Художники сучасного живопису. Сучасні художники Росії

Мистецтво постійно розвивається, як і весь світ довкола нас. Сучасні художники 21 століття та його картини зовсім не схожі на ті, що існували в Середні віки, Епоху Відродження. З'являються нові імена, матеріали, жанри, способи вираження талантів. У цьому рейтингу познайомимося із десятьма художниками-новаторами нашого часу.

10. Педро Кампос.На десятому місці іспанець, чия кисть легко може пооперувати з фотоапаратом, настільки реалістичні полотна він пише. Здебільшого, він створює натюрморти, але дивовижне захоплення наводять не так теми його картин, скільки майстерне втілення. Текстури, відблиски, глибина, перспектива, об'єм, - все це Педро Кампос підкорив своїй кисті, щоб з полотна на глядача дивилася реальність, а не вигадка. Без прикрас, без романтизму, лише реальність, у цьому полягає сенс жанру фотореалізм. Свою увагу до деталей та скрупульозність художник, до речі, придбав на роботі реставратора.

9. Річард Естес.Ще один шанувальник жанру фотореалізму – Річард Естес – починав із звичайного живопису, але згодом пішов у малювання міських краєвидів. Сьогоднішнім художникам та їхнім творінням не потрібно ні під кого підлаштовуватися, і це чудово, кожен може самовисловлюватися так, як хоче у тому, у чому хоче. Як у випадку з Педро Кампосом, роботи цього майстра легко можна сплутати з фотографіями, настільки схоже місто з них на реальне. На картинах Естеса рідко зустрінеш людей, проте майже завжди знайдуться відображення, відблиски, паралельні лінії та досконала, ідеальна композиція. Таким чином, він не просто змальовує міський пейзаж, але знаходить у ньому досконалість і намагається показати його.

8. Кевін Слоан.Сучасних художників 21 століття та їх картин неймовірно багато, але далеко не кожен із них вартий уваги. Американець Кевін Слоан – стоїть, адже його роботи ніби переміщують глядача в інший вимір, світ, сповнений алегорій, прихованих смислів, метафоричних загадок. Художник любить писати тварин, оскільки, на його думку, отримує в такий спосіб більше свободи, ніж із людьми, для донесення історії. Свою «реальність з каверзою» Слоан ось уже майже 40 років створює олією. Дуже часто на полотнах виникає годинник: на них дивляться то слон, то восьминіг, цей образ можна трактувати як час, що минає, або як обмеженість життя. Кожна картина Слоана вражає, хочеться розгадати, що хотів донести їй автор.

7. Лоран Парселля.Цей художник відноситься до тих сучасних художників 21 століття, картини яких отримали визнання рано, ще під час навчання. Талант Лорана виявився у виданих альбомах під загальною назвою«Дивний світ». Пише він олією, його манера легка, тяжіє до реалізму. Характерною особливістю робіт художника є велика кількість світла, яке ніби ллється з полотен. Як правило, він зображує пейзажі, якісь відомі місця. Всі роботи надзвичайно легкі та повітряні, наповнені сонцем, свіжістю, диханням.

6. Джеремі Манн.Уродженець Сан-Франциско любив своє місто, найчастіше зображував на картинах саме його. Сучасним художникам 21 століття можна черпати натхнення для їх картин будь-де: у дощі, вологому тротуарі, неонових вивісках, міських ліхтарях. Джеремі Манн наповнює прості пейзажі настроєм, історією, експериментує з техніками та вибором кольорів. Основний матеріал Манна - олія.

5. Ганс Рудольф Гігер.На п'ятому місці неповторний, унікальний Ганс Гігер, творець Чужого з однойменного фільму. Нинішні художники та їхні твори різноманітні, але кожен по-своєму геніальний. Цей похмурий швейцарець не пише природу і звірят, йому більше до душі «біомеханічний» живопис, в якому він досяг успіху. Деякі порівнюють художника з Босхом за похмурістю, фантастичністю його полотен. Хоч від картин Гігера і віє чимось потойбічним, небезпечним, у техніці, майстерності йому не відмовиш: він уважний до деталей, грамотно підбирає відтінки, продумує до дрібниць.

4. Вілл Барнет.Цей художник має свій неповторний авторський стиль, тому його роботи охоче приймаються великими музеями світу: Метрополітен-музеєм, Національною галереєю мистецтв, Британським музеєм, Ешмолівським музеєм, музеєм Ватикану Сучасні художники 21 століття та їх твори, щоб бути визнаними, повинні чимось вирізнятися на тлі решти маси. І Вілл Барнетт це вміє. Його твори графічні та контрастні, він часто зображує кішок, птахів, жінок. На перший погляд, картини Барнета прості, але при подальшому розгляді розумієш, що в цій простоті саме полягає їхня геніальність.

3. Ніл Саймон.Це один із сучасних художників 21 століття, твори якого не такі прості, як здаються на перший погляд. Між сюжетами та творами Ніла Саймона начебто змито кордони, вони перетікають з одного в інше, тягнуть за собою глядача, затягують у ілюзорний світ художника. Для творінь Саймона характерні яскраві, насичені кольори, що надає їм енергію та силу, викликає емоційний відгук. Майстер любить грати з перспективою, розмірами предметів, з незвичайними поєднаннями та несподіваними формами. У роботах художника багато геометрії, що поєднується з природними пейзажами, ніби вривається всередину, але не руйнуючи, а доповнюючи гармонійно.

2. Ігор Морський.Сьогоднішнього художника 21 століття та його картини часто порівнюють із великим генієм Сальвадором Далі. Роботи польського майстра непередбачувані, загадкові, хвилюючі, викликають яскравий емоційний відгук, подекуди божевільні. Як і будь-який інший сюрреаліст, він не прагне показати реальність такою, якою вона є, а показує грані, які в житті ми ніколи не побачимо. Найчастіше, головний геройробіт Морскі - людина з усіма його страхами, пристрастями, недоліками. Також метафори робіт цього сюрреаліста часто стосуються влади. Безумовно, це не той художник, чий твір повісиш над ліжком, але той, на чию виставку, обов'язково варто сходити.

1. Яєї Кусама. Отже, на першому місці нашого рейтингу японська художниця, яка досягла неймовірного успіху в усьому світі, незважаючи на те, що має деякі психічні захворювання. Головна «фішка» художниці – горошок. Вона покриває кружками різних форм і розмірів все, що бачить, називаючи це мережами нескінченності. Інтерактивні виставки та інсталяції Кусами мають успіх, адже кожному часом хочеться (навіть якщо він у цьому не зізнається) опинитися всередині психоделічного світу галюцинацій, дитячої безпосередності, фантазій та різнокольорових кружечків. Серед сучасних художників 21 століття та їх картин Яєї Кусама – найпопулярніша.

Мистецтво сучасного живопису- це твори, створені нині чи недалекому минулому. Мине певну кількість років, і ці картини стануть надбанням історії. Твори живопису, створені в період починаючи з 60-х років минулого століття і до сьогоднішнього дня, відображають декілька напрямків сучасного мистецтва, які можуть бути віднесені до категорії постмодернізму За часів модерну творчість художників-живописців була представлена ​​ширше, а у 70-х роках ХХ століття відбулася зміна соціальної спрямованості мистецтва живопису.

Актуальне мистецтво

Художники сучасного живопису репрезентують насамперед нові течії в образотворчій творчості. У культурній термінології існує поняття "актуальне мистецтво", яке у чомусь співвідноситься з поняттям "сучасний живопис". Під актуальним мистецтвом художники найчастіше мають на увазі новаторство, коли художник звертається до ультрасучасних тем, незалежно від їх спрямованості. Картина може бути написана і зображати будь-яке промислове підприємство. Або ж на полотні є ландшафтний пейзаж з пшеничним полем, лугом, лісом, але при цьому вдалині неодмінно буде намальований комбайн. Стиль сучасного живопису передбачає соціальну спрямованість картини. Водночас пейзажі сучасних художників без соціального підтексту цінуються набагато вищими.

Вибір напряму

Починаючи з кінця 90-х років художники сучасного живопису відмовляються від виробничої тематики та переводять свою творчість у русло чистого образотворчого мистецтва. З'являються майстри тонкого портретного живопису, пейзажних сюжетів, натюрмортів у стилі фламандського малюнка. І поступово в сучасному живописі стало виявлятися справжнє мистецтво, що ні в чому не поступається картинам, створеним видатними художниками 18-го і 19-го століть, а в чомусь навіть перевершує їх. Сьогоднішнім майстрам пензля допомагає розвинена технічна база, безліч нових засобів, які дозволяють повною мірою відобразити задумане на полотні. Таким чином, художники сучасного живопису можуть творити у міру своїх здібностей. Зрозуміло, якість фарб або пензлів важливо в процесі написання картин, але все ж таки головним є талант.

Абстрактний експресіонізм

Сучасні художники дотримуються методів живопису, які допускають використання негеометричних штрихів, що наносяться на полотно великого розміру. У хід ідуть великі кисті, іноді малярські. Подібний живопис важко назвати мистецтвом у класичному значенні цього слова, проте абстракція – це продовження сюрреалізму, який з'явився ще у 1920 році завдяки ідеям Андре Бретона та одразу знайшов масу послідовників, таких як Сальватор Далі, Ганс Хофман, Адольф Готліб. У той самий час художники сучасного живопису розуміють експресіонізм по-своєму. Сьогодні цей жанр відрізняється від свого попередника розмірами полотен, які можуть сягати триметрової довжини.

Поп-арт

Противагою абстракціонізму став концептуальний новий авангардизм, що пропагує естетичні цінності. Сучасні художники стали включати до своїх картин зображення відомих особистостей, таких як Мао Цзедун або Мерилін Монро. Це мистецтво отримало назву "поп-арт" - популярний, загальновизнаний напрямок у живописі. Масова культура прийшла на зміну абстракціонізму і дала початок особливому виду естетики, яка в барвистій, ефектній манері подала публіці те, що було у всіх на слуху, якісь події останнього часу чи зображення широко відомих людейу різних життєвих ситуаціях.

Основоположниками та послідовниками поп-арту були Енді Ворхол, Том Вессельман, Пітер Блейк, Рой Ліхтенштейн.

Фотореалізм

Сучасне мистецтво багатогранне, нерідко у ньому виникає новий напрямок, що поєднує у собі два або більше видів образотворчої творчості. Такою формою самовираження митця став фотореалізм. Цей напрямок у живопису з'явилося у США 1968 року. Його вигадав художник-авангардист Луї Мейзель, а вистава жанру відбулася через два роки, в Музеї Вітні під час виставки "Двадцять два реалісти".

Живопис у стилі фотореалізму пов'язані з фотографією, рух об'єкта хіба що заморожується у часі. Художник-фотореаліст збирає свій образ, який буде знято на картині, за допомогою фотографій. З негативу або слайду зображення переноситься на полотно шляхом проекції або масштабної сітки. Потім створюється повноцінна картина із застосуванням технологій живопису.

Розквіт фотореалізму припав на середину 70-х років, потім стався спад популярності, а на початку 90-х жанр знову відродився. Маститі художники працювали здебільшого у США, серед них було багато скульпторів, які також створювали свої твори за допомогою проекції зображення. Найбільш відомі майстри живопису на основі фотореалізму – це Річард Естес, Чарльз Беллет, Томас Блеквелл, Роберт Демекіс, Дональд Едді, Дуейн Хансон.

Художники-фотореалісти молодого покоління – Рафаелла Спенс, Роберто Бернарді, Чіара Албертоні, Тоні Брунеллі, Олів'є Романо, Бертран Меніель, Клайв Хед.

Сучасні художники Росії

• Серж Федулов (нар. 1958), уродженець Невинномиська Ставропольського краю. Учасник кількох виставок у Латинській Америці та Європі. Його картини відрізняються реалістичністю та контрастними поєднаннями кольорів.
• Михайло Голубєв (нар. 1981), закінчив художній клас Омської школи живопису. Нині живе у Санкт-Петербурзі. Відрізняється незвичайною манерою творчості, всі його роботи – це картини-роздуми із глибоким філософським підтекстом.
• Дмитро Анненков (нар. 1965) у Москві. Закінчив Художній інститутімені Строганова Популярний за кордоном, але перевагу надає російським виставкам. Мистецтво Анненкова реалістичне, художник є визнаним майстром натюрморту.

Російські імпресіоністи

• Олексій Чернігін, російський художник-імпресіоніст (нар. 1975), є сином відомого художника Олександра Чернігіна. Вивчав живопис та графічний дизайн у художньому училищі Нижнього Новгорода. Закінчив Нижегородський архітектурний інститут за спеціальністю "Дизайн у промисловості". Член Спілки художників Росії з 1998 року. З 2001 року – викладач у НДАСУ на кафедрі "Інтер'єрний дизайн".
• Костянтин Лупанов, краснодарський художник (нар. 1977). Закінчив Промислову академію при Держуніверситеті культури та мистецтв за спеціальністю "Монументальний живопис". Учасник багатьох художніх виставок у Санкт-Петербурзі. Відрізняється рідкісною манерою олійного живопису із закручуванням мазка. Картини Лупанова повністю позбавлені контрастних поєднань кольорів, зображення перетікають одне в інше. Сам художник називає свої роботи "веселою, безвідповідальною мазнею", однак у цій заяві є частка кокетства: картини насправді написані професійно.

Російські художники, що малюють у стилі ню

• Сергій Маршенников (нар. 1971), один із найвідоміших російських художниківсучасності. Закінчив Уфімський коледж мистецтв. Його картини - це приклад кричущої реалістичності. Роботи справляють враження художнього фотознімку, настільки точна композиція та вивірений кожен штрих. У ролі натурниці найчастіше виступає дружина живописця Наталія, і це допомагає йому у створенні чуттєвої картини.
• Віра Василівна Донська-Хілько (нар. 1964), онука відомого оперного співака Лаврентія Дмитровича Донського. Найяскравіша представниця сучасного російського живопису. Малює у стилі сюжетного ню. У творчій палітрі художниці можна зустріти красунь зі східного гарему та оголених сільських дівчат на березі річки у ніч свята Івана Купала, російську лазню з виходом розпалених жінок на сніг та купанням у ополонці. Художниця малює багато талановитого.

Сучасні художники Росії, їх творчість викликають дедалі більший інтерес поціновувачів образотворчих мистецтв у всьому світі.

Сучасний живопис як світове мистецтво

В даний час образотворча творчість набула форм, відмінних від тих, які були затребувані у 18-му та 19-му століттях. Сучасні художники світу звернулися до авангарду у більш вузькій інтерпретації, полотна набули витонченості та стали більш змістовними. Суспільство сьогодні потребує мистецтва оновленого, потреба поширюється попри всі види творчості, зокрема і живопис. Картини сучасних художників, якщо вони виконані досить високому рівні, розкуповуються, стають предметом торгу чи обміну. Деякі полотна входять до списків особливо цінних витворів мистецтва. Як і раніше, затребувані картини з минулого, написані великими живописцями, але все більшої популярності набувають сучасні художники. Олія, темпера, акварель, інші фарби допомагають їм у творчості та успішній реалізації задуманого. Художники, як правило, дотримуються якогось одного стилю. Це може бути пейзаж, портрет, батальні сцени чи інший жанр. Відповідно, для своєї творчості митець обирає певний сорт фарб.

Сучасні художники світу

Найбільш відомі сучасні художники відрізняються за манерою листа, їх пензель пізнаваний, іноді навіть не потрібно дивитися на підпис внизу полотна. Відомі майстри сучасного живопису – Перлстайн Філіп, Олександр Ісачов, Френсіс Бекон, Станіслав Плутенко, Пітер Блейк, Фрейд Люсьєн, Майкл Паркес, Гай Джонсон, Ерік Фішл, Микола Блохін, Василь Шульженко.

Скільки коштує сучасне мистецтво? Які з художників, які нині живуть, користуються найбільшим визнанням, мірою якого – грошові знаки? Сайт Artnet відповів на це питання, проаналізувавши результати аукціонів з 2011 по 2015 рік та склавши список найпопулярніших сучасних художників. На жаль, творців із Росії у списку не було.

10. Ед Рушів

У 60-х роках минулого століття Ед, разом із такими знаменитими нині художниками, як Енді Ворхол та Джим Дайн, взяв участь в історичному заході «Нове зображення звичайних предметів». Це була одна з перших виставок у стилі, що зароджується, «поп-арт» в Америці. Неосвіченому погляду картини Рушея найбільше нагадують напис під трафарет на тлі пейзажів або життєрадісного сплеску квітів. Однак за 4 роки його творіння було продано за загальну сумув 129 030 255 доларів.

9. Річард Прінс

Річард зробив собі ім'я тим, що наново фотографував образи з друкованої реклами, монтував їх у довільному порядку та прикрашав хльосткими гаслами. Від його рук постраждали ковбої «Мальборо», знаменитості, порнозірки, медсестри та подружки байкерів. А ще він розписує капоти машин. Громадськість оцінила його праці в 146 056 862 долари– саме за таку суму було продано кілька робіт художника.

8. Яєї Кусама

Художниця, що страждає на психічні захворювання, любить покривати поверхні точками фарби – це називається «мережі нескінченності». І цей горошок, і власну хворобу вона примудрилася перетворити на товарний знак і тепер є найсучаснішою художницею в світі ( 152 768 689 доларів).

7. Пітер Дойг

Один із представників традиційного пейзажного живопису. Його творчість користується незмінною популярністю у глядача, що втомився гіперіронічним постмодерном – адже після написів, колажів з фотографій і стільців у горошок так приємно зупинити свій погляд на нічному тропічному пейзажі. За 4 роки продано картин на 155 229 785 доларів.

6. Фань Цзен

Каліграфічні написи, прозорі акварельні пейзажі та портрети у традиційному китайському стилі продаються теж непогано. 176 718 242 долариз 2011 до 2015 року.

5. Цуй Ручжоу

Цей сучасний китайський художник прославився своїми роботами тушшю, що зображають квіти, птахів та пейзажі. Однак прості обивателі не в змозі зрозуміти могутню силу мистецтва - і в 2012 році прибиральниця готелю Grand Hayatt випадково викинула на смітник одну з його робіт ціною 3.7 млн ​​доларів. Роботи Цуя Ручжоу протягом 4 останніх роківбули продані за 223 551 382 долари.

4. Зенг Фанжі

Складні багатобарвні роботи ще одного китайського художника, де живі істоти та предмети чи то заплуталися в павутинні, чи заблукали в зимовому лісі, а також зловісні піонери із закривавленими руками з 2011 по 2015 продавалися теж непогано. 267 949 220 доларів.

3. Крістофер Вул

Товарний знак Крістофера – величезне біле полотно з чорними літерами. Чотири такі літери, що складаються у слово Riot («повстання»), були продані на аукціоні Сотбі за 29.9 млн доларів. А всього за 4 роки було продано робіт художника на суму 323 997 854 долари.

2. Джефф Кунс

Колишній чоловік порнозірки Чиччоліни вважає за краще працювати в жанрі «нео-поп». Особливо знаменитий своїми скульптурами зі сталі, що імітують іграшки з довгастих повітряних кульок. За одну з робіт (сталевого помаранчевого собаку) було заплачено на аукціоні Крісті 58,4 млн доларів. А ще Джефф планує поставити перед Лос-Анджелесським музеєм мистецтва кран, на який повісить паровоз, щоб той пихкав і випускав клуби диму. З 2011 по 2015 рік Кунс продав робіт на загальну суму 379 778 439 доларів.

1. Герард Ріхтер

На першому місці в рейтингу художників з картинами, що найбільше продаються, знаходиться майстер, який навіть не вважає себе таким. За словами Герарда він довгий часстворював щось, що не стосується мистецтва, композиції, кольору, творчості тощо. А саме — покривав полотна розводами фарби за допомогою скребків та шпателів. Одна з таких картин під назвою «Абстрактний образ», що найбільше нагадує кавун, що загинув у муках, була оцінена на аукціоні Сотбі за 43.6 млн доларів, а роботи художника за чотири роки продавалися за скромну суму в 1 165 527 419 доларів.

«Пейзаж Березовий гай дорога» 120x100
Мастихін, олія, полотно
Костянтин Лоріс-Меліков

Мистецтво 21 століття
— всеїдне,
цинічний, іронічно-саркастичний, демократичний — називають заходом великої епохи.

Постмодерністи потрапили до ситуації, коли все сказано до них. І ним залишається користуватися створеним, змішувати стилі, створювати, хай не новий, але відомий арт.

найяскравіші напрямки:

1. Неореалізм;


2. Мінімальний арт;


3. Постмодерн;


4. Гіперреалізм;


5. Інсталяція;


6. Енвайронмент;


7. Відеоарт;


8. Графіті;


9. Трансавангард;


10. Боді-арт;


11. Стакізм;


12. Неопластицизм;


13. Стріт арт;


14. Мейл-арт;


15. Ні-арт.

1. НЕОРЕАЛІЗМ.
Це мистецтво повоєнної Італії, яке боролося з повоєнним песимізмом.

Новий фронт мистецтва об'єднав
абстракціоністів і реалістів і проіснував лише 4 роки. Але з
нього вийшли відомі художники: Габріелле Муки, Ренато Гуттузо, Ернесто.
Треккані. Вони яскраво та експресивно зображували робітників та селян.

Схожі напрямки з'явилися і в інших
країнах, але найяскравішою школою вважається школа неореалізму, яка
з'явилася Америці стараннями монументаліста Дієго Рівери.

Дивитися: Ренато Гуттузо

фрески Дієго Рівери - Президентський Палац (Мехіко, Мексика).

Фрагмент фрески Дієго Рівери для готелю Прадо в Мехіко «Сон про недільний день у парку Аламеда», 1948

2. МІНІМАЛЬНИЙ АРТ.
Це напрямок авангардизму.
Використовує прості форми та виключає будь-які асоціації.

Карл Andre, 1964

Цей напрямок з'явився в США наприкінці
60-х. Своїм прямим попередниками мінімалісти називали Марселя Дюшана.
(реді-мейд), Піта Мондріана (неопластицизм) та Казимира Малевича
(Супрематизм), його чорний квадрат вони називали першим твір
мінімального арту.

Гранично прості та геометрично
правильні композиції - пластикові коробки, металеві грати,
конуси - виконувалися на промислових підприємствах за ескізами художників.

Дивитись:

Роботи Дональда Джадда, Карла
Андре, Сола Левіта - Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк, США), Музей
сучасного мистецтва (Нью-Йорк, США), Музей Метрополітен (Нью-Йорк,
США).

3. ПОСТМОДЕРН. Це великий перелік нереалістичних напрямів кінця ХХ століття.

Ванчегі Муту. Колаж «Статеві органи дорослої жінки», 2005

Циклічність характерна для мистецтва, але
постмодерн став першим прикладом «заперечення заперечення». На початку
модернізм відкинув класику, а потім постмодернізм відкинув модернізм, як
він раніше відкинув класику. Постмодерністи повернулися до тих форм і
стилям, які були до модернізму, але на вищому рівні.

Постмодернізм – це породження епохи
нових технологій. Тому його характерна особливість- це змішання
стилів, образів, різних епохта субкультур. Головним для посмодерністів
стало цитування, спритне жонглювання цитатами.

Дивитися: Галерея Тейт (Лондон,
Великобританія), Національний музей сучасного мистецтва Центр Помпіду
(Париж, Франція), Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк, США).

ГІПЕРРЕАЛІЗМ. Мистецтво, що наслідує фотографії.

Чак Клоуз. "Роберт", 1974

Ще це мистецтво називають Супереалізм,
Фотореалізм, Радикальний реалізм чи Холодний реалізм. З'явилося це
напрям в Америці в 60-х і через 10 років набув поширення в
Європі.

Hyperrealism, photorealism, Дон Едді,

Художники цього напрямку
копіюють світ так, як ми його бачимо на фото. У роботах художників
читається якась іронія над техногеном. Художники зображують переважно
сюжети із життя сучасного мегаполісу.

Річард Естес- любов до зображення відображень мегаполісу у вітринах магазинів, на капоті автомобіля чи прилавку кафе

Дивитись:

роботи Чака Клоуза, Дона Едді, Річарда Естеса - Музей Метрополітен, Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк, США), Бруклінський музей (США).

5. ІНСТАЛЯЦІЯ.
Це композиція в галереї, яку можна створити з будь-кого, головне, щоб були підтекст та ідея.

Фонтан (Дюшан)

Швидше за все не було б цього
напрями, якби не культовий пісуар Дюшана. Імена головних світових
інсталяторів: Дайн, Раушенберг, Бойс, Куннеліс та Кабаков.

Джим Дайн. З колекції Центру Помпіду»

Головне в інсталяції сам підтекст та простір, де художники зіштовхують банальні предмети.

Дивитись:
Тейт Модерн (Лондон, Великобританія), Музей Гуггенхайма (Нью-Йорк, США).

6. ЕНВАЙРОНМЕНТ.

Це мистецтво створення 3-мірної композиції, яка емітує реальне середовище.

Як напрям у мистецтві Інвайронмент
виник ще 20-ті роки 20 століття. Свій час випередив на кілька
десятків років художник-дадаїст, коли представив публіці своє
твір «Мерц-будівля» — тривимірна будова з різних предметів та
матеріалів, ні для чого не придатне, крім споглядання.

Едвард Кінхольц

Історія як плантатор

Через півстоліття у цьому жанрі стали
працювати і досягли успіху Едвард Кінхольц і Джордж Сігел. У свій твір
вони обов'язково вносили шокуючий елемент маревної фантазії.

Дивитись:
роботи Едварда Кінхольця та Джорджа Сігела
- Музей сучасного мистецтва (Стокгольм, Швеція).

7. ВІДЕОАРТ.

Цей напрямок виникло в останній третині 20 століття завдяки появі портативних відеокамер.

Це чергова спроба повернути арт у
реальність, але тепер за допомогою відео та комп'ютерної техніки.
Американець Нам Джун Пайк зняв відео проїзду Папи Римського вулицями
Нью-Йорк і став першим відео артистом.

Експерименти Нам Джун Пайка вплинули на
телебачення, музичні кліпи (він стояв біля основи каналу MTV),
комп'ютерні ефекти у кіно. Роботи Джун Пайка, Білла Віоли зробили це
напрямок мистецтва полем діяльності для експериментів. Вони поклали
початок «відеоскульптурам», «відеоінсталяціям» та «відеооперам».

Дивитись:
відеоарт, починаючи від психоделічного до соціального
(популярний у Китаї, Чен-че-єн на Youtube.com)

8. ГРАФІТІ.

Написи та малюнки на стінах будинків, що несуть зухвалий меседж.

З'явилися вперше у 70-х у Північній
Америці. До їх появи мали відношення галеристи одного з районів
Манхеттена. Вони стали меценатами творчості, що жили з ними по сусідству.
пуерториканців та ямайців. Графіті поєднують у собі елементи міської
субкультури та етнічної.

геній поп-арту Кіт Харінг

Імена з історії графіті: Кейт Херінг,
Жан-Мішель Баскія, Джон Матом, Кенні Шарф. Скандально відома особистість
- Графітик з Британії Бенксі. Листівки з його роботами є у всіх
британських сувенірних лавках

Дивитись:
Музей графіті (Нью-Йорк, США), роботи Бенксі - на сайті banksy.co.uk.

9. ТРАНСАВАНГАРД.
Один із напрямів у постмодерному живописі. Поєднує минуле, новий живопис та експресивність.

Робота трансавангардиста Олександр Ройтбурд

Автор терміна трансавангард
сучасний критик Боніто Оліва. Цим терміном він визначив творчість
5 своїх співвітчизників — Сандро Кіа, Енцо Куккі, Франческо.
Клементе, Міммо Паладіно, Ніколо де Маріа. Для їхньої творчості характерно:
поєднання класичних стиліввідсутність прихильності до національної
школі, установка на естетичну насолоду та динаміка.

Франческо Клементе у Ширн (Франкфурт)

Дивитися: Музей-колекція Пеггі
Гуггенхайм (Венеція, Італія), Музей сучасного мистецтва в Palazzo
(Венеція, Італія), Галерея сучасного мистецтва (Мілан, Італія)

10. БОДІ-АРТ.

Один із напрямів акціонізму. Тіло виступає як полотно.

Боді-арт - це один із проявів панк-культури 70-х.
Безпосередньо пов'язано з модою, що з'явилася тоді на тату і нудизм.

Живі картини створюються прямо перед
глядачами записуються на відео і транслюються потім у галереї. Брюс
Науман, що зображує в галереї дюшанівський пісуар. Дует Гілберт і
Джордж – живі скульптури. Зображали типаж середнього англійця.

Дивитись: наприклад, на сайті художниці Орлан orlan.eu.

11. Стакізм.

Британське арт-об'єднання фігуративного живопису. Виступало проти концептуалістів.

Перша виставка була в Лондоні 2007-го,
як протест проти галереї Тейт. За однією з версій протестували в
у зв'язку з купівлею галереєю робіт художників в обхід законодавства. Шум
у пресі привернув увагу до стакістів. Зараз у світі налічується
понад 120 артистів. Їхній девіз: художник, який не малює – не художник.

Біллі Чайлдіш. Edge of the Forest

Термін стакізм був запропонований Томсоном.
Художниця Трейсі Емін вигукнула на адресу свого бойфренда Біллі
Чайлдіша: твій живопис застряг, застряг, застряг! (Англ. Stuck!
Stuck! Stack!)

Дивитись:
на сайті стакістів stuckism.com.
Роботи Чарлі Томсона та Біллі Чайлдіша у галереї Тейт (Лондон, Великобританія).

12. НЕОПЛАСТИЦИЗМ.
Анотація мистецтва. Перетин перпендикулярних ліній 3-х кольорів.

Ідеолог напряму – голландець Піт

Мондріан. Вважав світ ілюзорністю, тож завдання художника очистити
живопис від емоційних форм (фігуративу) в ім'я естетичних
(абстрактних) форм.

Зробити це художник запропонував
максимально лаконічно за допомогою 3-х кольорів - синього, червоного та
жовтий. Ними заливались місця між перпендикулярними лініями.

Піт Мондріан. Червоний, жовтий, синій та чорний

Неопластицизм досі надихає дизайнерів, архітекторів та промислових графіків.

Дивитись:
роботи Піта Мондріан та Тео Ванною Дусбурга в Муніципальному Музеї Гааги.

13. СТРІТ-АРТ.

Мистецтво, для якого місто це виставка чи полотно

Мета стріт-артиста: миттєво залучити перехожого в діалог за допомогою своєї інсталяції, скульптури, постера чи трафарету.

Рейтинг найдорожчих робіт художників, що нині живуть, - це конструкція, що говорить про роль і місце художника в історії мистецтва набагато менше, ніж про вік і міцність здоров'я

Правила складання нашого рейтингу прості: по-перше, до уваги беруться лише угоди з роботами авторів, що нині живуть; по-друге, враховуються лише публічні аукціонні продажі; і по-третє, дотримується правило «один художник - одна робота» (якщо в рейтингу робіт два рекорди належать Джонсу, то залишається тільки найдорожча, а решта не береться до уваги). Ранжування ведеться у перерахунку на долари (за курсом на дату продажу).

1. ДЖЕФФ КУНС Кролик. 1986. $91,075 млн

Чим довше спостерігаєш за аукціонною кар'єрою Джефа Кунса (1955), тим більше переконуєшся в тому, що для поп-арту немає нічого неможливого. Можна захоплюватися скульптурами Кунса у вигляді іграшок з повітряних куль, а можна вважати їх кичем і несмаком - ваше право. Одного заперечувати не можна: інсталяції Джефа Кунса коштують божевільних грошей.

Джефф Кунс почав свій шлях до слави найуспішнішого в світі художника, який нині живе в далекому 2007 році, коли його гігантська металева інсталяція «Підвісне серце» була куплена за $23,6 млн на торгах Sotheby's. Роботу купила галерея Ларрі Гагосянав писали, що на користь українського мільярдера Віктора Пінчука). ювелірного мистецтва. Нехай робота виконана і не із золота (матеріалом послужила нержавіюча сталь) і розміром вона явно більше звичайного кулона (скульптура висотою 2,7 м важить 1 600 кг), але має подібне призначення. На виробництво композиції з серцем, покритим десятьма шарами фарби, було витрачено понад шість з половиною тисячі годин. У результаті за ефектну прикрасу заплатили гігантські гроші.

Далі був продаж «Квітка з повітряної кульки» пурпурового кольору за £12,92 млн ($25,8 млн) на лондонських торгах Christie's 30 червня 2008 року. Цікаво, що сімома роками раніше попередні власники «Квітка» придбали роботу за $1,1 млн. Неважко підрахувати, що за цей час її ринкова ціна зросла майже у 25 разів.

Спад на арт-ринку 2008-2009 років дав скептикам привід позловити про те, що мода на Кунса пройшла. Але вони помилилися: разом із арт-ринком відродився й інтерес до робіт Кунса. Наступник Енді Уорхола на троні короля поп-арту оновив свій персональний рекорд у листопаді 2012 року продажем на Christie's різнобарвної скульптури «Тюльпани» із серії «Урочистість» за $33,7 млн ​​з урахуванням комісії.

Але «Тюльпани» були «квіточками» у прямому та переносному значенні. Усього через рік, у листопаді 2013 року, був продаж скульптури з нержавіючої сталі «Собака з повітряних куль (помаранчева)»: ціна молотка склала аж $58,4 млн! Нечувана сума для художника, що нині живе. Твір сучасного автора продали за ціною картини Ван Гога чи Пікассо. Ось це були вже ягідки.

З цим результатом Кунс на кілька років запанував на вершині рейтингу художників, що нині живуть. У листопаді 2018 року його ненадовго перевершив Девід Хокні (дивіться другий рядок нашого рейтингу). Але всього через півроку все повернулося на круги свої: 15 травня 2019 року в Нью-Йорку на торгах післявоєнного та сучасного мистецтва Christie's на продаж виставили хрестоматійну для Кунса скульптуру 1986 року - сріблястого «Кролика» з нержавіючої сталі, що імітує повітряний.

Усього таких скульптур Кунс створив 3 жарти плюс один авторський екземпляр. На торги потрапив екземпляр «Кролика» під номером 2 – з колекції культового видавця Сая Ньюхауса, співвласника видавничого дому Conde Nast (журнали Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ та ін.). Сріблястий «Кролик» був куплений «батьком гламуру» Саєм Ньюхаусом у 1992 році за значну за мірками тих років суму – 1 мільйон доларів. Через 27 років у боротьбі 10 бідерів ціна молотка скульптури в 80 разів перевищила попередню ціну продажу. А з урахуванням комісії Buyer's Premium підсумковий результат склав рекордні для всіх художників, що нині живуть $ 91,075 млн.

2. Девід Хокні Портрет художника. Басейн з двох фігур. 1972. $90 312 500

Девід Хокні (1937) – один із найбільш значущих британських художників ХХ століття. У 2011 році, за результатами опитування тисячі професійних британських художників та скульпторів, Девіда Хокні визнали найвпливовішим британським художником усіх часів. При цьому Хокні обійшов таких метрів, як Вільям Тернер та Френсіс Бекон. Його творчість, як правило, відносять до поп-арту, хоча в ранніх роботах він більше тяжів до експресіонізму на кшталт Френсіса Бекона.

Народився і виріс Девід Хокні в Англії, у графстві Йоркшир. Мати майбутнього художника тримала сім'ю в пуританській суворості, а батько, простий бухгалтер, який трохи малював на аматорському рівні, заохочував заняття сина живописом. У двадцять із невеликим Девід поїхав до Каліфорнії, де прожив загалом близько трьох десятків років. У нього і зараз там зберігаються дві майстерні. Хокні зробив героями своїх творів місцевих багатіїв, їхні вілли, басейни, залиті каліфорнійським сонцем газони. Один з найвідоміших його творів американського періоду - картина «Сплеск» - являє собою зображення снопа бризок, що піднявся з басейну слідом за людиною, що стрибнула у воду. Щоб зобразити цей сніп, який «живе» не більше двох секунд, Хокні працював два тижні. До речі, цю картину в 2006 році було продано на Sotheby's за $5,4 млн і якийсь час вважалося найдорожчою його роботою.

Хокні (1937) вже за вісімдесят, але він, як і раніше, працює і навіть винаходить нові художні прийомиіз використанням технічних новинок. Колись він вигадав робити величезні колажі з полароїдних знімків, друкував свої роботи на факс-апаратах, а сьогодні художник із натхненням освоює малювання на iPad. Картини, змальовані на планшеті, займають гідне місце на його виставках.

2005-го Хокні остаточно повернувся зі Штатів до Англії. Тепер він пише на пленері і в майстерні величезні (часто складаються з кількох частин) пейзажі місцевих лісів та пусток. За словами Хокні, за 30 років, проведених у Каліфорнії, він так відвик від простої зміни пори року, що вона його по-справжньому захоплює і заворожує. Цілі цикли його недавніх робіт присвячені, наприклад, одному й тому пейзажу в різні пори року.

У 2018 році ціни на картини Хокні кілька разів пробивали позначку 10 мільйонів доларів. А 15 листопада 2018 року на Christie's був зареєстрований новий абсолютний рекорд для творчості художника, що нині живе - $90 312 500 за картину «Портрет художника (Басейн з двома фігурами)».

3. ГЕРХАРД РІХТЕР Анотація картини. 1986. $46,3 млн

Живий класик Герхард Ріхтер (1932)посідає друге місце у нашому рейтингу. Німецький художник був лідером серед колег, що нині живуть, поки не гримнув 58-мільйонний рекорд Джеффа Кунса. Але навряд чи ця обставина може похитнути і так залізний авторитет Ріхтера на арт-ринку. За підсумками 2012-го річний аукціонний оборот німецького художника поступається лише аналогічним показникам Енді Уорхола та Пабло Пікассо.

Довгі роки ніщо не віщувало того успіху, який обрушився на Ріхтера зараз. Десятиліттями художник займав скромне місце на ринку сучасного мистецтва і аж ніяк не прагнув слави. Можна сказати, що слава наздогнала його сама. Відправною точкою багато хто вважає покупку нью-йоркським музеєм МоМА у 1995 році серії робіт Ріхтера «18 жовтня 1977». Американський музей заплатив $3 млн за 15 картин у сірих тонах і незабаром замислився над проведенням повноцінної ретроспективи німецького художника. Грандіозна виставка відкрилася через шість років, у 2001-му, і з того часу інтерес до творчості Ріхтера зростав як на дріжджах. З 2004 по 2008 рік ціни на його живопис зросли втричі. У 2010 році роботи Ріхтера принесли вже $76,9 млн, у 2011 році, за даними сайту Artnet, твори Ріхтера на аукціонах у сумі заробили $200 млн, а в 2012-му (за даними Artprice) – $262,7 млн ​​– більше, ніж роботи будь-якого іншого художника, що нині живе.

У той час як, наприклад, у Джаспера Джонса приголомшливий успіх на торгах супроводжує в основному тільки ранніх робіт, для творів Ріхтера такий різкий поділ не характерний: попит однаково стійкий на речі різних творчих періодів, яких у кар'єрі Ріхтера було безліч. За останні шістдесят років цей художник спробував себе практично у всіх традиційних живописних жанрах – портреті, пейзажі, марині, ню, натюрморті та, звичайно, абстракції.

Історія аукціонних рекордів Ріхтера розпочалася із серії натюрмортів «Свічки». 27 фотореалістичних зображень свічок на початку 1980-х, у період їх написання, коштували лише по 15 тисяч німецьких марок ($5 800) за роботу. Але «Свічки» все одно ніхто не купив на їхній першій виставці в галереї Макса Хецлера в Штутгарті. Тоді тему картин було названо старомодною; сьогодні ж «Свічки» вважають роботами на всі часи. І коштують вони мільйони доларів.

У лютому 2008 року «Свічка»,написана в 1983 році, була несподівано куплена за £ 7,97 млн ​​($16 млн). Цей персональний рекорд протримався три з половиною роки. Потім у жовтні 2011 рокуще одна «Свічка» (1982)пішла з молотка на Christie's вже за £ 10,46 млн. ($16,48 млн.). З цим рекордом Герхард Ріхтер вперше увійшов до трійки найуспішніших художників, які нині живуть, зайнявши своє місце за Джаспером Джонсом і Джеффом Кунсом.

Далі розпочалася переможна хода «Абстрактних картин» Ріхтера. Подібні твори художник пише в унікальній авторській техніці: він наносить на світле тло суміш простих фарб, а потім за допомогою довгого скребка розміром з автомобільний бампер розмазує їх по полотну. При цьому виходять хитромудрі колірні переходи, плями і смуги. Розгляд поверхні його «Абстрактних картин» подібно до розкопок: на них сліди різноманітних «фігур» проглядають крізь розриви численних барвистих шарів.

9 листопада 2011 рокуна аукціоні сучасного та післявоєнного мистецтва Sotheby's масштабна «Абстрактна картина (849-3)» 1997 року пішла з молотка за $20,8 млн (£13,2 млн). А через півроку, 8 травня 2012 рокуна торгах післявоєнного та сучасного мистецтва Christie's у Нью-Йорку «Абстрактна картина (798-3)» 1993 року пішла за рекордні $21,8 млн(З урахуванням комісії). Через п'ять місяців – знову рекорд: «Абстрактна картина (809-4)»з колекції рок-музиканта Еріка Клептона 12 жовтня 2012 року на торгах Sotheby's у Лондоні пішла з молотка за £ 21,3 млн ($34,2 млн). Бар'єр у 30 млн був узятий Ріхтером з такою легкістю, ніби йдеться не про сучасний живопис, а про шедеври, яким уже років сто – не менше. Хоча у випадку з Ріхтером схоже, що включення до пантеону «великих» відбулося вже за життя художника. Ціни на роботи німця продовжують зростати.

Наступний рекорд Ріхтера належав фотореалістичній роботі – пейзажу "Соборна площа, Мілан (Domplatz, Mailand)" 1968 року. Робота була продана за 37,1 млнна аукціоні Sotheby's 14 травня 2013 року. Вигляд найкрасивішої площі був написаний німецьким художником у 1968 році на замовлення компанії Siemens Electro, спеціально для міланського офісу компанії. На момент свого написання це був найбільший фігуративний твір Ріхтера (розміром майже три на три метри).

Рекорд «Соборної площі» протримався майже два роки, доки 10 лютого 2015-гойого не перебила «Абстрактна картина» ( 1986): ціна молотка досягла £ 30,389 млн. ($46,3 млн.). Виставлена ​​на торги Sotheby's «Абстрактна картина» розміром 300,5×250,5 см – одна з перших масштабних робіт Ріхтера в його особливій авторській техніці зіскребання шарів фарби. Востаннє 1999 року ця «Абстрактна картина» була куплена на аукціоні за $607 тис. (з цього року й до поточного продажу робота експонувалася в Музеї Людвіга в Кельні). На торгах 10 лютого 2015 року якийсь американський клієнт аукціонними кроками по £2 млн дійшов до ціни молотка $46,3 млн. Тобто з 1999 року робота зросла в ціні більш ніж у 76 разів!

4. ЦУЙ ЖУЧЖО «Великі засніжені гори». 2013. $39,577 млн.

Довгий час ми не надто уважно стежили за розвитком ситуації на китайському арт-ринку, не бажаючи перевантажувати наших читачів зайвою кількістю інформації про «не наше» мистецтво. За винятком дисидента Ай Вейвея, не настільки навіть дорогого, як резонансного художника, китайські автори здавались нам надто численними і далекими від нас, щоб вникати в те, що у них там на ринку відбувається. Але статистика, як кажуть, дама серйозна, і вже якщо ми говоримо про найуспішніших авторів у світі, то без розповіді про видатних представників контемпорарі-арту Піднебесної все ж таки не обійтися.

Почнемо з китайського художника Цуй Жучжо (Cui Ruzhuo). Художник народився 1944 року в Пекіні, з 1981 по 1996 рік жив у США. Після повернення до Китаю почав викладати в Національній Академії мистецтв. Цуй Жучжо переосмислює традиційну китайську манеру малювання тушшю і створює величезні полотна-свитки, які так люблять подарувати один одному китайські бізнесмени та чиновники. На Заході про нього відомо вкрай мало, хоча, мабуть, багато хто пам'ятає історію з сувій за $3,7 млн, який помилково викинули, прийнявши за сміття, прибиральники гонконгського готелю. Так ось - це був сувій саме Цуй Жучжо.

Цуй Жучжо вже за 70, а ринок його робіт процвітає. Понад 60 робіт цього художника переступили планку $1 млн. Втім, успіх його твору мають поки що лише на китайських аукціонах. Рекорди Цуй Жучжо справді справляють враження. Спочатку його «Пейзаж у снігу»на торгах Poly Auction у Гонконгу 7 квітня 2014 рокудосяг ціни молотка в 184 мільйони гонконгських доларів ( $23,7 млн ​​США).

Рівно через рік, 6 квітня 2015-го,на спеціальному аукціоні Poly Auction у Гонконгу, присвяченому виключно роботам Цуй Жучжо, серія «Великий сніговий краєвид гірського Цзяннаню»(Цзяннань - історична область у Китаї, що займає правий берег нижньої течії Янцзи) з восьми пейзажів тушшю на папері досягла ціни молотка 236 мільйонів гонконгських доларів ( $30,444 млн США).

Через рік історія знову повторилася: на соло-аукціоні Цуй Жучжо, що проводився Poly Auctions в Гонконгу 4 квітня 2016 рокуполіптих із шести частин «Великі засніжені гори» 2013 досяг ціни молотка (з урахуванням комісії аукціонного будинку) 306 мільйонів гонконгських доларів ($39,577 млн ​​США). Поки що це абсолютний рекорд серед азіатських художників, які нині живуть.

Як вважає арт-дилер Джонсон Чан, який уже 30 років працює з китайським сучасним мистецтвом, є безумовним бажання підняти ціни на роботи цього автора, проте все це відбувається на такому ціновому рівні, де досвідчені колекціонери навряд чи захочуть щось купувати. «Китайці хочуть підняти рейтинги своїх художників, роздмухуючи ціни на їхні роботи на великих міжнародних аукціонах на кшталт того, що організував Poly у Гонконгу, проте не варто сумніватися в тому, що ці рейтинги повністю сфабриковані», - коментує Джонсон Чан останній рекорд Цуй Жучжо.

Це, звичайно, тільки думка одного окремо взятого дилера, а в нас є реальний рекорд, записаний у всі бази даних. Тож будемо з ним зважати. Сам Цуй Жучжо, судячи з його висловлювань, далекий від скромності Герхарда Ріхтера, коли це стосується його аукціонних успіхів. Схоже, що ця гонка за рекордами його всерйоз захоплює. «Я сподіваюся, що за найближчі 5–10 років ціни на мої роботи перевершать ціни на роботи західних майстрів на зразок Пікассо та Ван Гога. Це китайська мрія», – каже Цуй Жучжо.

5. ДЖАСПЕР ДЖОНС Прапор. 1983. $36 млн

Третє місце в рейтингу художників, що нині живуть, належить американцеві. Джасперу Джонсу (1930). Поточна рекордна ціна для робіт Джонса - $ 36 млн. Стільки заплатили за його знаменитий «Прапор»на торгах Christie"s 12 листопада 2014 року.

Серія картин «прапорів», розпочата Джонсом у середині 1950-х років, одразу після повернення художника з армії, стала однією з центральних у його творчості. Художника ще в молодості зацікавила ідея реді-мейду, перетворення повсякденного об'єкта на витвір мистецтва. Однак у Джонса прапори не були справжніми, вони були написані олією на полотні. Таким чином, витвір мистецтва набував властивостей речі зі звичайного життя, він був в той самий час і зображенням прапора і власне прапором. Серія робіт із прапорами принесла Джасперу Джонсу світову популярність. Але не менш популярні його абстрактні роботи. Довгі роки список найдорожчих робіт, складений за наведеними вище правилами, очолював його абстрактний «Фальстарт». До 2007 року це дуже яскраве і декоративне полотно, написане Джонсом в 1959 році, вважалося власником практично недоступної для художника, що нині живе (нехай і прижиттєвого класика) ціни - $ 17 млн. Стільки за нього заплатили у золотому для арт-ринку 1988 року.

Цікаво, що стаж Джаспера Джонса як носія рекорду не був безперервним. У 1989 році його перебила робота колеги по цеху Віллема де Кунінга: двометрова абстракція «Змішення» була продана на Sotheby's за $20,7 млн. Джасперу Джонсу довелося посунутися. Але через 8 років, у 1997 році, де Кунінг помер, і Фальстарт» Джонса знову зайняв перший рядок аукціонного рейтингу художників, що нині живуть, майже на 10 років.

Але у 2007 році все змінилося. Рекорд «Фальстарту» спочатку затьмарили роботи молодих та амбітних Демієна Херста та Джеффа Кунса. Потім був рекордний продаж за $33,6 млн картини «Сплячий інспектор по допомозі» пензля Лусієна Фрейда (нині вже покійного, а отже, не бере участі в цьому рейтингу). Далі розпочалися рекорди Герхарда Ріхтера. Загалом, поки що з поточним рекордом у 36 млн. Джаспер Джонс, один з метрів американського повоєнного мистецтва, який працює на стику нео-дадаїзму, абстрактного експресіонізму та поп-арту, знаходиться на почесному третьому місці.

6. ЕД РУШІВ Smash. 1963. $30,4 млн

Раптовий успіх картини «Smash» пензля американського художника Едварда Рушея (нар. 1937)на торгах Christie's 12 листопада 2014вивів цього автора до найдорожчих нині живих художників. Попередня рекордна ціна на роботи Еда Рушея (часто прізвище Ruscha вимовляють російською мовою «Руша», проте вірна вимова - Рушів) становила «всього» $6,98 млн: стільки заплатили за його полотно «Бензоколонка, що горить» у 2007 році. Через сім років його «Smash»при естімейті $15–20 млн досяг ціни молотка $30,4 млн. Очевидно, що ринок робіт цього автора вийшов на новий рівень – не дарма його роботами прикрашає Білий дімБарак Обама, а сам Ларрі Гагосян виставляє його у своїх галереях.

Ед Рушей ніколи не прагнув повоєнного Нью-Йорка з його повальним захопленням абстрактним експресіонізмом. Натомість протягом понад 40 років він шукав натхнення у Каліфорнії, куди переїхав із Небраски у віці 18 років. Художник стояв біля витоків нової течії в мистецтві, яке отримало назву поп-арт. Разом з Уорхолом, Ліхтенштейном, Уейном Тібо та іншими співаками масової культури Едвард Рушів у 1962 році взяв участь у виставці «Нове зображення звичайних речей» у Музеї Пасадени, яка стала першою музейною експозицією американського поп-арту. Втім, сам Ед Рушей не любить, коли його творчість відносять до поп-арту, концептуалізму чи якоїсь іншої течії в мистецтві.

Його унікальний стиль називають «текстовим живописом». З кінця 1950-х Ед Руш почав малювати слова. Так само, як для Уорхола витвором мистецтва стала банка супу, для Еда Рушея такими стали звичайні слова і фрази, взяті ним чи то з рекламного щита чи упаковки в супермаркеті, чи то з титрів кінофільму (Голлівуд завжди був у Рушея «під боком», і на відміну від багатьох колег-художників Рушів поважав «фабрику мрій»). Слова на його полотнах набувають властивостей тривимірних об'єктів, це справжні натюрморти зі слів. При погляді на його полотна першим на думку спадає візуальне і звукове сприйняття намальованого слова, і вже після - смислове значення. Останнє, як правило, не піддається однозначному дешифруванню; вибираються Рушеєм слова та фрази можна трактувати по-різному. Те ж яскраво-жовте слово «Smash» на глибокому синьому фоні може сприйматися як агресивний заклик розбити вщент щось чи когось; як самотнє прикметник, вирване з контексту (частина якогось газетного заголовка, наприклад), або просто як окреме слово, спіймане в урбаністичному потоці візуальних образів. Ед Руш насолоджується цією невизначеністю. «Я завжди глибоко поважав дивні, незрозумілі речі… Пояснення у певному сенсі вбивають річ», - сказав він в одному з інтерв'ю.

7. КРИСТОФЕР ВУЛ Без назви (RIOT). 1990. $29,93 млн

Американський художник Крістофер Вул(1955) вперше увірвався в рейтинг художників, що нині живуть у 2013 році - після продажу роботи «Апокаліпсис сьогодні» за $26,5 млн. Цей рекорд відразу поставив його в один ряд з Джаспером Джонсом і Герхардом Ріхтером. Сума цієї історичної угоди - більше $20 млн - здивувала багатьох, оскільки до неї ціни на роботи художника не перевищували $8 млн. Проте бурхливе зростання ринку робіт Крістофера Вула на той момент було вже очевидним: у послужному списку художника було 48 аукціонних угод на суми понад $1 млн, причому 22 з них (майже половина) відбулися у 2013 році. Через два роки кількість робіт Кріса Вула, проданих дорожче за $1млн, досягла 70, і новий персональний рекорд не змусив себе чекати. На торгах Sotheby's 12 травня 2015 робота «Без назви (RIOT)»була продана за $ 29,93 млнз урахуванням Buyer's Premium.

Крістофер Вул відомий головним чином своїми масштабними роботами із зображеннями чорних букв на білих алюмінієвих аркушах. Саме вони зазвичай встановлюють рекорди на аукціонах. Все це речі кінця 1980-х – початку 1990-х. Як говорить легенда, одного разу Вул прогулювався ввечері Нью-Йорком і раптом побачив на новій білій вантажівці графіті чорними літерами - слова sex і luv. Це видовище так його вразило, що він відразу повернувся до майстерні і написав свою версію з тими самими словами. Надворі був 1987 рік, і подальші пошуки художником слів і фраз для своїх «літерних» робіт відбивають суперечливий дух цього часу. Це і заклик "продай будинок, продай машину, продай дітей", взятий Вулом з фільму "Апокаліпсис сьогодні", і слово "FOOL" ("дурень") великими літерами, і слово "RIOT" ("повстання"), що часто зустрічалося в газетних заголовках на той час.

Слова та фрази Вул наносив на алюмінієві листи за допомогою трафаретів алкідними або емалевими фарбами, навмисно залишаючи потеки, сліди від трафаретів та інші свідчення. творчого процесу. Слова митець ділив так, щоб глядач не одразу розумів зміст. Спочатку ти бачиш лише скупчення літер, тобто сприймаєш слово як візуальний об'єкт, і тільки потім вчитуєшся і розшифровуєш сенс фрази чи слова. Вул використовував шрифт, який був у ході в американських військових після Другої світової війни, що посилює враження наказу, директиви, гасла. Ці «літерні» роботи сприймаються як частина міського ландшафту, як нелегальне графіті, яке порушило чистоту поверхні якогось вуличного об'єкта. Ця серія робіт Крістофера Вула визнана однією з вершин лінгвістичної абстракції, а тому оцінюється так високо любителями сучасного мистецтва.

8. ПІТЕР ДОЙГ Роуздейл. 1991. $28,81 млн

Британець Пітер Дойг(1959), хоч і належить до покоління постмодерністів Кунса і Херста, обрав собі цілком традиційний жанр пейзажу, довгий час був у фаворі в передових художників. Своєю творчістю Пітер Дойг відроджує згаслий інтерес публіки до фігуративного живопису. Його роботи високо оцінюють як критики, і нефахівці, і свідчення тому - стрімке зростання ціни його твори. Якщо на початку 1990-х його краєвиди коштували кілька тисяч доларів, то тепер рахунок іде на мільйони.

Творчість Дойга часто називають магічним реалізмом. На основі реальних пейзажів він створює фантазійні, загадкові та найчастіше похмурі образи. Художник любить зображати покинуті людьмиоб'єкти: напівзруйнована будівля будівлі Ле Корбюзьє посеред лісу або порожнє біле каное на гладі лісового озера. Крім природи та уяви, Дойга надихають фільми жахів, старі листівки, фотографії, аматорські відеозаписи та інше. Картини Дойга барвисті, складні, декоративні та не провокаційні. Такий живопис володіти приємно. Підігріває інтерес колекціонерів ще й невисока продуктивність автора: художник, який проживає в Тринідаді, створює не більше десятка картин на рік.

На початку 2000-х років окремі пейзажі художника продавалися за кілька сотень тисяч доларів. Тоді ж роботи Дойга потрапили до галереї Саатчі, на бієнале у Музеї Вітні та до колекції МоМА. У 2006 році було подолано аукціонну планку $1 млн. А наступного року стався несподіваний прорив: робота «Біле каное», запропонована на Sotheby's 7 лютого 2007 року з естімейтом $0,8–1,2 млн, у п'ять разів перевищила попередню оцінку та було продано за £5,7 млн ​​($11,3 млн). На той момент це була рекордна ціна для робіт європейського художника, який нині живе.

У 2008-му пройшли персональні виставки Дойга у галереї Тейт та у Музеї сучасного мистецтва в Парижі. Багатомільйонні цінники для робіт Дойга стали нормою. Персональний рекорд Пітера Дойга останнім часом став оновлюватися по кілька разів на рік - ми тільки й встигаємо, що міняти картинку і місце цього художника в нашому рейтингу авторів, що нині живуть.

На сьогоднішній день найдорожча робота Пітера Дойга - сніговий пейзаж Роуздейл (Rosedale) 1991 року. Що цікаво, рекорд було встановлено не на Sotheby's чи Christie's, а на торгах сучасного мистецтва аукціонного дому Phillips. Це сталося 18 травня 2017 року. Вигляд засніженого Роуздейла, одного з районів Торонто, був проданий телефонному покупцеві за $28,81 млн. Це приблизно на 3 мільйони вище за попередній рекорд ($25,9 млн за роботу «Поглинені трясовиною»). Полотно «Роуздейл» брало участь у ключовій виставці Дойга в галереї Whitechapel у Лондоні в 1998 році, і загалом ця робота для ринку була свіжою, а тому рекордна ціна цілком заслужена.

9. ФРЕНК СТЕЛЛА Мис сосен. 1959. $28 млн

Френк Стелла (Frank Stella) – яскравий представник постмальовничої абстракції та мінімалізму в мистецтві. На певному етапі його належать до представників стилю жорстких контурів (hard edge painting). Спочатку Стелла протиставив сувору геометричність, аскетичну монохромність і структурованість своїх картин спонтанності та хаотичності полотен абстрактних експресіоністів на зразок Джексона Поллока.

Наприкінці 1950-х художник був помічений відомим галеристом Лео Кастеллі і вперше удостоївся виставки. На ній він представив так звані Чорні картини - полотна, зафарбовані паралельними чорними лініями з тонкими проміжками незабарвленого полотна між ними. Лінії складаються в геометричні форми, що чимось нагадують оптичні ілюзії, ті картинки, які мерехтять, рухаються, закручуються, створюють відчуття глибокого простору, якщо довго на них дивитися. Тему паралельних ліній із тонкими розділовими смужками Стелла продовжив у роботах на алюмінії та міді. Змінювалися фарби, мальовнича основа і навіть форма картин (серед інших виділяються роботи у формі букв U, T, L). Але головний принцип його живопису, як і раніше, полягав у чіткості контуру, монументальності, простій формі, монохромності. У наступні десятиліття Стелла пішов від такого геометричного живопису у бік плавних, природних форм і ліній, а від однотонних картин – до яскравих та різноманітних кольорових переходів. У 1970-х Стеллу полонили величезні лекала, за допомогою яких фарбують кораблі. Художник використав їх для величезних картин з елементами асамбляжу - включав у роботи шматки сталевих труб або дротяної сітки.

У своїх ранніх інтерв'ю Френк Стелла відверто міркує про сенси, що вкладаються у свої роботи, точніше, щодо їх відсутності: «Те, що ти бачиш, є те, що ти бачиш». Картина є як така об'єкт, а чи не відтворення чогось. "Це плоска поверхня з фарбою на ній і нічого більше", - говорив Стелла.

Що ж, підписана Френком Стеллою, ця «поверхня із фарбою на ній» сьогодні може коштувати мільйони доларів. Вперше до рейтингу художників Френк Стелла потрапив у 2015 році з продажем роботи «Перехід Делавера» (1961) за $13,69 млн з урахуванням комісії.

Через чотири роки, 15 травня 2019 року, новий рекорд встановила рання (1959 року) робота «Мис сосен»: ціна молотка склала понад $28 млн з урахуванням комісії. Це одна із 29 «чорних картин» - тих самих, з якими Стелла дебютував на своїй першій виставці у Нью-Йорку. Випускнику університету Прінстона Френку Стелле тоді було 23 роки. Грошей на олійну фарбу для художників йому не вистачало. Молодий художник підробляв ремонтними роботами, йому дуже сподобалися чисті кольори малярської фарби, і тоді виникла ідея працювати на полотні. Чорною емалевою фарбою Стелла пише паралельні лінії, залишаючи тонкі лінії незагрунтованого полотна між ними. Причому пише він без лінійок, на око, без попереднього начерку. Стелла ніколи не знав скільки саме чорних ліній вийде на конкретній картині. Наприклад, на картині «Мис сосен» їх вийшло 35. Назва роботи надсилає до назви мису в затоці Массачусетс – Point of pines. На початку ХХ століття на ньому був великий парк атракціонів, а сьогодні це один із районів міста Ревір.

10. ЁСИТОМО НАРА Ніж за спиною. 2000. $24,95 млн

Есітомо Нара (1959) – одна з ключових постатей японського нео-поп-арту. Японського - тому що, незважаючи на глобальну популярність і довгі рокироботи за кордоном, його творчість, як і раніше, відрізняє виражена національна ідентичність. Улюблені персонажі Нари - дівчата та собаки у стилі японських коміксів манга та аніме. Вигадані ним образи вже багато років як «пішли в народ»: їх друкують на футболках, роблять із ними сувеніри та різний «мерч». Який народився в бідній сім'ї, далеко від столиці, його не тільки люблять за талант, а й цінують як людину, яка зробила себе. Художник працює швидко, експресивно. Відомо, що деякі його шедеври було виконано буквально за ніч. Картини та скульптури Ёсітомо Нари, як правило, дуже лаконічні, а то й скупі в виразних засобахале завжди несуть сильний емоційний заряд. Дівчата-підлітки у Нари часто дивляться на глядача з недобрим прищуром. У їхніх очах – зухвалість, виклик та агресія. У руках – то ніж, то цигарка. Є думка, що зображені перверсії поведінки - це реакція на суспільну мораль, що давить, різні табу, і принципи виховання, прийняті у японців. Майже середньовічна строгість та сором заганяють проблеми всередину, створюють ґрунт для відкладеного емоційного вибуху. «Ніж за спиною» якраз ємно відбиває одну з головних ідей митця. У цій роботі є і погляд дівчинки, що ненавидить, і рука, загрозливо заведена за спину. До 2019 року картини та скульптури Ёсітомо Нара вже не раз брали позначку мільйон, а то й кілька мільйонів. Але двадцять мільйонів – уперше. Нара - один із найвідоміших у світі художників японського походження. А тепер і найдорожчий із тих, що нині живуть. 6 жовтня 2109 року на Sotheby's у Гонконгу він відібрав цей титул у Такасі Муракамі і помітно обійшов 90-річну авангардистку Яйої Кусаму (максимальні аукціонні ціни на її картини вже наближаються до $9 млн).

11. ЦЗЕН ФАНЬЧЖІ таємна вечеря. 2001. $23,3 млн

На торгах Sotheby's у Гонконгу 5 жовтня 2013року масштабне полотно "Таємна вечеря"пекінського художника Цзен Фаньчжі (1964)було продано за рекордну суму 160 мільйонів гонконгських доларів $23,3 млнСША. Підсумкова вартість роботи Фаньчжі, написаної, звичайно ж, під впливом творчості Леонардо да Вінчі, виявилася вдвічі вищою за попередню оцінку близько $10 млн. Попередній ціновий рекорд Цзен Фаньчжі - $ 9,6 млн, заплачених на гонконзьких торгах Christie's у травні 2008 року за роботу «Серія Маска. 1996. No. 6».

«Таємна вечеря» - найбільше (2,2 × 4 метри) полотно Фаньчжі в серії «Маски», що охоплює період із 1994 по 2001 рік. Цикл присвячений еволюції китайського суспільства під впливом економічних реформ. Впровадження урядом КНР елементів ринкової економіки призвело до урбанізації та роз'єднання китайців. Фаньчжі зображує жителів сучасних китайських мегаполісів, яким доводиться виборювати місце під сонцем. Всім відома композиція фрески Леонардо у прочитанні Фаньчжі набуває зовсім іншого змісту: місце дії перенесено з Єрусалиму до класної кімнати. китайської школиз типовими дошками ієрогліфів на стінах. «Христос» і «апостоли» перетворилися на піонерів з яскраво-червоними краватками, і лише «Юда» носить золоту краватку - це метафора західного капіталізму, що проникає і руйнує звичний спосіб життя в соціалістичній країні.

Роботи Цзен Фаньчжі стилістично близькі до європейського експресіонізму і настільки ж драматичні. Але при цьому вони сповнені китайської символіки та специфіки. Ця різнобічність приваблює творчості художника як китайських, і західних колекціонерів. Пряме підтвердження тому – провенанс «Таємної вечері»: роботу було виставлено на торги відомим колекціонером китайського авангарду 1980-х – початку 1990-х – бельгійським бароном Гі Улленсом.

12. РОБЕРТ РАЙМАН Міст. 1980. $20,6 млн

На торгах Christie's 13 травня 2015абстрактна робота «Міст» 85-річного американського художника Роберта Раймана(Robert Ryman) була продана за $20,6 млнз урахуванням комісії - у два рази дорожче за нижній естімейт.

Роберт Райман(1930) не одразу зрозумів, що хоче стати художником. У віці 23 років він переїхав до Нью-Йорка з Нешвілла (штат Теннесі), бажаючи стати джазовим саксофоністом. А поки він не став знаменитим музикантом, довелося підробляти охоронцем у МоМА, де відбулося його знайомство із Солом Ле Віттом та Деном Флавіном. Перший працював у музеї нічним секретарем, а другий охоронцем та ліфтером. Під враженням від побачених ним у МоМА робіт абстрактних експресіоністів – Ротко, Де Кунінга, Поллока та Ньюмана – Роберт Райман у 1955 році сам зайнявся живописом.

Раймана часто зараховують до мінімалістів, проте він воліє називатися «реалістом», оскільки його не цікавить створення ілюзій, він лише демонструє якості матеріалів, які використовуються. Більшість його робіт написані фарбами всіх можливих відтінків білого кольору (від сірого або жовтуватого - до сліпучо білого) на основі лаконічної квадратної форми. За свою кар'єру Роберт Райман перепробував безліч матеріалів і технік: писав олією, акрилом, казеїном, емаллю, пастеллю, гуашшю і т. д. на полотні, сталі, плексигласі, алюмінії, папері, гофрокартоні, вінілі, шпалерах та ін. професійний реставратор Оррін Райлі, консультував його щодо їдкості тих матеріалів, що йому спадало на думку використовувати. Як сказав якось художник, «у мене ніколи не виникає питання, щописати, головне - якписати». Вся справа в текстурі, у характері мазків, у межі між барвистою поверхнею та краями основи, а також у співвідношенні роботи та стіни. З 1975 року особливим елементом його творів стають кріплення, дизайн яких Райман розробляє сам і навмисне залишає їх видимими, підкреслюючи його роботи настільки ж реальні, наскільки реальні стіни, на яких вони висять. Райман вважає за краще давати роботам «імена», але не «назви». "Ім'я" - це те, що допомагає відрізняти одну роботу від іншої, і Райман часто дає імена своїм творам за марками фарби, компаніям і т.д., а "назва" претендує на якісь алюзії та глибоко приховані смисли, наявність яких у своїх роботах художник регулярно заперечує. Нічого, крім матеріалу та техніки, не має значення.

13. ДЕМІЄН ХЕРСТ Сонна весна. 2002. $19,2 млн

Англійському художнику Демієну Херсту (1965)судилося першим замахнутися на перше місце цього рейтингу у суперечці з живим класиком Джаспером Джонсом. Вже згадана робота «Фальстарт» могла б ще довго залишатися непотоплюваним лідером, якби 21 червня 2007 рокуінсталяція на той момент 42-річного Херста «Сонна весна»(2002) не була продана на Sotheby's за £ 9,76 млн, тобто за $19,2 млн. Робота має досить незвичайний формат. З одного боку, це шафа-вітрина з муляжами таблеток (6136 таблеток), по суті, класична інсталяція. А з іншого - ця вітрина зроблена плоскою (10 см в глибину), забрана в раму і вішається на стіну, як плазмова панель, цілком забезпечуючи тим самим комфорт володіння, властивий картинам. 2002 року сестра цієї інсталяції, «Сонна зима», пішла за $7,4 млн, більш ніж удвічі дешевше. Різницю в ціні хтось «пояснював» тим, що у зими таблетки блякліші. Але зрозуміло, що це пояснення абсолютно безпідставне, бо механізм ціноутворення для подібних речей вже не пов'язаний з їхньою декоративністю.

У 2007-му багато хто визнав Херста автором найдорожчої роботи серед митців. Питання, щоправда, із розряду «дивлячись як рахувати». Справа в тому, що Херст продавався за дорогі фунти, а Джонс за долари, що нині подешевшали, та ще й двадцять років тому. Але навіть якщо рахувати за номіналом, без урахування 20-річної інфляції, то в доларах дорожчою була робота Херста, а в фунтах - Джонса. Ситуація складалася прикордонна, і кожен сам був вільний вирішувати, кого вважати найдорожчим. Але протримався Херст на першому місці не так уже й довго. У тому ж 2007 році його змістив з першого місця Кунс зі своїм «Підвісним серцем».

Саме напередодні глобального спаду цін на сучасне мистецтво Херст здійснив безпрецедентний для молодого художника почин - соло-аукціон своїх робіт, що відбувся 15 вересня 2008 року в Лондоні. Звістка про оголошене напередодні банкрутство банку Lehman Brothers анітрохи не зіпсувала апетиту любителям сучасного мистецтва: із запропонованих Sotheby's 223 робіт нових власників не знайшли лише п'ять (одним із покупців, до речі, був Віктор Пінчук). твір "Золоте теля"- величезне опудало бика у формальдегіді, увінчане золотим диском, - принесло аж £10,3 млн ($18,6 млн). Це найкращий результат Херста, якщо рахувати в фунтах (у тій валюті, в якій проводилася угода). Однак ми ведемо ранжування в перерахунку на долари, тому (хай простить нас «Золоте тілець») найкращим продажем Херста ми вважатимемо все ж таки «Сонну весну».

З 2008 року продажів рівня «Сонної весни» та «Золотого тільця» Херст не мав. Свіжі рекорди 2010-х – на роботи Ріхтера, Джонса, Фаньчжі, Вула та Кунса – посунули Демієна на шостий рядок нашого рейтингу. Але не виноситимемо категоричного судження про занепад ери Херста. На думку аналітиків, Херст як «суперстар» вже увійшов до історії, а отже, купуватимуть його ще дуже довго; втім, найбільша цінність у майбутньому прогнозується для творів, створених найбільш новаторський період його кар'єри, тобто у 1990-х.

14. МАУРИЦІО КАТТЕЛАН Him. 2001. $17,19 млн

Італієць Мауріціо Каттелан (1960) прийшов у мистецтво після того, як попрацював охоронцем, кухарем, садівником та дизайнером меблів. Автор-самоук став всесвітньо відомий завдяки своїм іронічним скульптурам та інсталяціям. Він обрушував метеорит на Папу Римського, перетворював дружину замовника на мисливський трофей, продиряв підлогу в музеї старих майстрів, показував гігантський середній палець фондової біржі в Мілані, приводив живого віслюка на ярмарок Frieze. Найближчим часом Каттелан обіцяє встановити золотий унітаз у Музеї Гуггенхайма. Зрештою витівки Мауріціо Каттелана отримали широке визнання в арт-світі: його запрошують на Венеціанську бієнале (інсталяція «Інші» в 2011 році - зграя з двох тисяч голубів, які грізно дивляться з усіх труб і балок на натовпи відвідувачів, що проходять внизу). йому ретроспективу в нью-йоркському Музеї Ґуґґенхайма (листопад 2011) і, нарешті, платять за його скульптури великі гроші.

З 2010 року найдорожчою роботою Мауріціо Каттелана була воскова скульптура людини, що виглядає з дірки в підлозі, зовні схожої на самого художника («Без назви», 2001). Ця скульптура-інсталяція, яка існує в кількості трьох екземплярів плюс авторська копія, вперше була продемонстрована в Музеї Бойманса ван Бенінгена в Роттердамі. Тоді цей бешкетний персонаж визирнув із дірки в підлозі зали з картинами голландських живописців XVIII – XIX століть. Мауріціо Каттеллан у цьому творі асоціює себе з зухвалим злочинцем, що вторгається в сакральний простір музейної зали з картинами великих майстрів. Тим самим він хоче позбавити мистецтво ореолу святості, яке йому надають музейні стіни. Роботу, заради експонування якої щоразу доводиться дірявити стать, продали за $7,922 млн на Sotheby's.

Рекорд протримався до 8 травня 2016 року, коли ще більш провокаційна робота Каттелана «Him», що зображує уклінного Гітлера, пішла з молотка за $17,189 млн. Річ дивна. Назва дивна. Вибір персонажа – ризикований. Як у Каттелана. Що означає Him? "Його" чи "His infernal majesty"? Зрозуміло, що не йдеться про оспівування образу фюрера. У цій роботі Гітлер постає швидше у безпорадному, жалюгідному вигляді. І абсурдному – втілення Сатани виконано зростанням з дитини, одягнений у костюм школяра і стоїть на колінах зі смиренним виразом на обличчі. Для Каттелана цей образ - запрошення до роздумів про природу абсолютного зла та спосіб позбавлення від страхів. До речі, західному глядачеві скульптура Him добре відома. Її побратими за серією виставлялися понад 10 разів у провідних музеях світу, включаючи Центр Помпіду та Музей Соломона Гугенхайма.

15. МАРК ГРОТЬЯН Без назви (S III Released to France Face 43.14). 2011. $16,8 млн

17 травня 2017 року на вечірніх торгах Christie's в Нью-Йорку з'явилася одна з найпотужніших мальовничих робіт Марка Гротьяна з тих, що коли-небудь виставлялися на торги. Картину «Без назви (S III Released to France Face 43.14)» виставив паризький колекціонер Патрік Сегін з оцінкою в $13–16 млн, і оскільки продаж лота був гарантований третьою стороною, то встановленню нового персонального аукціонного рекорду 49-річного художника ніхто не особливо . Ціна молотка $14,75 млн (а з урахуванням Buyer's Premium $16,8 млн) перевершила колишній аукціонний рекорд Гротьяна більше, ніж на $10 млн. Це дозволило йому увійти в клуб художників, які нині живуть, чиї роботи продаються за восьмизначні суми. Семизначних результатів (продажів дорожче $1 млн, але не більше $10 млн) в аукціонній скарбничці Марка Гротьяна вже близько тридцяти.

Марк Гротьян (1968), у творчості якого вбачають вплив модернізму, абстрактного мінімалізму, поп- і оп-арту, прийшов до свого фірмового стилю в середині 1990-х, після переїзду разом з другом Брентом Петерсоном у Лос-Анджелес і відкриття там галереї «Кімната 702». Як згадує сам художник, тоді він почав думати про те, що для нього в мистецтві на першому місці. Він шукав той мотив, з яким можна було б експериментувати. І зрозумів, що йому завжди були цікаві лінія та колір. Експерименти на кшталт лучизма і мінімалізму з лінійною перспективою, численними точками сходу і різнокольоровими абстрактними трикутними формами у результаті принесли Гротьяну світову славу.

Від абстрактних барвистих пейзажів з кількома лініями горизонту і точками сходу перспективи у результаті він дійшов трикутним формам, що нагадує крила метеликів. Картини Гротьяна 2001-2007 років. так і називають – «Метелики». Сьогодні переміщення точки сходу або використання відразу кількох точок сходу, рознесених у просторі, вважається одним із найсильніших прийомів художника.

Наступна велика серія робіт отримала назву «Обличчя»; в абстрактних лініях цієї серії вгадуються риси людської особи, спрощеної до стану маски на кшталт Матісса, Явленського чи Бранкузи. Говорячи про граничне спрощення і стилізацію форм, про композиційне вирішення картин, коли розрізнені контури очей, ротів немов дивляться на нас з лісової хащі, дослідники відзначають зв'язок «Облич» Гротьяна з мистецтвом первісних племен Африки та Океанії, тоді як самому художнику просто « очей, дивлячись з джунглів. Я іноді уявляв собі обличчя бабуїнів чи мавп. Не можу сказати, що я свідомо чи підсвідомо перебував під впливом первісного африканського мистецтва, швидше, на мене впливали художники, які перебували під його впливом. Пікассо є найочевиднішим прикладом».

Роботи серії «Обличчя» називають брутальними та елегантними, тішать око і приємними для розуму. Згодом змінюється і фактура цих робіт: для створення ефекту внутрішнього простору митець використовує широкі мазки густої фарби, навіть розбризкування в стилі Поллока, проте поверхня картини вирівняна так, що при близькому розгляді вона здається абсолютно плоскою. Встановила аукціонний рекорд картина "Без назви (S III Released to France Face 43.14)" відноситься саме до цієї уславленої серії Марка Гротьяна.

16. ТАКИ МУРАКАМИ Мій самотній ковбой. $15,16 млн

Японець Такасі Муракамі (1962)увійшов до нашого рейтингу зі скульптурою «Мій самотній ковбой», проданої на Sotheby's у травні 2008 року за $ 15,16 млн. З цим продажем Такасі Муракамі довгий час вважався найуспішнішим азіатським художником, який нині живе - поки його не затьмарив продажем «Таємної вечері» Цзен Фаньчжі.

Такасі Муракамі працює як художник, скульптор, дизайнер одягу та аніматор. Муракамі хотів узяти за основу своєї творчості щось справді японське, без західних та будь-яких інших запозичень. У студентські роки його захоплював традиційний японський живопис ніхонгу, пізніше на зміну їй прийшло популярне мистецтво аніме та манга. Так народилися психоделічний Mr DOB, візерунки з усміхнених квіточок і яскраві, блискучі скульптури зі склопластику, що ніби щойно зішли зі сторінок японських коміксів. Одні вважають мистецтво Муракамі фаст-фудом і втіленням вульгарності, інші називають художника японським Енді Уорхолом - і в останніх, як бачимо, чимало дуже багатих людей.

Муракамі запозичив назву для своєї скульптури у фільму Енді Уорхола «Самотні ковбої» (1968), який японець, як він сам зізнався, ніколи не дивився, але дуже йому сподобалося поєднання слів. Мураками однією скульптурою і догодив шанувальникам еротичних японських коміксів, і посміявся з них. Збільшений у розмірах, та ще й тривимірний, герой аніме перетворюється на фетиш масової культури. Це художнє висловлювання цілком у дусі класичного західного поп-арту (згадаймо меблевий гарнітур Аллена Джонса або «Рожеву пантеру» Кунса), але з національною родзинкою.

17. KAWS. Альбом KAWS. 2005. $14 784 505

KAWS – псевдонім американського художника Брайана Донеллі з Нью-Джерсі. Він – наймолодший учасник нашого рейтингу, 1974 року народження. Донеллі починав художником-аніматором у Disney (малював фони для мультфільму «101 далматинець» та ін.). З юності захоплювався графіті. Його фірмовим малюнком спочатку був череп із «іксами» на місці очних ямок. Роботи молодого райтера полюбилися діячам шоу-бізнесу та людям із індустрії моди: він зробив обкладинку для альбому Каньє Веста, випускав колаборації Nike, Comme des Garçons та Uniqlo. Згодом KAWS став відомою фігурою у світі сучасного мистецтва. Його фірмова фігурка, що нагадує Міккі-Мауса, прижилася в музеях, публічних просторах та приватних зборах. Якось KAWS випустив лімітовану серію вінілових іграшок спільно з брендом My Plastic Heart, і вони несподівано стали предметом високого колекційного інтересу. Одним із пристрасних колекціонерів цих «іграшок» є засновник Black Star репер Тіматі: він майже повністю зібрав усю серію «Компаньйонів Кавс».

Робота KAWS встановила рекорд для творчості художника – 14,7 мільйона доларів – на торгах Sotheby's у Гонконгу 1 квітня 2019 року. Раніше вона була у колекції японського модного дизайнера Ніґо. Метрове полотно The KAWS Album - оммаж обкладинці знаменитого альбому The Beatles "Оркестр клубу одиноких сердець сержанта Пеппера" (Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band) 1967 року. Тільки замість людей на ньому намальовані Kimpsons – стилізовані герої мультсеріалу Simpsons із «іксами» замість очей.

18. Цзинь Шані Таджицька наречена. 1983. $13,89 млн

Серед порівняно молодих та сучасних китайських художників, які всі як один ставляться до так званої «нової хвилі» кінця 1980-х у китайському мистецтві, до нашого рейтингу несподівано потрапив представник зовсім іншого покоління та іншої школи. Цзінь Шані (Jin Shangyi), якому зараз за 80, належить до яскравих представників першого покоління художників комуністичного Китаю. Погляди цієї групи художників формувалися значною мірою під впливом найближчого комуністичного соратника – СРСР.

Офіційне радянське мистецтво, соцреалізм, незвичний ще тоді для Китаю олійний живопис (на противагу традиційному китайському розпису тушшю) у 1950-і роки були на піку популярності, і до Пекінського художнього університету на три роки (з 1954 по 1957) приїхав викладати радянський художникКостянтин Мефодійович Максимов. До нього в клас і потрапив Цзінь Шані, який на той момент був наймолодшим у групі. Свого вчителя художник завжди згадував із великим теплом, говорив, що саме Максимов навчив його правильно розуміти та зображати модель. Максимов виховав цілу плеяду китайських реалістів, нині класиків.

У творчості Цзінь Шані відчувається вплив як радянського суворого стилю, так і європейської школи живопису. Багато часу художник присвятив вивченню спадщини Ренесансу та класицизму, при цьому він вважав за необхідне зберігати і китайський дух у своїх роботах. Картина «Таджицька наречена», написана 1983 року, вважається загальновизнаним шедевром, новою віхою у творчості Цзінь Шані. Її і виставили на аукціоні China Guardian у листопаді 2013 року і продали в кілька разів дорожче за естімейт - за $13,89 млн з урахуванням комісії.

19. БЕНКСІ Парламент, що розклався. 2008. $12,14 млн

Настінні розписи з тегом Banksy почали з'являтися на стінах міст (спочатку британських, а потім у всьому світі) наприкінці 1990-х років. Його філософські та водночас гострі графіті були присвячені проблемам наступу держави на свободи громадян, злочинам проти навколишнього середовища, безвідповідальному споживанню, нелюдяності системи незаконної міграції. Згодом настінні «закиди» Бенксі набули небаченої медійної популярності. По суті, він став одним із головних виразників громадської думки, що засуджує лицемірство держав і корпорацій, що продукує наростаючу несправедливість у капіталістичній системі

Значення Бенксі, почуття «нерва часу» та точність його метафор оцінили не лише глядачі, а й колекціонери. У 2010-х за його твори давали сотні тисяч, а то й понад мільйон доларів. Дійшло до того, що графіті Бенксі виламували і крали разом із шматками стін.

В епоху розвиненого цифрового стеження Бенксі, як і раніше, вдається зберігати анонімність. Є версія, що це більше не одна людина, а група з кількох художників, на чолі якої стоїть талановита жінка. Це б багато чого пояснило. І зовнішня відмінність райтерів, спійманих в об'єктиви камер свідків, і знеособлений трафаретний спосіб нанесення (дає високу швидкість і не вимагає безпосередньої участі автора), і зворушливу романтичність сюжетів розписів (кульки, сніжинки та ін.). Як би не було, люди з проекту Бенксі, включаючи його помічників, вміють міцно тримати язик за зубами.

У 2019 році найдорожчим твором Бенксі несподівано стало чотириметрове полотно Devolved Parliament («деградував», «розклався» або «передав повноваження» парламент). Шимпанзе, які сперечаються в палаті громад, наче знущаються з глядачів у рік скандального Brexit. Дивно, що картину було написано за 10 років до цього історичного переломного моменту, і тому хтось вважає її пророчою. На аукціоні Sotheby's 3 жовтня 2019 року в ході запеклого торгу невідомий покупець придбав цю олію за $12 143 000 - у шість разів дорожче за попередню оцінку.

20. ДЖОН КАРРЕН «Мило і просто». 1999. $12,007 млн

Американський художник Джон Каррен (1962)відомий своїми сатиричними фігуративними картинами на провокаційні сексуальні та соціальні теми. Роботи Каррена примудряються поєднувати прийоми живопису старих майстрів (особливо Лукаса Кранаха Старшого та маньєристів) та фешн-фотографії з глянсових журналів. Домагаючись більшого гротеску, Каррен часто спотворює пропорції людського тіла, збільшує або зменшує його окремі частини, зображує героїв у ламаних позах.

Починав Каррен 1989-го з портретів дівчат, перемальованих зі шкільного альбому; продовжив на початку 1990-х картинами з пишногрудими красунями, натхненими фото з Cosmopolitan та Playboy; 1992 року з'явилися портрети заможних літніх жінок; а 1994 року Каррен одружився на скульпторі Рейчел Файнштейн, яка стала його головною музою та моделлю на довгі роки. До кінця 1990-х технічна майстерність Каррена у поєднанні з кітчем та гротеском його картин принесла йому популярність. У 2003 році за розкрутку художника взявся Ларрі Гагосян, а якщо за автора береться такий дилер, як Гагосян, то успіх гарантований. 2004 року відбулася ретроспектива Джона Каррена в Музеї Вітні.

Приблизно в цей час його роботи стали продаватися за шестизначні суми. Поточний рекорд для живопису Джона Каррена належить роботі «Міло і просто», проданої 15 листопада 2016 року на Christie's за $12 млн. Картина з двома оголеними ледве подолала нижню планку естімейту $12–18 млн. Проте для Джона Каррена, якому Тепер за 50, це безумовно прорив у кар'єрі. Його колишній рекорд 2008 року становив $5,5 млн (заплачених, до речі, за ту ж роботу «Мило і просто»).

21. БРАЙС МАРДЕН The Attended. 1996-1999. $10,917 млн

Ще один американський абстракціоніст, що нині живе в нашому рейтингу - це Брайс Марден (1938). Роботи Мардена в стилі мінімалізму, а з кінця 1980-х - жестикулярного живопису, вирізняються унікальним авторським, трохи приглушеним палітрою. Поєднання квітів на роботах Мардена навіяно його подорожами світом - Греції, Індії, Тайланду, Шрі-Ланці. Серед авторів, що вплинули на становлення Мардена, - Джексон Поллок (на початку 1960-х Марден працював охоронцем в Єврейському музеї, де на власні очі спостерігав «дріпінги» Поллока), Альберто Джакометті (познайомився з його роботами в Парижі) та Роберт Раушенберг час Марден працював його помічником). Перший етап творчості Мардена відданий класичним мінімалістським полотнам, які складаються з кольорових прямокутних блоків (горизонтальних чи вертикальних). На відміну від багатьох інших мінімалістів, які домагалися ідеальної якості творів, начебто надрукованих машиною, а не намальованих людиною, Марден зберігав сліди роботи художника, поєднував різні матеріали (воскові та олійні фарби). З середини 1980-х років, під впливом східної каліграфії, на зміну геометричній абстракції прийшли звивисті, меандроподібні лінії, тлом для яких служили ті самі монохромні колірні поля. Одна з таких «меандрових» робіт - The Attended - на торгах Sotheby's у листопаді 2013 року була продана за $10,917 млн ​​з урахуванням комісії.

22. П'єр Сулаж Peinture 186 x 143 cm, 23 грудня 1959. $10,6 млн

23. ЧЖАН СЯОГАН Вічна любов. $10,2 млн

Ще один представник китайського сучасного мистецтва – символіст та сюрреаліст Чжан Сяоган (1958). На торгах Sotheby's у Гонконгу 3 квітня 2011 року, де розпродавався китайський авангард із колекції бельгійського барона Гі Улленса, триптих Чжан Сяогана "Вічна любов"був проданий за $ 10,2 млн. На той момент це був рекорд не лише для художника, а й для китайського контемпорарі-арту. Кажуть, роботу Сяогана купила дружина мільярдера Ван Вей (Wang Wei), яка збирається відкривати власний музей.

Чжан Сяоган, який захоплюється містицизмом та східною філософією, написав історію « Вічного кохання» у трьох частинах - життя, смерть та відродження. Цей триптих брав участь у культовій виставці 1989 року «Китай/Авангард» у Національному художньому музеї. У тому ж 1989 року на площі Тяньаньмень військовими жорстоко придушили студентські демонстрації. Після цього трагічною подієюпочалося закручування гайок – виставка в Національному музеї була розігнана, багато художників емігрували. У відповідь нав'язаному зверху соцреалізму виник напрям цинічного реалізму, одним із головних представників якого став Чжан Сяоган.

24. БРЮС НАУМАН Безпорадний Генрі Мур. 1967. $9,9 млн

Американець Брюс Науман (1941), володар головного призу 48 Венеціанської бієнале (1999), довго йшов до свого рекорду. Науман розпочинав свою кар'єру у шістдесятих. Знавці називають його, поряд з Енді Уорхолом та Йозефом Бойсом, однією з найвпливовіших постатей у мистецтві другої половини ХХ століття. Однак насичена інтелектуальність і абсолютна недекоративність деяких його робіт, очевидно, перешкоджали його швидкому визнанню та успіху у широкої публіки. Науман часто експериментує з мовою, відкриваючи несподівані смисли звичних фраз. Слова стають центральними персонажамибагатьох його робіт, серед яких неонові псевдовивіски та панно. Сам Науман називає себе скульптором, хоча за останні сорок років він спробував себе в абсолютно різних жанрах – скульптурі, фотографії, відеоарті, перформансах, графіку. На початку дев'яностих Ларрі Гагосян вимовив пророчі слова: «Справжню цінність робіт Наумана нам ще треба буде усвідомити». Так воно й вийшло: 17 травня 2001 рокуна Christie's робота Наумана 1967 року «Безпомічний Генрі Мур (вид ззаду)»(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) поставила новий рекорд у сегменті післявоєнного мистецтва. Зроблений з гіпсу та воску зліпок пов'язаних за спиною рук Наумана пішов з молотка за $ 9,9 млндо колекції французького магната Франсуа Піно (за іншими даними, американки Філліс Уоттіс). Естімейт роботи становив лише $2–3 млн, тож результат став для всіх справжньою несподіванкою.

До цього легендарного продажу лише дві роботи Наумана переступили планку в мільйон доларів. А за всю його аукціонну кар'єру поки що лише шість творів, окрім «Генрі Мура…», пішли за семизначні суми, але їхні результати все одно не йдуть у жодне порівняння з дев'ятьма мільйонами.

«Безпомічний Генрі Мур» - один із серії полемічних творів Наумана про фігуру Генрі Мура (1898–1986), британського художника, якого у шістдесяті роки відносили до найбільшим скульпторамХХ ст. Молоді автори, які опинилися у тіні визнаного майстра, тоді накинулися на нього з затятою критикою. Робота Наумана – відповідь на цю критику та одночасно роздуми на тему творчості. Назва роботи стає каламбуром, оскільки поєднує два значення англійського слова bound - пов'язаний (у буквальному сенсі) і приречений на певну долю.

Увага! Усі матеріали сайту та бази даних аукціонних результатів сайту, включаючи ілюстровані довідкові відомості про продані на аукціонах твори, призначені для використання виключно відповідно до ст. 1274 ЦК України. Використання в комерційних цілях або з порушенням правил, встановлених ЦК України, не допускається. сайт не відповідає за зміст матеріалів, поданих третіми особами. У разі порушення прав третіх осіб адміністрація сайту залишає за собою право видалити їх із сайту та з бази даних на підставі звернення уповноваженого органу.