înaltei Renașteri este cel mai bine reprezentată de trei artiști: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo. Ele subliniază principalele valori ale Renașterii italiene: intelect, armonie și intensitate.
Leonardo Da Vinci (1452-1519) - pictor, sculptor, arhitect, scriitor, muzician, teoretician al artei, inginer militar, vinificator, matematician, anatomist, botanist. Despre Leonardo da Vinci Vasari a scris: „... talentul... era într-un stil nou și talentul lui a fost de așa natură încât spiritul nu a ajuns la vremuri bi dificile, permițându-le cu ușurință... să construiască regatul și mărinimitate, iar gloria numelui său a crescut atât de mult încât merită nu numai ceasul lui, ci și după moartea lui. ».
Leonardo pratsyuvav în diferite tipuri și genuri de artă, pictura i-a adus cea mai mare faimă. Unul dintre culmile creativității este fresca „Cina cea de Taină” din mănăstirea trapeză Santa Maria della Grazia. Leonardo nu numai că transmite starea psihologică a apostolilor și a lui Hristos înfățișat pe fresce, dar încearcă și să depășească vibrația psihologică și conflictul din acest moment, dacă ajunge la un punct critic. Tsey vibuh strigând cu cuvintele lui Hristos: „Unul dintre voi mă va vindeca”. În fiecare creație, artistul a câștigat întreaga lume acceptând o anumită postare de articole, de exemplu, caracterul pielii reprezintă cât de unice sunt individualitatea și specialitatea. Mai vedem un robot faimos al lui Leonardo - portretul „Mona Lisa” sau „Giaconda”. Cu această creație, maestrul a câștigat cu brio întregul arsenal al vibrației sale artistice: contraste ascuțite și pivtoni moi, au surprins nestăpânirea posturii și nuanțe și tranziții psihologice subtile. Geniul lui Leonardo atârna în aspectul minunat de viu a lui Moni Lisi, misterioasă și enigmatică melodioasă, serpentină mistică, care acoperă marginea peisajului. Acest tvir a conceput genul portretului psihologic în arta europeană și, de asemenea, se întinde la capodopere rare ale artei.
Leonardo a explorat, de asemenea, bogatele probleme teoretice ale artei - cum ar fi teoria unei noi perspective, hrănind lumina picturală și culoarea, proporțiile, expunând emoțiile picturii, stimulând anatomia științifică a creaturilor și a oamenilor. Probleme estetice ale artei vinurilor ținând cont de practica „Cartea picturii”.
Michelangelo Buonarotti (1475-1564), marele maestru al Renașterii, o persoană versatilă, versatilă: sculptor, arhitect, artist, cântă. Vіn profund vіdchuvaє spiritul epocii sale, subtil rozumіyuchi tabără de cultură, creând un stil artistic unic și unic, acel spirit de creativitate. Fă ceva pentru a rezolva eternele probleme ontologice, duhoarea filozofiei, într-o formă figurată pentru a da versul celor mai grave probleme ale timpului tău. Roboții lui Michelangelo combină simbolismul profund și împletirea minunată a frumosului, a tragicului și a prezentului.
Printre cele mai cunoscute lucrări ale lui Michelangelo se numără statuia lui David (înălțimea sculpturii este de 5,5 metri). Statuia Tsya este plină de viață interioară, energie și putere. Vaughn în imnul masculinității umane, frumuseții, grației și rafinamentului. Până la cea mai mare acoperire a lui Michelangelo, există și roboți, creați pentru mormântul Papei Iulius al II-lea. Deasupra acestui mormânt, sculptorul a lucrat cu pauză aproximativ 40 de ani, dar tot nu l-a terminat. Cremă de sculpturi de Michelangelo, după ce a creat minuni, creează pictură. Cele mai importante picturi ale Capelei Sixtine de la Vatican.
Rafael Santi (1483-1520) nu mai puțin talentat, dar și un artist versatil: arhitect și muralist, maestru de portrete și maestru de decor. Yogo shanuvalniks numit „divin”. Rafael succes maiestuos, plin de glorie, bogăție și șansă, dar la dezvoltarea vieții și a forțelor creatoare ale vinului, a murit necontrolat. Din punctul de vedere al lui Leonardo, în care creezi secrete, ghicitori, în lucrările lui Rafael, totul este clar, transparent, terminat miraculos. Înainte de lucrările proeminente ale lui Rafael, se pot vedea picturi ale camerelor papale speciale din apropierea Vaticanului, dedicate subiectelor biblice, precum și misticismului și filosofiei. Tema Madonei a devenit tema principală a creativității. Punctul culminant a fost „Madona Sixtina” – un imn de referință la perfecțiunea fizică și spirituală a unei persoane.
Înțelegerea noii Renașteri va suna până la Renașterea venețiană. Doar Veneția din perioada (o altă jumătate a secolului al XVI-lea) și-a pierdut independența, alte cnezate italiene și-au pierdut independența politică. Renașterea la Veneția are puține caracteristici proprii. Stăpânii venețieni au fost puțin afectați de marile realizări și săpături ale anticilor; їх, în curând cultura bizantină și misticismul arabului s-au liniştit imediat. (Veneția a susținut de multă vreme legăturile comerciale cu Bizanțul, Adunarea Arabă, tranzacționată cu India). După ce a reînnoit stilul gotic și a abandonat tradițiile, Veneția și-a dezvoltat propriul stil distinctiv, care se caracterizează prin barvy, machism romantic, pictorialitate și decorativitate. Venețienii din primul plan au probleme cu culoarea, la materialitatea imaginii se ajunge prin gradații de culoare. Cei mai mari maeștri venețieni ai Renașterii Înalte și Pizny Giorgione (1477-1510), Titian (1477-1576), Veronese (1528-1588),Tintoretto (1518-1594).
Strămoșul școlii venețiane este Giorgione, ai cărui roboți încă păstrează stiuletul de lumină. Artistul apreciază locul intrigilor biblice pentru a scrie mai bine pe teme mitologice și literare. Giorgione a inaugurat și o nouă eră în pictură, începând să scrie din natură. Cea mai faimoasă creație yoghină a fost „The Sleeping Venus”, care surprinde frumusețea și frumusețea corpului unei femei goale.
Conducătorul școlii venețiane este Titian (1489-1576), creativitatea unei astfel de științe a renașterii atinge cea mai mare realizare și rozkvitu. Vin proslăvește bucuria fără turbulențe a vieții, bucurându-se de binecuvântări pământești („Băiatul de la câini”), precum și de știuletul sensibil al corpului uman, care scrie asupra sănătății, frumuseții eterne a trupului, desăvârșirii fizice a oamenilor ( „Iubirea pământului și a cerului”, „Sfânta Venus”). În aceiași roboți, urechea sensibilității este salvată, proteinele sunt completate de psihologia și dramatismul în creștere a imaginii („Plângerea lui Hristos”, „Sfântul Sebastian”).
Yogo a devenit o patrie Italia, iac la apusul soarelui Serednyovichya a dat naștere unei noi culturi în Europa.
Pentru propria naționalitate, Italia a fost o recesiune directă a vechii culturi romane, a cărei injecție a fost semnificată prin întinderea curentului istoriei її. În Antichitate, aceeași cultură greacă s-a revărsat în viața spirituală, mai ales după căderea Constantinopolului în 1453, când un număr mare de cărturari bizantini s-au mutat în Italia.
Cu toate acestea, Renașterea nu a dus la o simplă copiere a tradițiilor antice; era mai pliabil și cel mai mare fenomen al istoriei lumii, nou pentru amploarea sa și pentru cei care privesc lumina. Cultura slăbită și pliată a Evului Mediu a jucat nu mai puțin un rol în această călătorie, cultura inferioară a epocii antice, așa că în apele bogate Renașterea a devenit o continuare directă a Evului Mediu.
Italia a rămas fragmentată politic în câteva puteri care s-au luptat între ele, dar din punct de vedere economic, multe dintre ele erau cele mai divizate țări ale Europei. Multă vreme, puterile italiene au ocupat o poziție de lider în comerțul dintre Skhod și Sunset. În locurile din Pivnichnaya Italia s-au născut noi forme de producție industrială și bancară, activitate politică și artă diplomatică. Nivelul ridicat de dezvoltare economică, de o parte, și cea mai intelectuală viață - de cealaltă parte, au transformat centrul noii culturi europene în centru. Cultura orașului italian a devenit mediul lor dătător de viață, din anumite motive, Revival s-ar putea scufunda în realitate.
Prima capitală a Renașterii italiene a fost toscana oraș Florenţa, de pliat unic poednannya mobilier, scho sprymkomu podyom cultura. În grădina de trandafiri a Renașterii s-a mutat centrul artei renascentiste Roma. Papi Iulius al II-lea și Leon al X-lea au raportat aceeași susilla maiestuoasă, pentru a reînvia marea glorie a Locului Etern, motiv pentru care s-ar transforma în centrul misticismului lumii. Al treilea centru ca mărime al Renașterii italiene a fost Veneția, arta renascentista a venit cu propria zabarvlennya, vrajita de trasaturi artistice.
Artă imaginativă
Unul dintre cele mai bune articole ale Renașterii italiene Leonardo Da Vinci(1452-1519). Împărtășindu-și propriile talente impersonale - pictură, sculptor, arhitect, inginer, gânditor original. Pictura Yogo este unul dintre vârfurile dezvoltării artei luminii. Cu precauțiile sale experimentale, marele Leonardo poate să fi îmbogățit toate galeriile științei din timpul său.
Cu geniul lui Leonardo da Vinci, marele artist nu a fost mai puțin superb Michelangelo(1475-1564), la care au visat și diversele talente. Michelangelo a devenit celebru ca sculptor și arhitect, un pictor care cântă. Gloria eternă ți-a fost adusă de frescele Capelei Sixtine de la Vatican, pictate de Michelangelo pe 600 de metri pătrați. m scene din Vechiul Testament. Pentru acest proiect a fost construită o cupolă grandioasă pentru Catedrala Sf. Petru, până în acea zi nu a existat nicio mișcare nici pentru dimensiuni, nici pentru măreție. Viziunea arhitecturală a întregului centru istoric al Romei este indisolubil legată de numele lui Michelangelo.
Un rol deosebit în formarea picturii renascentiste îl avea Sandro Botticelli(1445-1510). În istoria culturii luminii, vin uviyshov, ca creator de imagini subtile, spiritualizate, care a redus înălțimea picturii de vârstă mijlocie cu un respect sincer față de specialitatea umană, a fost caracterizat de noi ore.
Creativitatea este culmea artei italiene din această epocă Rafael(1483-1520). În creațiile de yoga, canoanele Înaltei Renașteri și-au atins apogeul.
Cel mai important loc în istoria artei renascentiste este ocupat și de școala venețiană de pictură, cel mai proeminent reprezentant al acestei Titian(1470/80 - 1576). Toate cele pe care le-a învățat de la urmașii săi, Tizian le-a completat la perfecțiune, iar modul liber de a scrie de el s-a blocat chiar într-o dezvoltare îndepărtată a picturii în lumină. Material de pe site
arhitectură
Revoluția corectă în epoca Renașterii a fost experimentată și de arhitectură. Budіvelnoї tehnіk îmbunătățit permis maestruam Vіdrodzhennya vіrishuvati arkhіtekturnі zavdannya, inaccesibil pentru arhitectіv poperedny hour. Fondatorii noului stil arhitectural au fost celebrii maeștri ai Florenței, F. Brunelleschi care a creat cupola monumentală a Catedralei Santa Maria del Fiore. Dar principalul tip de dispută arhitecturală în această perioadă nu este biserica, ci viața seculară. palazzo(Palat). Stilul renascentist în arhitectură se caracterizează prin monumentalitate și simplitatea fotoliilor fațadelor, spațiilor deschise ale interioarelor.
Detalii Categorie: Artă și arhitectură care creează imagini din perioada Renașterii (Renașterii).Epoca Renașterii - ora renașterii culturale, ceasul dezvăluirii întregului misticism, dar mai ales ei au exprimat spiritul orei lor mai imaginativ misticism.
Epocă a Renașterii sau a Renașterii(franceză „nou” + „narodzheniya”) este mic în lumina semnificației istoriei culturii în Europa. Renașterea a venit să-l înlocuiască pe Serednovichchiam și a respins epopeea Iluminismului.
Capete de orez din epoca Învierii- natura seculară a culturii, umanismului și antropocentrismului (civilitate față de oameni și activitate її). În perioada epocii Renașterii s-a dezvoltat interesul pentru cultura antică și pare a fi ca o „înviere”.
Reînvierea viniclo-ului Italiei - primele semne ale secolelor XIII-XIV. (Tones Paramon, Pisano, Giotto, Orcannia și alții). Ale s-a ridicat ferm din anii 20 ai secolului al XV-lea și până la sfârșitul secolului al XV-lea. a ajuns la cea mai mare rozetă.
Pe alte meleaguri, refacerea a început mult mai târziu. La secolul al XVI-lea. începe criza de idei a Renașterii, ultima dintre aceste crize - justificarea manierismului și barocului.
Perioadele Epocii Învierii
Împărțiți Epoca Renașterii în 4 perioade:
1. Proto-Renaștere (a doua jumătate a secolului XIII - secolul XIV)
2. Renașterea timpurie (secolul XV-sfârșitul secolului XV)
3. Renașterea Vysoka (sfârșitul XV-persh 20 rokiv al secolului XVI)
4. Învierea (mijlocul anilor XVI-90 ai secolului al XVI-lea)
Căderea Imperiului Bizantin și-a jucat rolul în instaurarea Renașterii. Bizantinii, care s-au mutat în Europa, și-au adus cu ei bibliotecile și au creat artă, necunoscută Europei de mijloc. În Bizanț, nu s-au rupt nici măcar de cultura antică.
Aspect umanism(rafale suspіlno-filosofice, ca și cum ar privi o persoană ca pe o valoare reală) a fost asociată cu viața de zi cu zi în orașele-republicile italiene din vidnosin feudal.
Pe alocuri, centrele de știință și știință au început să fie învinuite pentru științe, care nu erau controlate de biserică. diyalnist yakikh controlul posturii perebuvale a bisericii. La secolul XV. drukarstvo a fost găsit vinovat, de parcă ar fi jucat un rol important în extinderea de noi obiective în toată Europa.
Scurte caracteristici ale perioadelor
proto-renascentist
Proto-Renașterea este precursorul Renașterii. Vіn sche tіsno pov'yazaniya іz srednіvіchchiam, z vіzantіyskim, romaneskom i gotichnymi traditsіyami. Vіn pov'yazaniy s în numele lui Giotto, Arnolfo di Cambio, frații Pisano, Andrea Pisano.
Andrea Pisano. Basorelief „Creația lui Adam”. Opera del Duomo (Florenta)
Pictură la proto-renașterea reprezentărilor a două școli de artă: Florența (Cimabue, Giotto) și Sieni (Duccio, Simone Martini). Figura centrală din tablou este bov-ul lui Giotto. Yogo a fost respectat ca un reformator al picturii: amintește de forme religioase cu un zmist secular, zdiisniv tranziție pas cu pas de la imagini plate la cele voluminoase și în relief, trecând la realism, vvіv în pictura obseg plastic de figuri, înfățișând un interior în pictura.
Renașterea timpurie
Această perioadă de la 1420 la 1500. Artiștii Renașterii timpurii a Italiei au desenat motive de viață, amintind de comploturile religioase tradiționale cu zmist pământesc. La sculptură se află capetele lui L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, Sim'ya della Robbia, A. Rossellino, Desiderio și Settignano, B. și Maiano, A. Verrocchio. În creativitatea lor, începe să se dezvolte o statuie, care este liberă, un relief pictural, un bust portret, un monument al unui film.
În pictura italiană a secolului al XV-lea. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Girlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, P'ero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino etc.) , la cele etice și idealurile gromadiene ale umanismului, strălucirea frumuseții și diversitatea lumii reale.
Filippo Brunelleschi (1377-1446) a devenit fondatorul arhitecturii Renașterii în Italia - un arhitect, sculptor și savant, unul dintre creatorii teoriei științifice a perspectivei.
Un loc special în istoria împrumutului arhitecturii italiene Leon Battista Alberti (1404-1472). Acest savant, arhitect, scriitor și muzician italian din epoca Renașterii timpurii, obținut iluminarea la Padova, luând dreptul de la Bologna, departe, locuiește lângă Florența și Roma. După ce a creat tratate teoretice „Despre o statuie” (1435), „Despre pictură” (1435-1436), „Despre arhitectură” (publicat în 1485). Vorbind la Zachistul movului „popular” (italian) ca unul literar, în tratatul de etică „Despre familie” (1737-1441) a dezvoltat idealul specialității dezvoltate armonios. În lucrarea de arhitectură a lui Albert, el este greu până la soluții experimentale îndrăznețe. Vin a fost unul dintre pionierii noii arhitecturi europene.
Palazzo Rucellai
Leon Battista Alberti a dezvoltat un nou tip de palat cu o fațadă, rusticată pe toată lungimea și împărțită în trei niveluri de pilaștri, care arată ca baza constructivă a vieții (Palatul Rucella de lângă Florența, inspirația lui B. Rossellino pentru planurile lui Alberti).
Navpaki Palazzo a costat Loggia Rucella, unde au avut loc recepții și banchete pentru partenerii comerciali, s-au ținut sărbătorile de Crăciun.
Loggia Rucella
Înalta Renaștere
Acesta este momentul celei mai mari dezvoltări a stilului renascentist. În Italia a suflat din aproximativ 1500 până în 1527. Acum centrul artei italiene din Florența se mută la Roma, voi intra în curând pe tronul papal Iulia II, un popor ambițios, îndrăzneț, amabil, care a adus la curtea ei cei mai buni artiști ai Italiei.
Rafael Santi „Portretul Papei Iulius al II-lea”
Roma va avea clădiri monumentale impersonale, vor fi create sculpturi miraculoase, vor fi pictate fresce și picturi, precum capodoperele picturii dosi vvazhayutsya. Antichitatea, ca și înainte, este foarte apreciată și se ridică hotărât. Dar moștenirea anticilor nu înecă independența artiștilor.
Punctul culminant al Renașterii este opera lui Leonardo da Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) și Raphael Santi (1483-1520).
Pіznіshe Renaștere
În Italia, perioada cuprinsă între anii 1530 și 1590-1620. Arta acelei culturi este uneori mai variată. Deyakі vvazhayut (de exemplu, vcheni britanic) că „Renașterea ca o perioadă istorică întreagă sa încheiat cu căderea Romei în 1527”. Arta noii Renașteri este deja un tablou pliant al luptei diferitelor curente. Mulți artiști nu au abandonat natura acelei legi, ci au încercat mai degrabă să dobândească „maniera” marilor maeștri: Leonardo, Rafael și Michelangelo. Din care îl aduc pe bătrânul Michelangelo, spunând parcă, minunându-se, ca niște artiști care îl copiază pe Yogo „Judecata de Apoi”:
Contrareforma a predominat în Pivdenniy Europa, deși liber-gândirea nu a existat, inclusiv cultivarea corpului uman și învierea idealurilor în antichitate.
Printre artiștii acestei perioade s-au numărat Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) și alții. Caravaggio vvazhetsya zanovnik stil baroc.
F.Lippe Madonna
Pe stiulețul secolului al XV-lea în Italia, au avut loc mari schimbări în viață și cultură. Orășenii, negustorii și meșteșugarii Italiei încă din secolul al XII-lea au dus o luptă eroică împotriva stării feudale. Dezvoltarea comerțului și virobnitstvo, locuitorii orașului au devenit treptat bogați, au renunțat la puterea lorzilor feudali și au organizat locuri-state libere. Orașele din orașele italiene au devenit mai puternice. Acești hulk au scris despre cuceririle lor. Bogăția maiestuoasă a locurilor italiene independente a devenit motivul acestui trandafir strălucitor. Burghezia italiană s-a mirat de lume cu ochii lor, ei au crezut ferm în ei înșiși, în forțele proprii. Am fost suferința pragmatică a altcuiva, smerenia, vіdmova în lumina bucuriilor pământești, așa cum li sa predicat dosі. Creșterea a crescut la oamenii pământești, ca și cum ar fi koristuetsya cu bucuriile vieții. Oamenii au început să se ridice la viață în mod activ, să învârtă lumea cu lăcomie, să-i admire frumusețea. La această oră se nasc diferite științe, misticismul se dezvoltă.
În Italia, au fost salvate o mulțime de memorii despre misticismul Romei antice, acea epocă antică a fost din nou venerată pentru a cânta, mistica antică a devenit un obiect de cult. Moștenirea antichității i-a dat autorului numele acestei perioade în artă - Renaștere, care în limba franceză se traduce prin „Renaștere”. Evident, nu a existat orbire, mai precis o repetare a artei antice, a existat deja o artă nouă care spiralează pe arta antică. Renașterea italiană este împărțită în 3 etape: secolele VIII - XIV - Renaștere (Proto-Renaștere sau Trecento - s it.); Secolul XV - Renașterea timpurie (Quattrocento); sfârşitul secolului al XV-lea - începutul secolului al XVI-lea - Înalta Renaştere.
În toată Italia s-au făcut săpături arheologice, au fost găsite monumente antice. Statui, monede, ustensile nou găsite, au fost adunate cu grijă și adunate într-un muzeu special creat. Artiștii au început să învețe din zrazkahul antichității, le-au pictat din natură.
Intrarea în Egipt (Giotto)
Trecento (Renaștere)
Urechea dreaptă a epocii Giotto di Bondone(1266? - 1337). Yogo vvazhayut ca finanțator al picturii Renașterii. Florentine Giotto a adus mari contribuții la istoria artei. Vіn buv vіdnovnik, strămoșul picturii europene Usy după Evul Mediu. Giotto a dat viață scenelor Evangheliei, creând imagini cu oameni reali, inspirați, dar pământeni.
Întorcându-l pe Ioachim către păstori (Giotto)
Giotto a făcut mai întâi promisiuni pentru ajutorul luminii. Vіn dragoste curate, strălucitoare farby culori reci: roz, orz-sirі, pal-violet și deschis-liliac. Oamenii din frescele lui Giotto sunt silex, cu o mișcare grea. Duhoarea marilor figuri de aparenta, frunte largi, ochi inalti. O persoană într-un tip nou, respectuos, serios.
Fresca de Giotto la Templul din Padova
Din opera lui Giotto, frescele de la templele din Padova s-au păstrat cel mai bine. Poveștile evanghelice ale vinurilor sunt prezentate aici ca esențiale, pământești, reale. Acești roboți vorbesc despre problemele pe care oamenii sunt lăudați în orice moment: despre bunătate și înțelegere reciprocă, accesibilitate și zrada, despre profunzime, tristețe, lagidnist, smerenie și automulțumire maternă calmă.
Fresca de Giotto
Înlocuirea trandafirilor figurilor okremikh, ca în pictura din clasa de mijloc, Giotto a mărit la crearea unei explicații, întreaga poveste despre plierea vieții interioare a eroilor. În loc de un fundal auriu inteligent al mozaicurilor bizantine ale lui Giotto, introduceți un fundal peisaj. La fel ca în pictura bizantină, stâlpii hiba pluteau, atârnau în aer liber, eroii frescelor lui Giotto cunoșteau pământul ferm sub picioarele lor. Glumele lui Giotto la transferul de spațiu, plasticitatea articolelor, versatilitatea mișcării, au spulberat știința yoga cu o etapă întreagă în epoca Renașterii.
Fresca de S.Martin
Unul dintre celebrii maeștri ai Renașterii este Simone Martini (1284 - 1344).
Pictura yoghină a păstrat desenele de pivnіchnoї gotic: podovzhenі lui Martini, de regulă, pe un fundal auriu. Ale Martini creează imagini cu ajutorul luminii, le oferă mișcare naturală, încearcă să transmită o stare psihologică cântătoare.
Fragment de frescă. Domeniko Girlandaio (1449 - 1494)
Quattrocento (Renașterea timpurie)
Antichitatea a jucat un rol important în modelarea culturii svitsky a Renașterii timpurii. Florența găzduiește Academia Platonistă, Biblioteca Laurențiană pentru a răzbuna cea mai bogată colecție de manuscrise antice. Există primele muzee istorice pline cu statui, trucuri ale arhitecturii antice, marmururi, monede, ceramică.
În perioada Renașterii s-au văzut principalele centre ale vieții artistice a Italiei - Florența, Roma, Veneția. Unul dintre cele mai mari centre, patria artei noi, realiste, a fost Florența. Aproape de secolul al XV-lea au locuit acolo, au început și au practicat o mulțime de binecuvântări ale maeștrilor epocii Renașterii.
Catedrala Santa Maria del Fiore (Catedrala din Florența)
Arhitectura Renașterii timpurii
Locuitorii Florenței aveau o cultură artistică înaltă, duhoarea a luat parte activ la crearea de mementouri greșite, au discutat despre opțiunile pentru viața unor prieteni frumoși. Arhitecții s-au inspirat din mustață, care a inspirat stilul gotic. Sub afluxul antichității, cel mai complet a devenit vvazhat budіvlі, încoronat cu o cupolă. Punctul aici este Panteonul Roman.
Florența este unul dintre cele mai frumoase locuri din lume, un loc-muzeu. Vin și-a luat arhitectura de demult, mayzhe într-o privire neocupată, iar cea mai frumoasă viață a fost trezită în principal în Epoca Învierii. Deasupra dachas cu ochii roșii ale vechilor spori ai Florenței se înalță viața maiestuoasă a Catedralei Santa Maria del Fiore, care este adesea numită pur și simplu Catedrala Florentină. Înălțimea yoga este de 107 metri. Domul miraculos, a cărui structură este susținută de nervuri de piatră albă, încununând catedrala. Domul se opune lumilor (diametrul său este de 43 m), încununează întreaga panoramă a locului. Catedrala poate fi văzută de pe strada de piele din Florența, vizibilă clar pe cer. Arhitectul Filippo Brunelleschi (1377 - 1446) a creat această controversă miraculoasă.
Bazilica Sf. Petru (arh. Brunelleschi ta Bramante)
Miraculos și amintește de casa cu cupolă din epoca Renașterii, devenind Catedrala Sf. Petru de langa Roma. Yoga există de peste o sută de ani. Creatorii proiectului cob boules arhitectul Bramante și Michelangelo.
Coloane, pilastri, capete de levin si "putti" (gozi neacoperiti), vita de gips din flori si fructe, frunze si detalii bogate, imagini cu astfel de bola s-au gasit la ruinele vechilor budive romane. Nou vіyshla vogă arc rotund. Localnicii au început să devină case mai frumoase și mai rezistente. În loc de budinki strâns strâns unul la unul, au apărut palate șic - un palazzo.
David (sc. Donatello)
Sculptură a Renașterii timpurii
În secolul al XV-lea, lângă Florența, au creat doi sculptori celebri - Donatello și Verocchio. Donatello (1386? - 1466)- unul dintre primii sculptori ai Italiei, o figură victorioasă a artei antice. Vіn a creat una dintre cele mai frumoase creații ale Renașterii timpurii - statuia lui David.
Potrivit legendei biblice, un simplu păstor, tânărul David a traversat felinarul lui Goliat și, în același timp, l-a adus pe tânăr în robie și a devenit atunci rege. David a fost una dintre imaginile preferate ale epocii Renașterii. Imaginea sculptorului nu este ca un sfânt umil din Biblie, ci ca un tânăr erou, un erou, un apărător al unui loc natal. În sculptura sa, Donatello evocă o persoană ca idealul unei individualități eroice frumoase, care vinkla în epoca Renașterii. David încoronat cu un vin de laur. Donatello nu s-a temut să introducă un astfel de detaliu, ca o picătură de cioban - un semn al acestei simple aventuri. În Evul Mediu, biserica a grăpat imaginea unui corp gol, vvazhuchi yogo pentru corabia răului. Donatello a fost primul maestru, care a distrus de două ori gardul. Vіn stverzhuє tsim, corpul uman scho este un miracol. Statuia lui David este prima sculptură rotundă din acea epocă.
Statuia comandantului Gattamelata (sc. Donatello)
Vіdoma și іnsha este o sculptură frumoasă a lui Donatello - o statuie a unui războinic, comandantul Gattamelata. Aceasta a fost prima reamintire a erei Renașterii. Creat acum 500 de ani, acest memento să stea pe un piedestal înalt, înfrumusețând piața din apropierea orașului Padova. În fața sculpturii nu se afla nici zeu, nici sfânt, nici o persoană nobilă și bogată, ci un războinic nobil, bun și rău, cu un suflet mare, care și-a câștigat faima cu mari drepturi. Îmbrăcat în obladunki antic, așezați Gattemelata (tse yogo prіzvisko, scho înseamnă „intestine gălăgitoare”) pe un cal puternic într-o poziție calmă, maiestuoasă. Atrageți indivizi ai războinicului pentru a exprima un caracter puternic și ferm.
Monumentul condotierului Colleoni (Verocchio)
Andrea Verrocchio (1436 -1488)
Cel mai faimos elev al lui Donatello, care a creat celebrul monument al condotierului Colleoni, care a fost amplasat lângă Veneția pe piața bisericii San Giovanni. Golovnya, care se opune monumentului - energia splendidă a calului și vârful. Aruncă iac bi drept între piedestalul de marmur, pe care a fost ridicat un monument.
Coleonii, mișcându-se pe etrieri, întinzându-se, ridicând capul sus, privesc în depărtare. Pe chip a surprins o grimasă de furie acea tensiune. Poziția lui Yogo arată o voință maiestuoasă, deghizând o pasăre rea. Imaginea inspirației cu forță, energie, suveranitate de neclintit.
Fresca de Masaccio
Pictură a Renașterii timpurii
Epoca Renașterii a adus arta picturii. Artiștii au învățat cum să transmită corect spațiul, lumina și umbra, ipostaze naturale, diverse sentimente umane. Cea mai veche Renaștere a fost o oră de acumulare de cunoștințe și abilități. Imaginile acelei ore se vor lumina și vor ridica spiritele. Fundalul este adesea scris în culori deschise, iar motivele naturale sunt împodobite cu linii ascuțite, care depășesc culorile pure. Cu cea mai bună grijă, toate detaliile sunt descrise mai jos, personajele sunt cel mai adesea atârnate pe rând și în fundal cu contururi clare.
Pictura din Renașterea timpurie este mai puțin deplină, protejează, ochii de lățimea ei, sufletele privitorului rămân în jur.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Gvіdі, Vіdomy pіd im'yam Masaccio (1401 - 1428)
Yogo este onorat de succesorul lui Giotto și primul maestru al picturii Renașterii timpurii. Masaccio a trăit mai bine de 28 de ani, dar pentru scurta sa viață a pierdut o urmă din artă, ceea ce este o reevaluare importantă. Câștigă zoom-uri completează revoluția în pictură, rozpochati Giotto. Pictura Yogo evocă o colorare întunecată și profundă. Oamenii din frescele lui Masaccio sunt bogat zvelți și subțiri, mai jos în picturile porului gotic.
Fresca de Masaccio
Masaccio în primul rând, devenind corect obiecte roztashovuvat în spațiu, cu o perspectivă mai bună; oamenii sunt vinovați că au devenit imagini urmând legile anatomiei.
Vіn umіv pov'yazuvati într-o singură poziție și peisaj, în mod dramatic dintr-o dată din acest întreg natural transmite viața naturii și a oamenilor - și pentru care marele merit este pictura.
Adorarea Magilor (Masaccio)
Nemovlyam ta chotirma al Madonei de către îngeri (Masaccio)
Acesta este unul dintre puținele picturi de șevalet de Masaccio, care s-a rugat la tine în 1426 pentru o capelă în biserica Santa Maria del Carmine din Pisa.
Madona stă pe un tron inspirat de legile perspectivei lui Giotto. Această figură este pictată cu acele linii clare care creează impresia de volum sculptural. Її masca de pace și însumare, o privire ciudată de linii drepte de nicăieri. Înfășurată într-o mantie albastru închis, Fecioara Maria îl ține în brațe pe Nemovl, a cărei figurină aurie se vede clar pe o afidă întunecată. Pliurile adânci ale mantiei permit artistului să mărească lumina, ceea ce creează și un efect deosebit de sănătos. Să nu mănânci struguri negri - simbol al comuniunii. Îngerii (artista cunoscând în mod miraculos anatomia unei ființe umane) au fost pictați orbește, pentru a înstrăina Madona, pentru a oferi imagini cu un sunet emoțional suplimentar.
Masaccio.O frescă din biblioteca Catedralei din Siena, dedicată vieții umanistului și poetului Enea Silvio Piccolomini (1405-1464)
Iată reprezentări ale tracturilor de intrare a cardinalului Kapranik în Catedrala din Basel, care a durat 18 ani, din 1431 până în 1449, mai întâi la Basel, apoi la Lausanne. La alaiul cardinalului Bov și al tânărului Pikkolomin.
Un grup de clerici și slujitori este reprezentat de ceafa înrămată subțire a unui arc rotund. Podіya not nastіlki este real și autentic, skilki face-vitonchen, mayzhe fantastic.
În prim-plan, un călăreț garnier pe un cal alb, la pânza bogată și capelus, întorcând capul, pentru a se minuna de peeping - tse Eney Silvio. Din satisfacție, artistul scrie haine bogate, cai frumoși cu pături de oxamită. Podovzheni proporții de figuri, troch maniere ruhi, ușor shaggy capete aproape de curte ideal.
Viața Papei Pius al II-lea a fost o spovnenie yaskravikh podіy, și Pіnturikko rozpovіv despre zustrіchi papi cu regele Scoției, cu împăratul Frederic al III-lea.
Sfinții Ioan Botezătorul și Ioan Botezătorul (Masaccio)
Un scaun, pictat de Masaccio pentru un triptic cu două fețe. După moartea timpurie a artistului, sarcina de roboti, care a fost celebrată pentru rugăciunea Papei Martin al V-lea pentru Biserica Santa Maria din Roma, a fost finalizată de artistul Mazolino.
Aici sunt înfățișați doi suvori, figuri de sfinți gravate monumental, îmbrăcați în haine roșii. ІєRONіm trymaє deschide cartea și modelul bazilicii, yogo alb nіg lie lion. Ioan Botezătorul își imaginează înfățișarea splendidă: este desculț și ține o cruce în braț. Figurile ofensive se opun acurateței anatomice a imaginii și pot fi sculpturale în general.
Portretul unui flăcău (1480) (Pinturikkio)
Interesul pentru oameni, shilyannya înainte de bulele de frumusețe de yoga în epoca Renașterii sunt atât de mari încât a condus la revendicare nou gen de pictură - genul portretului.
Pіnturikkіo (varianta Pіnturіkkіo) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
Originar din Perugia, Italia. Am petrecut o oră scriind miniaturi, ajutându-l pe P'ietro Perugino să înfrumusețeze Capela Sixtină din Roma cu fresce. Nabuv dosvidu la cel mai sofisticat aspect de pictură murală decorativă și monumentală. Deja de câțiva ani, Pinturiko a devenit un muralist independent. Pratsiuvav peste frescele din apartamentele Borgia de lângă Vatican. Picturi murale Robiv la biblioteca catedralei din Sien.
Artistul transmite o asemănare portret, dar mai degrabă dezvăluie starea interioară a unei persoane. În fața noastră este un flăcău, un flăcău, îmbrăcat la suvor cu o pânză de orășenesc de culoarea erizipelului, pe cap o șapcă mică de culoare albastră. Părul castaniu coboară până la umeri, încadrând aspectul inferior, privirea respectuoasă a ochilor căprui, gânditori, tulburați.
În spatele băiatului este un peisaj umbrian de copaci subțiri, un râu zbârcit, un cer care arată ca niște coarne la orizont. Primăvara naturii, ca o reflectare a caracterului eroului, se armonizează cu poezia și carisma eroului.
Imaginea băiatului este dată primului plan, mare și ocupă întreaga suprafață a tabloului, iar peisajul scrisului pe fundal este și mai grotesc.
Tse creează ostilitate față de semnificația oamenilor, її panuvannya asupra naturii de prisos, solidifică faptul că oamenii sunt cea mai frumoasă creație a pământului.
Madona cu tăcere și doi îngeri (F.Lippi)
Philippo Lippi (1406 - 1469)
Au existat legende despre viața lui Lipi. Vіn însuși era nativ, ale pіshov de la mănăstire, devenind un artist rătăcitor, jefuind o călugăriță din mănăstire și murit, murind ca rude ale unei tinere, murind într-un iac deja într-o vіtsi fragilă. După ce am scris imaginea Madonei cu mutitate, trăim din trăiri și experiențe umane. În picturile sale, el înfățișa detalii bogate: obiectele erau pobutate, erau ascuțite, astfel încât comploturile religioase erau asemănătoare picturilor lumești.
Buna Vestire (1443) (F.Lippі)
Încoronarea Mariei (1441-1447) (F.Lippi)
Portretul lui Giovanni Tornabuoni (1488) (Girlandaio)
Scriind nu numai povești religioase, ci și scene din viața nobilimii florentine, bogăție și bogăție, portrete ale oamenilor nobili.
În fața noastră este echipa unui florentin bogat, un prieten al artistului. La aceasta, nici mai tare garniy, luxos îmbrăcată, artista plutea calmă, tremurând neliniște și tăcere. Viraz, fața femeii este rece, până la tot baiduzh, ea renunță la ea aproape de moarte: la scurt timp după ce portretul a fost pictat, va muri. Femeia este înfățișată în profil, ceea ce este tipic pentru portretele bogate ale acelei ore.
Rezervor (1458-1460) (P. della Francesca)
P'ero della Francesca (1415/1416 - 1492)
Unul dintre cele mai importante nume din pictura italiană a secolului al XV-lea. După finalizarea transformării numerice la recepții, inspirați perspectivele unei întinderi pitorești.
Tabloul este pictat pe doshtsi de plop cu tempera de ou - evident, pana la aceasta ora artistul nu a descoperit inca secretele picturii cu masline, in tehnica careia ii va fi scrisa opera.
Artistul a înfățișat apariția misterului Sfintei Treimi în momentul Botezului lui Hristos. Porumbelul alb, întinzându-și aripile peste capul lui Hristos, simbolizează atacul Duhului Sfânt asupra Mântuitorului. Figurile lui Hristos, Ioan Botezătorul și îngerii care stau lângă ei sunt scrise într-o schemă de culori simplificată.
Fresca de della Francesca
Frescele Yogo ale urochiștilor, înalte și grozave. Francesca a văzut la templu recunoașterea oamenilor și la creațiile de yoga oamenii au făcut mereu miracole. Vіn vikoristovuvav subțiri tranziții inferioare farb. Francesca a fost prima care a scris în aer liber (pe podea).
Hristos mort (Mantegna)
Andrea Mantegna (1431 - 1506)
Mare pictor din Padova. Vіn zahoplyuvavsya suvor măreția lucrărilor artiștilor antici. Imaginile Yogo prezic sculpturile grecești - suvori sunt frumoase. În frescele sale, Mantegna a dezvoltat un caracter eroic. Natura din picturile lui Yogo este goală și inospitalieră.
Mantinnya. Madona cu tăcere, Ioan Botezătorul și Maria Magdalena (1500)
Madona stă pe un fotoliu roșu sub un baldachin și se așează în brațele unui Nemovlya-Hristos gol. Chipul Fecioarei Maria nu are nimic regal, mai degrabă, imaginea unei tinere țărănci. Gole tіlce Nemovlya zdaetsya complet viu. Pe părțile laterale ale Madonei - Ioan Botezătorul și Maria Magdalena. În mâinile Magdalenei este un vas cu pământ arabil pentru ungere, crucea din mâinile lui Ioan este înfășurată în jurul unui rând cu un text despre un miel, care înalță păcatele lumii. Figurile sunt pictate într-un mod natural pentru artist și sunt create privind piatra; Fundalul este o imagine a unei grădini cu frunze întunecate. În spatele tonului său, verdeața contrastează cu cerul strălucitor, verde-jos. Robotul strigă o tristețe profundă și un soar cântec.
Parnasul (Mantegna)
Rugăciunea pentru Cupă (Mantegna)
Acest mic tablou înfățișează momentul în care, după Cina cea de Taină, Iisus pleacă împreună cu Sfântul Petru și cu cei doi fii ai lui Zebedei în grădina Ghetsimani, de, după ce i-au părăsit pe apostoli, să însoțească yoga, să te rogi, să te întorci la Dumnezeu Tatăl. : "Eu, nu pot! Cupa este pentru mine."
Uklinna să-l posteze pe Hristos într-o poziție de rugăciune este centrul compozițional al imaginii. Yogo a ridicat privirea spre cer, unde în întuneric poți vedea un grup de îngeri. Apostolii au adormit de parcă l-ar fi însoțit pe Hristos.
Apropo, ducând spre grădină, nibi ilustrayuchi cuvintele Evangheliei: „axa, apropiindu-se de palatul Oamenilor”, puteți vedea un grup de gardieni condus de Yuda.
Poza are multă simbolistică: un copac uscat cu un vultur vede moartea, iar un copac dintr-o scurgere verde arată pe suedezul de duminică; iepuri smeriți, să stea pe drum, care a trecut de moartea soldaților romani, să-l ducă pe Hristos sub vartă, să vorbească despre lagidnismul unei persoane înainte de moartea iminentă. Trei cioturi, care au rămas în urmă în pădurile care au fost tăiate, povestesc despre trandafir, care este pregătit.
Sacred Rozmova (Bellini)
Giovanni Bellini (1427/1430 - 1516)
În epoca Renașterii timpurii, frații Bellini s-au arătat clar. Mai ales celebrul Giovanni Bellini, cel mai des numit Gianbellino. Viris la Sim-ul Marelui Pictor Venețian. Împreună cu fratele din tinerețe i-au ajutat pe părinți să evoce rugăciuni artistice. Pratsyuvav peste culoarea Palatului Venețian din Dozhiv.
Pictura Yogo amintește de malovnicistyu moale, bogat în culoare aurie. Madonna Gianbellino hіba scho diferă în peisaj, forjează organic cu el.
Madonna in the Luzі (1500-1505) Bellinі.
În centrul imaginii este imaginea unei tinere Mary, care stă pe o băltoacă, în genunchi, ca o adormită goală. Aspect frumos її gânditor, frumos pliat la gestul de rugăciune al mâinii. Figurina micuțului divin este transformată într-o sculptură, să nu vorbim despre cunoștința cu opera lui Mantegna. Protejează moliciunea luminii și sălbăticia schemelor de culori indică faptul că Bellini își cunoaște drumul în pictură.
Un peisaj miraculos este scris pe fundal. Tabloul a fost pictat folosind o tehnică modernă, care i-a permis artistului să facă contururile mai moi și culorile mai bogate.
Portretul lui Leonardo Loredan Doge. Bellinі
Portretul Tsei al rugăciunilor lui Bellini ca artist al Republicii Venețiane. Doge aici imagini mayzhe frontal - la fel la aceeași tradiție de a reprezenta chipuri în profil, inclusiv pe medalii și pe monede.
Citirile luminii pictează în mod miraculos templele, nіs і vperte pіdborіddya sensibili și volovoї indivizi ai oamenilor de vară. Pe fundalul albastru-verde strălucitor, este vizibilă în mod contrastant o manta din brocart auriu și argintiu. Її ploaie îmbrăcat la Sfânta Strіtennya - ziua, dacă ați scăpat de mare, luând stăpânirea fluviului asupra Veneției. Lucrarea cu ulei l-a ajutat pe artist să-și amintească întinderea tabloului și să creeze imaginea Dogului complet vie.
Pământurile europene au adus o mare contribuție la cultura renascentist. Cele mai bune creații ale epocii au ajuns la cultura lumii. Particularitățile dezvoltării istorice, sociale, economice, politice și spirituale a acestor ținuturi au mărit specificul Renașterii în pielea lor.
Cultura Vinilului renascentist Italia, care a devenit centrul clasic al culturii renascentiste. Tse a micșorat din motive de cântare. Prin Italia treceau cele mai importante rute comerciale, care leagă Europa de Asia, ceea ce a dus la creșterea porturilor și a orașelor meșteșugărești (Florența, Genova, Veneția, Bologna și altele.).
Prin Italia au trecut purtători de cruce, care a preluat dezvoltarea meșteșugurilor, o creștere a balului meșteșugarilor. Mai devreme, mai jos în alte meleaguri, a început să se dezvolte producția. Toate acestea au stimulat o viață politică activă în localitățile-republici și au creat minți prietenoase în rândul dezvoltărilor culturii.
Lupta orăşenilor împotriva domnilor feudali, care în unele ţinuturi a sfârşit prin unirea pământurilor sub o puternică putere monarhică, în Italia s-a încheiat cu răsturnarea formei de guvernământ republicane şi înfiinţarea unui număr mare de oraşe-republici. Ar fi trebuit să depășesc a treia tabără, de parcă aș fi putut fi mulțumit de cultura și ideologia clasei de mijloc. În acest fel, lupta politică a dus inevitabil la o nouă înțelegere a lumii.
Nareshti, un rol mare a fost jucat de cei că Italia a fost un declin direct în cultura antică și memento-uri în această țară, a salvat mai mult, a fi mai bun.
Cadrul cronologic al Renașterii italiene acoperă perioada din cealaltă jumătate a secolului al XIII-lea. iar conform secolului al XVI-lea. inclusiv. Mijlocul acestei perioade se vede: Proto-Renaștere (pregătire) - XIII și urechea secolului XIV; Renașterea timpurie - de la mijlocul secolului al XIV-lea. că mai poate tot secolul al XV-lea; Înalta Renaștere - sfârșitul secolului al XV-lea și prima treime a secolului al XVI-lea; Pіznіshe Vіdrodzhennya – XVI și urechea secolului XVII.
Până la sfârșitul secolului al XV-lea. despre Renaștere se poate vorbi doar cât despre Italia. Pe celelalte ținuturi ale Europei, a început bogat târziu și nu cunoștea un viraz atât de strălucitor, deși existau proprii stăpâni.
Sfârșitul Renașterii italiene a fost acceptat în 1530, dacă orașele-republicile italiene erau rădăcina monarhiei habsburgice. Independența a cruțat mai puțin Regiunea Papală și încă mult timp a fost lipsită de Veneția independentă.
În centrul Renașterii italiene se află specialitatea, recunoașterea demnității și valorii posibilităților. Esența umanismului renascentist. Cel care continuă tradiția umanismului antic, dar zăbovește în fața noului, așa că, ca o volova, un om de ureche a epocii burgheze, se trezește ca un om al polisului antic. Eroul artei antice și al artei antice este o persoană frumoasă și inteligentă, kalakagatіyna (frumos bun), perfecționat fizic, disprețuit estetic. Reînvierea formei voinței, oameni iluminați diferit, activi, creându-și propria parte, creându-se pe sine.
Spiritul Trezirii nu poate fi numit nereligios. Creațiile au fost create pe parcele religioase, bulo și religiyne pochuttya, dar a existat o nouă lumină. Pentru oameni, distanța dintre Dumnezeu și oameni a fost egalată de oameni din clasa de mijloc. Tot ceea ce oamenii iubeau în viață, pe care duhoarea l-a admirat - vitejia omului, înțelepciunea celor bătrâni, tandrețea copiilor, frumusețea femeilor, frumusețea naturii și cele pe care oamenii și-au creat propria practică - totul a devenit bany și un atribut al istoriei sacre.
Și, în același timp, vedem creativitatea artistică a epocii Renașterii - arta de creare a imaginii, literatura, arhitectura, muzica, teatrul și altele au fost adoptate de spiritul secular. Inspirat de canoanele culturii Evului Mediu, de simbolurile Evului Mediu, misticismul renascentist arăta ca o viață asemănătoare.
Cea mai frumoasă latură a Renașterii italiene a fost arta de a crea imagini, în special pictura și sculptura. Eu, revenind la epoca Renașterii italiene, vedem arta în fața noastră.
De asemenea, este important să alegeți numele potrivite, vorbind despre creativitatea artiștilor din Renașterea italiană. Și nu numai pentru faptul că erau prea bogați, ci și rangul principal, epoca mijlocie a artei italiene a epocii tsієї a fost prea mare.
proto-renascentist(XIII - urechea secolului al XIV-lea) - Inaintea Renasterii, ca si in stiinte apare doar una noua. Protorenașterea se solidifică în locurile provinciei Toscana - Pisa, Sieni, Florența.
Florența este pentru Renaștere ceea ce este Atena pentru Grecia antică - centrul culturii artistice. Vaughn a dat lumină lui Dante, Petrarh, Boccaccio. În Florența, acel pratsyuvav este în viață Giotto di Bondone(1266/76-1337) - fondatorul picturii europene, fondatorul realismului.
- Principalele lucrări ale lui Giotto sunt frescele. Se explică prin aceasta că în Toscana la acea oră era o mare viață de palate și biserici. Artiștii au realizat picturi în ele, astfel încât fresca a devenit principala formă a creativității lor. Duhoarea este scrisă în farbs atât de delicioase încât chiar și deodată, după 700 de ani, capela arată ca un paravan, împânzit cu pietre scumpe. Următoarele semnifică reprezentarea artistului despre viața și suferința lui Hristos.
Giotto vede canonul clasei de mijloc, care arăta primatul spiritului asupra corpului, care se manifesta prin absența posturii, a ochilor mari, a picioarelor, de parcă pământul nu mai atârna ușor. În imaginea lui Giotto a materialului: o poziție masivă ghemuită, un cap mare, o deschidere îngustă a ochilor. Experiența eroilor naturii: teatralizarea zilnică. Văzând fundalul plat auriu, adoptat în pictura din clasa de mijloc, artistul plasează figurile în interior sau peisaj, introducând adesea noi elemente de arhitectură.
Nepermițând legile perspectivei și permițând inexactități în anatomie, Giotto transmite, în același timp, senzația de spațiu, dă volum figurilor. Vin bov nu este doar un pictor, ci și un arhitect proeminent.
„Giotto a fost un geniu al unei puteri atât de supraomenești încât în lumea luminii nu exista așa ceva pe care să nu-l poată imagina” – evaluând atât de înalt opera lui Giotto Yogo, contemporanul Giovanni Boccaccio. Iar celălalt contemporan - cei mai mari cântă din epoca proto-renașterii, devenind un clasic al literaturii seculare, Dante Aligh'ieri l-a glorificat pe Giotto în „Divina Comedie” în cealaltă parte – „Purgatoriu”.
Renașterea timpurie(sfârșitul secolelor XIV-XV) a fost reprezentată de o galaxie de artiști geniali: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domeniko Girlandaio (1449-1494), P'etro Perugia-no (1445-153) - 1510) și zeci de alți artiști marcanți, ale căror pânze înfrumusețează muzeul mondial.
Artistul Masaccio (referit de Tommaso di Giovanni), sculptorul Donatello și arhitectul Filippe Brunelleschi (1337-1446) sunt pozițiile inițiale ale Renașterii timpurii.
Creativitate Masaccioîn secolul al XV-lea, așa cum a fost în secolele celei mai mari dezvoltări a artei florentine. Masaccio a pictat o mică capelă a lui Brancacci lângă Florența (numită după adjunctul său), care a devenit un simbol al acelei școli pentru multe generații de maeștri italieni. Tema frescelor este preluată din legenda despre viața apostolului Petru. Ale, pe peretele de capăt al arcului de intrare, artistul a amplasat fresca „Vignannya din Paradis”. Aici, mai devreme decât epoca antichității, se arată un corp uman gol; Masaccio a fost primul care a transmis spațiul de pe piață pentru o perspectivă liniară suplimentară (cu plânsul lui Brunelleschi). Vіn nu îngrămădiți figurile în rânduri, de parcă v-ați fi sfiit mai devreme, ci în ordinea dvs., în locuri diferite, lăsați în depărtare de belvedere. În același timp, despre acele zoom-uri Masaccio, putem vedea dramatismul situației, cunoscând caracteristicile exacte ale personajelor.
Artistul a trăit o viață scurtă - 27 de ani (vin buv perturbări de la zazdroshchiv), dar apoi arta este lăsată cu o școală de înaltă măiestrie.
Sculptorul Donatello a creat o sculptură de șevalet și o sculptură rotundă monumentală în relief. Vіdomo bogat yogo robot: imaginea Sfântului Gheorghe și a profeților, stema Florenței, relieful „Benchet al lui Irod” și cel mai faimos robot yogo a fost statuia lui David (1430). Era mai bine pentru timpul său să înfățișeze o figură goală într-o sculptură monumentală. Cu mult mai largi în antichitate, imaginile naturii goale din Serednyovichchi au fost uitate.
În spatele ordinelor, tânărul - ciobanul David - vryatuvav poporul său, după ce a câștigat în luptă unică războinicul tribului ghicitor al lui Goliat. Pentru această ispravă, oamenii l-au făcut pe Yogo rege. Imaginea lui David - o persoană simplă, care atârna cu un văl de curaj și dragoste pentru poporul său - a fost una dintre favoritele epocii Renașterii. Donatello înfățișând yoga într-o pelerină de cioban, împletită cu iedera, încadrată de un păr lung, acoperiți-o cu o pelerină. Într-o mână există o piatră, în cealaltă - o sabie. Trupul lui David modelat miraculos. Sculptura este protejată pentru un aspect circular și de dragul inovațiilor, de aceea statuile din mijloc sunt strâns legate de zidul și de ordinea arhitecturii. Aici sculptura este o creație artistică independentă.
Este imposibil să nu numim un artist bun al acestui pori, o persoană cu ochi strălucitori, talentată spontană în acea soartă tragică. Sandro Botticelli.„Este rar ca un artist să fi experimentat atât de multe, ca să spunem așa gloria epocii sale”, - așa a marcat opera lui Botticelli pentru ultima perioadă a acestei perioade.
Botticelli a scris un număr mare de picturi picturale, ilustrând Divina Comedie de Dante, și cele mai faimoase dintre picturile sale - „Primăvara” și „Nașterea lui Venus”. Zgidno cu un mit, zeița kokhannya, bucurie, barca a fost populată dintr-un pin de mare. Prima pictură mare (172x278) din epoca Renașterii pe o temă antică. Arătând la pictura unui zmіstu nebisericesc, era un semn al orei.
Modul colorat al tabloului pâraielor, micuților vishukanilor și cel exact. Poza zeiței, în timp ce înoată pe cochilie, este valoroasă: își ascunde goliciunea cu mâinile. Toate au câștigat - a insuflat femeie, grație, frumusețe.
Un an de sufocare cu ideile predicatorului Savonaroli Botticelli și-a dezvăluit creativitatea, ardând imaginile rămase în noul, rupându-se de subiectele străvechi și devenind scriind tablouri pe teme religioase. A murit în mâinile lui Vignann, zabutiy usima, care a supraviețuit gloriei sale. Yogo v_dkryli din nou de exemplu XIX - cob XX Art. și arta yoga au apărut în armonie cu impresioniștii francezi - Eduard Manet și Navit Modilyani.
Sfârșitul secolului al XV-lea și începutul secolului al XVI-lea. Nume „Înalta Renaștere”, iar primul deceniu al secolului al XVI-lea a fost „epoca de aur” a Renașterii. Din stâncă au luat desăvârșirea noii culturi. Desenele caracteristice ale realismului Renașterii italiene - claritate clasică, imagini umane, rezistență plastică și armonie viraznist - ating o înălțime incredibilă.
Înalta Renaștere este nu mai puțin decât o continuare și finalizare a dezvoltării frontului, ci o nouă etapă. Unii dintre cei mai buni reprezentanți sunt nu mai puțin probabil să continue șoapta succesorilor lor, duhoarea de a lua cunoștințe de la cele mai mari sarcini: într-o duhoare privată, concretă, este posibil să o deschidă mai sălbatic, mai caracteristic. Imaginile create de ei sunt un imn la frumusețea și înțelepciunea umană.
Înalta Renaștere arată creativitatea a trei mari titani, artiști geniali - Leonardo da Vinci, Raphael Sant și Michelangelo Buonarroti.
Oamenii minții fantastice și geniul artistic al huiduiului Leonardo Da Vinci(1452-1519). Yogo fenomenal doslidnitska mіts a pătruns în toate sălile științei și artei. După un secol, succesorii operei sale creatoare se minunează de geniul perspicacității celui mai mare gânditor. Leonardo a fost un artist, un sculptor, un arhitect, un filozof, un istoric, un matematician, un fizician, un mecanic, un astronom, un anaton... Înaintea noastră, erau multe scaune mici și mici cu proiecte de bănci de întoarcere, mașini de filat, un excavator, o macara pidyomny, un magazin de livar, un ghid. , anexe pentru scafandri etc. Mryuchi despre udare, Leonardo vivchav, zamalovuvav, rozrakhovuvav mustață, ceea ce este legat de utilizarea păsărilor în astfel de comă. Rezultatul acestor realizări au fost cei mici și trandafirii zburatorului, elicopterul, parașuta... Este important să reînvie toți cei peste care a lucrat geniul gânditor și creator și la astfel de rezultate în vinurile deyshov.
Printre numeroasele interese ale sale, Leonardo a pus pictura pe primul loc. „Dacă un artist te încurajează să faci discursuri frumoase, dacă insufli iubire în tine, atunci în puterea ta le dai naștere și dacă vrei să inspiri discursuri condescendente... atunci Volodarul și Dumnezeu sunt deasupra lor... ca o manifestare, sau ca o manifestare, vin poate fi în suflet, iar apoi în mâini, - scrierea vin. - La asta, pictura este de vină, dar comenzile sunt mai mari pentru restul activității.”
Leonardo da Vinci a pictat o mulțime de tablouri. Printre acestea - „Madona cu o floare” („Madonna Benois”), „Madonna Litta”, „Doamna cu hermină”, „Maria cu incompetență” și multe altele. Madonele Yogo sunt femei tinere fermecătoare, persoane care sunt binecuvântate cu dragoste și milă pentru nesiguranța lor. Duhoarea diferă ca caracter, pe o specialitate kshtalt; dar duhoarea este frumoasă cu feminitate naturală, frumusețe pământească. Toți roboții lui Leonardo sunt miracole și toți creează același naivіdomіshi yogo - „Cina cea de Taină” (1495-1498) - pictura murală a trapezei mănăstirii milaneze Santa Maria delle Grazіe, care a devenit un robot pas cu pas în realizările științifice ale autorului și un cuvânt nou în artele creatoare de imagini portretul lui Moni Lisi (bl. 1503), un suită al negustorului Gioconde, cu un râs nedezvăluit, criptic. Au încercat să repete acest zâmbet pe pânzele bogaților succesori ai artistului, dar nimeni nu a putut scăpa. O mulțime de creații talentate sunt dedicate femeilor, dar nu există nimeni printre ele egal pentru puterea lor misterioasă la imn, care a creat geniul lui Leonardo în onoarea celei mai frumoase și mai misterioase creații a naturii.
La portretul Monyei Lizi, artistul a îndeplinit sarcina care transmitea aspirațiile artei creatoare de imagini: s-a născut nu doar ca o tabără a unei persoane, ci un proces de pliere a vieții sale spirituale. În primii cinci sute de ani, Mona Lisa sufocă poeți, muzicieni, artiști, generează speculații, provoacă știri și fură.
Sinteza antichității tradiționale și spiritul creștinismului cunosc mai profund în lucrările artistului genial al Renașterii Rafael Santi(1483-1520). Două dintre cele mai importante probleme ale artei de creare a imaginii au fost îndepărtate din creativitatea yoga:
imaginea perfecțiunii plastice a corpului uman, care exprimă bogăția spirituală și armonia lumii interioare a persoanei, acea pobudova pliată compoziție bogat figurată.
Toată viața lui Rafael este o imagine shukav amănunțită, armonioasă, încorporând propriile sale idei în imaginea Madonei (Madona din grajd, Madona în verde, Madona cu spărtură, Madona în fotoliu). Punctul culminant al geniului lui Rafael a fost „Madona Sixtina” (1515-1519). Autoarea a mers departe pentru a crea imaginea unei femei ideal de frumoasă, cu nerăbdarea lui Hristos în brațe, care este acolo ca un sacrificiu pentru pacea păcatelor omenești. Draperiile verde s-au luminat și Madona a apărut, privind, ținând în mâini nerăbdarea lui Hristos. Silueta calmă a Madonei este clar vizibilă în mijlocul cerului strălucitor. Se prăbușește cu o mișcare ușoară, pufoasă, vântul vântul face pliurile halatului, în vederea cărora este mai bine să te ridici. Її mici picioare goale ale unui troch se lipesc în întunericul pătruns de lumină. Tse nadaє її muta suprawichine lejeritate. Și cu atâta ușurință îl porți pe fiul tău, întinzându-l oamenilor și strângându-l deodată asupra ta.
Aspectul frumos al unei tinere exprimă forța interioară maiestuoasă. Pentru cel nou, iubirea este insuportabilă, neliniștea pentru partea cuiva, iar fermitatea este indestructibilă, mărturie a ispravnicului pe care a realizat-o: mama să-și sacrifice singurul fiu de dragul poporului.
Denunţarea lui Hristos este mai gravă decât un copil. Copilul care plânge vede puterea: este clar că ochii cuiva sunt uimiți ferm și perspicace.
Am terminat compoziția imaginii creând o armonie minunată. Este una dintre cele mai proeminente creații ale artei creatoare de imagini din lume cu mișcare artistică, culoare, plasticitate, ritm, compoziție.
Rafael pratsyuvav în diferite genuri. Vin este autorul unor fresce celebre („Școala din Atena”, „Parnasul”, „Bântuirea lui Eliodor”, „Mesa în Bolsena”, „Semnul apostolului Petru din temniță” și așa mai departe) și cel mai mare portretist al său. timp. Sunt roboți scriși, în unele desene individuale, în același timp sunt tipici, care caracterizează imaginea epocii („Portretul lui Iulius al II-lea”, „Leul X”, „Portretul unui cardinal”, „Doamna cu văl”. ” etc.).
Pictura Krim, Rafael s-a ocupat și de arhitectură, arheologie și protecția monumentelor antice. Raphael a murit la vârsta de 37 de ani, nefiind ajuns la finalizarea unei lucrări bogat roz.
Al treilea titan Învierea. Michelapjelo Buonarroti(1475-1564). După ce a trăit o viață lungă, creând ca o perioadă înaltă a Renașterii și, în același timp, apus. Cel mai mare maestru al epocii sale, Michelangelo, ne-a răsturnat cu puterea și abundența imaginilor malovnichestyu, patos gromadyansky, pasiune. Pictor, sculptor, arhitect, Michelangelo cântă având o contribuție generoasă la vistieria culturii mondiale.
R. 1496-1499 Creez primul meu, care a adus glorie creațiilor sculpturale ale lui Bacchus și P'eta. Din acest moment și până la sfârșitul vieții, imaginea unui frumos corp gol devine tema principală a operei lui Michelangelo. În 1504 p. la finalizarea lucrării la statuia lui David (înălțimea її este de aproximativ 5,5 m). Sculptura a luat marea recunoaștere a vastității celor mai importanți artiști în acea oră și trebuia să fie ridicată în fața primăriei de lângă Florența. Când a fost văzută statuia, a apărut triumful oamenilor.
Despre practica titanică, tensiunea non-umană a minții și forțele fizice ale lui Michelangelo, să remarcăm pictura plafonului Capelei Sixtine de la Vatican. Până acum, nimeni nu și-a asumat vreodată o sarcină atât de maiestuoasă: să facă zona de fresce de 600 de metri pătrați. m la o înălțime de 18 m. Michelangelo a lucrat deasupra lor din 1508 până în 1512. Pictura tavanului Sixtinei are 343 de figuri, iar indiferent de complotul religios (scena Vechiului Testament), există o persoană nobilă, minuțiozitate, forță, masculinitate, frumusețe.
Cele două decenii rămase din viața lui Michelangelo au fost marcate de o risipă de speranță, trandafiri, încredere în sine spirituală. Ale, marele maestru, după ce a continuat să creeze până la sfârșitul zilelor sale, creează, creând, ce să spun despre el, un geniu de neoprit.
Cel mai mare artist al epocii Renașterii Titian Ve-Cellio(1476/77 chi 1480-1576). După ce a trăit o viață lungă, ca zbіglos z podіyami jalnic și tragic în istoria Italiei. Pe stiuletul anilor 20 ai secolului al XVI-lea. devine cel mai faimos artist al Veneției, iar gloria nu-l părăsește până la sfârșitul vieții. Pensiile lui Tizian se află pe subiecte mitologice și creștine, create în genul portretului. Yomu era egal în vinul de compoziție, fenomenal a fost darul său coloristic.
Creațiile timpurii ale lui Tițian au inspirat bucuriile vieții („Kohannya pământească și cerească”, „Bacchus și Ariadna” (1523), „Sfânta Venus” subțire). Duhoarea vinului este, de asemenea, un simpatizant al antichității, de parcă ar fi fost suficient de deștepți pentru a infuza spiritul liber al acelei epoci.
Una dintre cele mai cunoscute tablouri ale marelui maestru este „Lena Venus” (1538). Autorul își arată propriul tip de frumusețe unuia nou. Venus Titiana - prima pentru toate este o frumoasă femeie pământească. Această poză este inspirată de numărul redus de pânze care înfățișează frumusețea corpului unei femei goale. În fața lor se află varianta chotiri „Danay” (1545-1554). Inspirat de idealul străvechi al frumuseții, maestrul creează o imagine pe care o poartă cu el un frumos știulete pământesc, care amintește de corpul uman și de bucuria fundului.
Întinzându-și calea creativă, Titian pratsyuvav în genul portretului ceremonial că a fost unul dintre creatorii acestui gen. Portretele Yogo inspiră vikonannya maisternist, colorarea nobililor. Și cel mai important lucru pentru Tițian a fost transferul individualității și al lumii interioare a unei persoane („Portretul unui tânăr cu mănușă”, portretele lui Polito Riminaldi, Petru Aretino, Carol al V-lea, Papa Paul al III-lea și mulți alții ).
Restul destinelor vieții lui Tițian trec în mintea reacției feudal-catolice în creștere din Italia, inclusiv Veneția, unde pătrunde ordinea єzuїtsky și inchiziția. Creativitatea artistului are motive tragice ca urmare a anxietății și dezamăgirii. Scriu din ce în ce mai mult pe subiecte antice („Venus și Adonis”, „Jupiter și Antiope”, „Diana și Acteon”, etc.).
Natura picturii yoga se schimbă: colorarea ușoară, deschisă devine un loc pentru o pictură strânsă, zbuciumată, compoziția devine dinamică. Pentru spiritualitatea sa, drama interioară, puterea colorată a vieții, creațiile lui Titian răstoarnă tot ceea ce a creat anterior artistul. Astfel sunt „Venus în fața unei oglinzi” (1553), „Mai Maria Magdalena” (1565), „Sf. Sebastian" (1570), "P'eta" (1576). Lasă opera lui Tițian să mintă deja pe pizny Revival.
Marele maestru a învățat din belșug, protejând niciunul dintre ei să nu-l răstoarne pe profesor. Creativitatea lui Titian sa revărsat în pictura secolului următor.
Arhitectură. Arhitectura ocupă unul dintre locurile de frunte în cultura artistică a Renașterii. Renașterea a marcat o nouă etapă în dezvoltarea її. Trăsăturile caracteristice ale arhitecturii în perioada sunt: creșterea dimensiunii vieții civile, seculare de zi cu zi, schimbarea naturii arhitecturii monumentale, culte - verticalism, îndreptarea în sus, puterea goticului mijlociu, schimbarea cu noi forme, extinzându-se. O abordare pe scară largă a sporurilor este o mulțime de oameni.
Arhitectura Renașterii este inspirată din simplitatea atingerii, a formelor și a ritmului; calm și static; simetria compoziției;
rozpodіlom budіvl_ deasupra tijelor orizontale; o ordine clară de amplasare a deschiderilor ferestrelor și a detaliilor arhitecturale. Din arhitectura antică, aici a fost transferat sistemul de ordine. Principalele elemente arhitecturale se topesc din nou arhitravă, arhivoltă, coloană, stâlp, pilastruі criptă, iar formele geometrice ale capului sunt un pătrat, un dreptunghi, un cub, un sac. De la chiar cob și prin toate perioadele Renașterii să treacă principiul individualismului artistic, reinventarea liberă la formele străvechi. Noua eră a înscris marile nume ale lui F. Brunelleschi, L. Albert, D. Bramante, Michelangelo Buonarroti, F. Delorma și alții în istoria mondială a arhitecturii.
La fel ca toate parosturile renașterii culturii, în Italia a apărut o nouă arhitectură. În această dezvoltare pot fi observate trei perioade principale: perioada timpurie - 1420-1500 r. perioada înaltă - 1500-1540 rr., dacă arhitectul principal este D. Bramante, iar centrul se mută la Roma; perioada târzie - 1540-1580 Marele sculptor și artist Michelangelo Buonarroti a devenit principalul arhitect al acestei ore.
Perioada timpurie a arhitecturii Renașterea trecerii de la goticul mijlociu la noi forme arhitecturale. În viitor, vechiul orez a fost salvat, comanda a fost în prezența unui motiv sever proporțional, ornamentul a fost de mare importanță. Perioada înaltă a fost inspirată din arhitectura suvoristă, monumentală, de proporții clar cunoscute. Ornamentului nu i s-a mai dat un asemenea sens. Noua perioadă, continuând și dezvoltă tradițiile primelor două, dezvăluind noi modele - decorativitatea, frumusețea și complexitatea formelor arhitecturale, care, de altfel, și-au cunoscut cea mai recentă dezvoltare în stilul baroc.
Prima creație arhitecturală a Învierii a fost budinka lui Vykhovny de lângă Florența, proiectată în 1421. fondatorul arhitecturii Renașterii italiene F. Brunelleschi(1377-1446). Tsya Budova istotno briza în zilele gotice ale Evului Mediu și purta orez într-un stil nou, care era popular.
De mare importanță pentru dezvoltarea ulterioară a arhitecturii este construcția și viața celui mai mare dom din Europa peste Catedrala Florentină Santa Maria del Fiore (diametrul său este de 42 m).
Dezvoltarea arhitecturii renascentiste are un loc important pentru a pune viata arhitecturii palatului. palazzo(dreptunghiular la planul caselor dintr-o curte rectilinie inchisa). Tsі arhіtekturnіnі sporudi maly suvori arăta ca un fort, cioburi vikonuyu funcții defensive. Cei mai buni ochi ai palatului secolului XV. de găsit în Florența, vedeta acestui stil extinzându-se treptat și în alte locuri din Italia. Puteți vedea Palazzo Pitti (1458), Palazzo Strozzi (1489), Palazzo Gondi (1490) și în. Acest tip de bud_vlі a continuat să evolueze odată cu întinderea renașterii de lungă durată la un efect decorativ mai mare.
Înalta Renaștere a legăturilor cu promovarea activității politice a papalității. Papi Iulius al II-lea și Leon al X-lea au solicitat la Roma cei mai mari arhitecți - Bramante, Rafael, Michelangelo și alții. Roma, devenind capitala arhitecturală a Italiei, păstrând acest rol până în zilele noastre.
Devenind fondatorul Înaltei Renașteri în arhitectură Donato Bramante(1444-1514), iar cea mai mare operă de artă - proiectul controversei grandioase a Renașterii - Catedrala Sf. Petru. Devenind una dintre cele mai importante realizări ale arhitecturii renascentiste. Viața a început 1506 p. și a prosperat înainte de moartea arhitectului. După ce a continuat munca lui Rafael Santi și apoi a lui Antonio da Sangallo. În 1546 viața a trecut în mâinile lui Michelangelo, care a dezvoltat o nouă versiune a proiectului. La momentul morții sale (1564), construcția catedralei principale a fost finalizată.
Pіznіshe Renaștere- această oră este o dezvoltare îndepărtată a tradițiilor etapei precedente. În special, în arhitectură, două tendințe care progresează reciproc au fost afișate cel mai proeminent: o bula este legată de creșterea tradițiilor clasice, academice, cealaltă - cu puterea tendințelor decorative, proto-baroc. Renașterea reprezentărilor noastre în fața operelor lui Michelangelo Buonarroti, Giacomo Vignoli, Andrea-Paladio. Capodoperele arhitecturale ale lui Michelangelo arată că a ajuns până în zilele noastre ca sculptor, maestru al plasticii. Crearea acelei alte imagini, forme, vinuri și alte distrugeri ale logicii constructive, dominând progresul varietății artistice, emoționale. Geniul lui Michelangelo, în fața timpului său, după ce a început noi tendințe, a marcat nașterea stilului baroc și a marcat o lățime largă.
Cel mai proeminent arhitect al perioadei analizate J. Vignyola(1507-1573) care a scris faimosul tratat „Regula celor cinci ordine de arhitectură”, care a fost practic câștigat de arhitecții lumii până în secolul al XX-lea. Cel nou a dezvoltat un sistem de solicitare a comenzilor, bazat pe multiple combinații numerice de elemente. Vila Papei Iulius al III-lea poate fi văzută de cele mai bune lucrări ale lui Vignoli, a fost amenajată nu departe de Roma, biserica principală a Ordinului Euharistiei de lângă Roma Il Gesu et in.
Creativitate A. Palladio(1508-1580) pov'yazane z yogo oraș natal Vicenza. Vono a avut o mare contribuție la dezvoltarea arhitecturii italiene și ușoare, la arhitectura clasicismului din cealaltă jumătate a secolului al XVIII-lea și din prima jumătate a secolului al XIX-lea.
Palladio a provocat o serie de palate în apropiere de Vicenza, iar la periferie - o serie de vile. Toate lucrările creative sunt inspirate din marea varietate de comenzi, perfecțiunea proporțiilor, armonie minunată, plastic vishukana (Palazzo K'erikat, Valmarana, Villa Rotunda, Teatrul Olimpiko și altele).
Arhitectura Renașterii italiene s-a împiedicat de dezvoltarea arhitecturii ținuturilor europene și acolo a fost amânată cu un secol prin vechile ape feudale și tradițiile gotice.
Literatura artistică. Natura noii epoci a fost variată cu literatura artistică. Primele cupluri de ideologie umanistă și-au cunoscut expresia din opera lui Dante, „ultimul poet al Evului Mediu și primul poet al Ceasului Nou”.
Dante Aligh'ieri (1265-1321),Giovanni Boccaccio(1313-1375) ta Francesco Petrarca(1304-1374) - cei mai mari scriitori ai Renașterii italiene. În spatele naturii creativității, temelor, genurilor - toate mirosurile sunt absolut diferite. Și totuși există o particularitate, deoarece le-a unit partea istorică. Toate puturoșii au scris bogat și lipsiți nu numai creații artistice, ci și diaconii de studii literare, protejați în istoria literaturii ușoare, pielea acestor nume apar cu una, creația principală: Dante - cu „Divina Comedie”, Boccaccio. - cu „Decameronul”, Petrarh - Cu versuri consacrate Laurei.
Peste creația sa principală, Dante și-a lucrat vechile destine, completându-și exemplul de viață. Vin a numit yoga „Comedia”. Epitetul „divin” l-a dat lui Boccaccio ca semn că a fost îngropat de frumusețe, iar acest epitet a avut grijă de ea. „Divina Comedie” a fost scrisă în limba italiană, în genul de licență, „somn”, popular în literatura de mijloc. Poema este compusă din trei părți („Infern”, „Purgatoriu” și „Paradis”) și 100 de cântece. Ghidul lui Dante la țăruși copți (șase nouă) și a devenit purgatoriu Vergiliu - cântă romanul, pe care el însuși se odihnește prima dată. Ideea principală este să mănânci - o taxă pentru toate apele pământești din viața transpirației. În „Divina Comedie” firele se întind în literatura orei târzii. După profunzimea înțelegerii filozofice a lumii, tragedia lui Goethe „Faust” este rezonantă. Afluxul lui Dante și Goethe se vede viu în „Maestrul și Margarita” de M. Bulgakov. „La prima dată” A. Soljenițîn numește unul dintre romanele sale. Povestea kohannei lui Francesca și Paolo devine tema operei „Francesca și Roma” a lui S. Rakhmaninov. Pe această temă P.I. Ceaikovski a scris un poem simfonic „Francesca și Roma”.
„Decameron” (tip de greacă – zece zile) G. Boccaccio – o colecție de nuvele cu cadre literare. Aceasta este o compoziție tradițională. Așa va fi „O mie și una de nopți”, așa a fost scris „Novelino” în Italia. Prin inovație, a fost ordinea ordinii formei și a legilor „verticalei gotice” - de la inferioară la inferioară - într-o astfel de secvență, romanele în sine au fost extinse, iar înțelegerea „inferioarei” și „de jos” a luat înnebunirea umanistă. Intrigile romanelor sunt diferite. Acestea și legende antice și zicale din clasa de mijloc și cele mai de încredere vipadkіv în viață și anecdote. Ideile lui Boccaccio că structura cărții s-a format sub infuzia lui Dante: același principiu de la cei smeriți la cei căzuți – de la păcătoșii „Infernului” până la cel mai sfânt „Paradis” – în Dante; de la personaje satirice la shakhraiv și nareshti, la eroi idealizați pozitivi - în Boccaccio. Inovația lui Boccaccio constă în faptul că a transferat compoziția cosmică a vieții reale pământești fără îngeri, la naiba sfinților ăia. Stiulețul natural din „Decameron” este pus în contrast cu legile nefirești ale suspansului, ascezei bisericești și zabobonilor caracterului de stat. Problematica „Decameronului” este de natură umană și socială. Twir Boccaccio a așezat bogat foi pe partea de jos, care a creat intrigi pentru dramele lor bogat dramaturgi: Shakespeare - drama "Cymbeline" și comedia "Kіnets - pravi vinets", Lope de Vega, Molière. Compozitorul rus D. Bortnyansky a scris o operă bazată pe intriga din Decameronul (Sokil. 1786).
În fața lui Dante, Petrarh a scris cel mai adesea în latină, dar a imortalizat yoga tver - „Kantsonieri” - „Cartea Cântecului” a fost scrisă de limba poporului. Vin însuși nu a dat un sens special cântecelor sale lirice. Mai puțin decât pіznіshe vіn deveni spriymati tsі vіrshi vseryoz, bogat razіv redaguvav și vdoskonaluvav їх. Culegerea de versuri a lui Petrarh a fost împărțită în două cărți: „Despre viața Madonei Lauri”, „Despre moartea Madonei Lauri”.
Dragostea lui Petrarh este mai reală, mai pământească și Laura însăși este o femeie anume. Petrarh numește data primei sale morți, data morții sale.
Petrarh nu-l poate descrie pe Lauri. Poți vorbi doar despre ochii її și duhoarea devenită un simbol al Laurii însăși: „Nu mă rănești, ochii care m-au învățat kohannya”. În aceste cuvinte - ideea fidelității unui kohaniy zhіntsi. Ale, nu numai: ei sunt pregătiți pentru frumusețe, ca și pentru înțelepciune mai mare, pentru a învăța cum să construiască un frumos sentiment de iubire. Înțelegerea iubirii de către Petrarh este în întregime umanistă, față de ceea ce stă kohanny în nou, de parcă pare să aducă și bucurie și chin în același timp. Tsim vіdznyaєtsya sub forma iubirii cerești, pentru a aduce mai mult decât bucurie. Schimbarea sentimentelor - bucurie și durere, fericire, acea suferință înnobilează oamenii, oamenii poeziei. Dragostea este pentru totdeauna frumoasă, ea îmbogățește oamenii, pentru a aduce aceeași kohannya nedivizată. Iar după ieșire, Lauri cântă viu, nu doar spera în zestrișul din rai, ci își amintește despre ea, de parcă ia totul viu pentru el, prevăzând imaginea ei. Dragostea este întotdeauna plină de o parte din fundul pământesc și de fericirea poetului.
„Kantsonieri” are și motive politice, care inspiră stosunki pliat pentru acea oră. Є gânduri, yakі al-lea dosi sunet astăzi. Așadar, cultura lui Petrarh îl respectă pe protejatul războiului, nu poate fi decât pentru mințile lumii: „Mă duc, plângând: Pace! Pace! Pace!" - Termină unul dintre sonete. Petrarh a adus o mare contribuție la teoria versului, arătând cea mai bogată posibilitate a sonetului.
Și încă un bagatioh, yaskrava pentru a posta o lume literară. Niccolo Machiavelli(1469-1527) - scriitor italian și funcționar politic al Renașterii Pizny. Tratat politic de yoga publicat pe scară largă „Suveranul”. Literatura modernă caracterizează acest gen ca fiind o distopie: aici se dezvoltă ideile cele mai tragice și antiumane ale secolului al XVI-lea. Prote Machiavelli a scris ca tratate politice, și versuri, cântece, nuvele, comedii. Personajele comediei „Mandragora” transmit imaginile eroilor dramaturgilor din ceasul târziei: Shakhrai Legrio asemănător cu Iago și Figaro Beaumarchais al lui Shakhspir, ipocritul Timoteo - prototipul Tartufei lui Molier. Și voi arăta din nou, hohotind afluxul, care este cultura Renașterii pentru întreaga cultură europeană.
