Історія жанру. Три твори глинки, що започаткували нову еру в російській музиці У житті Мусоргського було все — і велич, і трагедія, але він завжди відрізнявся справжньою духовною чистотою і безкорисливістю

Зміст статті

РОСІЙСЬКА ОПЕРА.Російська оперна школа – поряд з італійською, німецькою, французькою – має загальносвітове значення; переважно це стосується низки опер, створених у другій половині 19 ст, а також кількох творів 20 ст. Одна з найпопулярніших опер на світовій сцені наприкінці 20 ст. - Борис ГодуновМ.П.Мусоргського, часто ставиться також Пікова дама П.І.Чайковського (рідше за інші його опери, переважно Євгеній Онєгін); великою популярністю користується Князь ІгорА.П.Бородіна; з 15 опер Н.А.Римського-Корсакова регулярно з'являється Золотий півник. Серед опер 20 в. найбільш репертуарні Вогненний ангелС.С.Прокоф'єва та Леді Макбет Мценського повіту Д.Д.Шостаковича. Зрозуміло, це не вичерпує багатства національної оперної школи.

Поява опери у Росії (18 в.).

Опера була одним із перших західноєвропейських жанрів, що закріпилися на російському ґрунті. Вже 1730-ті роки було створено придворна італійська опера, на яку писали музиканти-іноземці, які у Росії у другій половині століття виникають громадські оперні уявлення; опери ставляться також у фортечних театрах. Першою російською оперою вважається Мельник - чаклун, ошуканець і сватМихайла Матвійовича Соколовського текст А.О.Аблесимова (1779) – побутова комедія з музичними номерами пісенного характеру, що започаткувала ряду популярних творів даного жанру – ранньої комічної опери. Серед них виділяються опери Василя Олексійовича Пашкевича (бл. 1742–1797) ( Скупий, 1782; Санктпетербурзький вітальня, 1792; Нещастя від карети, 1779) та Євстигнея Іпатовича Фоміна (1761–1800) ( Ящики на підставі, 1787; Американці, 1788). У жанрі опери-серіа написано два твори найбільшого композитора цього періоду Дмитра Степановича Бортнянського (1751–1825) на французькі лібрето – Сокіл(1786) та Син-суперник, або Сучасна Стратоніка(1787); цікаві досліди є в жанрах мелодрами та музики до драматичної вистави.

Опера до Глінки (19 ст).

У наступному столітті популярність у Росії оперного жанру ще більше зростає. Опера була вершиною устремлінь російських композиторів 19 в., і навіть з них, хто залишив жодного твори у тому жанрі (наприклад, М.А.Балакирев , А.К.Лядов), протягом довгих роківобмірковували ті чи інші оперні проекти. Причини цього зрозумілі: по-перше, опера, як зауважив Чайковський, була жанром, який давав можливість говорити мовою мас; по-друге, опера дозволяла художньо висвітлювати великі ідеологічні, історичні, психологічні та інші проблеми, які займали уми російських людей 19 в.; нарешті, в молодій професійній культурі було сильне тяжіння до жанрів, що включали разом із музикою слово, сценічний рух, живопис. Крім того, вже склалася певна традиція – спадщина, залишена у музично-театральному жанрі 18 ст.

У перші десятиліття 19 в. придворний та приватний театр відмирали, монополія зосереджувалась у руках держави. Музично-театральний побут обох столиць був дуже жвавим: перша чверть століття – епоха розквіту російського балету; у 1800-х роках у Петербурзі існувало чотири театральні трупи – російська, французька, німецька та італійська, з яких перші три ставили і драму та оперу, остання – лише оперу; по кілька труп працювало і в Москві. Найстійкішою виявилася італійська антреприза - навіть на початку 1870-х роках молодий Чайковський, який виступав на критичній ниві, змушений був виборювати пристойне становище московської російської опери в порівнянні з італійською; РайокМусоргського, в одному з епізодів якого висміюється пристрасть петербурзької публіки та критики до знаменитих італійських співаків, теж написаний на рубежі 1870-х років.

Буальдьє та Кавос.

Серед запрошених до Петербурга іноземних композиторів у цьому періоді виділяються імена відомого французького автора Адрієна Буальдьє ( см. БУАЛЬДЙО, ФРАНСУА АДРІЄН) та італійця Катерино Кавоса (1775–1840) , який у 1803 став капельмейстером російської та італійської опери, у 1834–1840 очолював вже тільки російську оперу (і в цій якості сприяв постановці Життя за царяГлінки, хоча ще 1815 склав власну оперу на той самий сюжет, що мала значний успіх), був інспектором і директором усіх оркестрів імператорських театрів, багато писав на російські сюжети - як казкові ( Князь-невидимкаі Ілля-богатирна лібретто І.А.Крилова, Світланана лібрето В.А.Жуковського та ін), так і патріотичні ( Іван Сусанінна лібрето А.А.Шаховського, Козак-віршна лібрето того ж автора). До «чарівно-казкової», феєричної лінії належала і найпопулярніша опера першої чверті століття Ліста, або Дніпровська русалкаКавоса та Степана Івановича Давидова (1777-1825). У 1803 у Петербурзі було поставлено віденський зінгшпіль Дунайська русалкаФердинанда Кауера (1751–1831) із додатковими музичними номерами Давидова – у перекладі Дніпровська русалка; в 1804 у Петербурзі з'явилася друга частина того ж таки зінгшпіля зі вставними номерами Кавосу; потім були складені – вже одним Давидовим – російські продовження. Змішання фантастичного, реально-національного та балаганно-жартівського планів надовго затрималося російською музичному театрі(У західноєвропейській музиці аналогіями можуть служити ранньоромантичні опери К.М.Вебера – Вільний стрілецьі Оберон, що належать до того ж типу казкового зінгшпілю).

Як другий провідної лінії оперної творчості перших десятиліть 19 в. виділяється побутова комедія з «народного» життя – теж жанр, відомий у минулому столітті. До неї відносяться, наприклад, одноактні опери. Ям, або Поштова станція(1805), Посидіти або слідство Яма (1808), Девишник, або Філаткіна весілля(1809) Олексія Миколайовича Титова (1769–1827) на лібретто А.Я.Княжнина, що сюжетно утворюють трилогію. Довгий часутримувалася в репертуарі опера Старовинні святачеха Франца Бліми на текст історика А.Ф.Малиновського за мотивами народного обряду; успіх мали «пісенні» опери Данила Микитовича Кашина (1770–1841) Наталя, боярська дочка (1803) по повісті Н.М.Карамзіна у переробці С.М.Глінки та Ольга Прекрасна(1809) на лібрето того ж автора. Ця лінія особливо розцвіла в епоху війни 1812 року. Ополчення, або Любов до вітчизни, Козак у Лондоні, Свято в таборі союзних армій при Монмартрі, Козак та прусський волонтер у Німеччині, Повернення ополчення), започаткували дивертисмент як особливий музично-театральний жанр.

Верстовський.

Найбільшим російським оперним композитором до Глінки був А.Н.Верстовський (1799-1862) ( см. ВЕРСТОВСЬКИЙ, ОЛЕКСІЙ МИКОЛАЄВИЧ) . Хронологічно епоха Верстовського збігається з епохою Глінки: хоча перша опера московського композитора – Пан Твардовський(1828) з'явилася раніше Життя за царя, саме популярний твір – Аскольдова могила– в один рік із оперою Глінки, а остання опера Верстовського, Громобій(1857), вже після смерті Глінки. Великий (хоча здебільшого суто московський) успіх опер Верстовського і «живучість» найвдалішої з них – Аскольдова могила- Пояснюється привабливістю для сучасників сюжетів, побудованих на мотивах «найдавніших російсько-слов'янських переказів» (зрозуміло, трактованих вельми умовно), і музики, в інтонаційному ладі якої строкато поєднуються національно-російські, західнослов'янські та молдавсько-циганські побутові інтонації. Очевидно, що Верстовський не володів великою оперною формою: майже у всіх його операх музичні «номери» чергуються з розлогими розмовними сценами (спроби композитора в пізніх творах писати речитативи не змінюють справи), оркестрові фрагменти зазвичай не цікаві і не мальовничі, проте опери цього композитора, за словами сучасника, «звучали чимось знайомим», «чудово рідним». «Благородне почуття любові до вітчизни», яке прокидається цими «легендарними» операми, можна порівняти з враженнями публіки від романів Загоскіна, постійного лібретиста композитора.

Глинки.

Хоча зараз досить докладно досліджено музику доглинкінської епохи, явище Михайла Івановича Глінки (1804–1857) так і не перестає здаватися дивом. Основні якості його дару – глибокий інтелектуалізм та тонкий артистизм. Глінка невдовзі дійшов ідеї писати «велику російську оперу», маючи на увазі під цим твір високого, трагічного жанру. Спочатку (1834) тема подвигу Івана Сусаніна, вказана композитору В.А.Жуковським, набула вигляду сценічної ораторії з трьох картин: село Сусанина, зіткнення з поляками, тріумф. Однак потім Життя за царя(1836) стала справжньою оперою з сильним хоровим початком, що відповідало традиції національної культури та багато в чому визначило подальший шлях російської опери. Глінка першим із російських авторів вирішив проблему сценічної музичної мови, а щодо музичних «номерів», то вони, написані в традиційних сольних, ансамблевих, хорових формах, виявилися наповнені таким новим інтонаційним змістом, що асоціації з італійськими чи іншими моделями були подолані. Крім того, в Життя за царябула подолана стилістична строкатість попередньої російської опери, коли жанрові сцени писалися "російською", ліричні арії "по-італійськи", а драматичні моменти "по-французьки" або "німецькою". Однак багато російських музикантів наступних поколінь, віддаючи належне цій героїчній драмі, воліли все ж таки другу оперу Глінки – Руслан і Людмила(по Пушкіну, 1842), вбачаючи у тому творі цілий новий напрям (його продовжили Н.А.Римский-Корсаков і А.П.Бородін). Завдання оперного Руслана– зовсім інші, ніж у пушкінському творі: перше у музиці відтворення давньоруського духу; «автентичний» Схід у різних його обличчях – «томних» та «войовничих»; фантастика (Наїна, замок Чорномору) – абсолютно самобутня і нічим не поступається фантастиці найпередовіших сучасників Глінки – Берліоза та Вагнера.

Даргомизький.

Олександр Сергійович Даргомижський (1813–1869) розпочав шлях оперного композитора дуже молодим, у другій половині 1830-х років, коли, натхненний прем'єрою Життя за царя, почав писати музику на французьке лібретто В.Гюго Есмеральда.

Сюжет наступної опери виник ще до постановки Есмеральди(1841), і це була Пушкінська Русалка, яка, однак, з'явилася на сцені тільки в 1856. П'єса Пушкіна вийшла у композитора віднесеної швидше до сучасності, ніж до старовини, Русалкитеж виявився наближеним до сучасного музичного побуту. На відміну від віртуозного інструментування Глінки, оркестр Даргомизького скромний, гарні народні хори Русалкиносять досить традиційний характер, і основний драматичний зміст зосереджується в сольних партіях і особливо у чудових ансамблях, причому у мелодійному колориті власне російські елементи поєднуються зі слов'янськими – малоросійськими та польськими. Остання опера Даргомизького, Кам'яний гість(за Пушкіним, 1869, поставлена ​​в 1872), цілком новаторський, навіть експериментальний твір у жанрі «розмовної опери» (opera dialogue). Композитор обійшовся тут без розвинених вокальних форм типу арії (винятком є ​​лише дві пісні Лаури), без симфонізованого оркестру, і в результаті з'явився твір надзвичайно вишуканий, в якому найкоротша мелодійна фраза або навіть одне співзвуччя може набувати великої та самостійної виразності.

Сєров.

Пізніше Даргомижського, але раніше кучкістів і Чайковського заявив про себе в оперному жанрі Олександр Миколайович Сєров (1820-1871). Перша його опера, Юдіф(1863), з'явилася, коли автору було вже за сорок (до цього Сєров набув значної популярності як музичний критик, але як композитор не створив нічого примітного). П'єса П.Джакометті (написана спеціально для знаменитої трагічної актриси Аделаїди Рісторі, яка в цій ролі викликала фурор у Петербурзі та Москві) на біблійний сюжет про героїну, що рятує свій народ від рабства, цілком відповідала збудженому стану російського суспільства на рубежі 1860-х . Привабливим був також барвистий контраст суворої Юдеї та потопає в розкоші Ассирії. Юдіфналежить до жанру "великої опери" мейєрберівського типу, що теж було нове на російській сцені; в ній сильно ораторіальний початок (розгорнуті хорові сцени, що найбільше відповідають духу біблійної легенди і мають опору в класичному ораторіальному стилі генделівського типу) і в той же час театрально-декоративний (дивертисменти з танцями). Мусоргський назвав Юдіфпершою після Глінки «серйозно трактованою» оперою на російській сцені. Підбадьорений теплим прийомом, Сєров відразу взявся за нову оперу, тепер російською історичний сюжет, – Рогніду. «Історичне лібрето» за літописом викликало масу закидів у неправдоподібності, спотворенні фактів, «заштампованості», фальшивості нібито простонародної мови тощо; музика ж, незважаючи на масу «загальних місць», містила ефектні фрагменти (серед яких перше місце займає, звичайно, варязька балада Рогніди – вона й досі зустрічається у концертному репертуарі). Після Рогніди(1865) Сєров зробив дуже різкий поворот, звернувшись до драми із сучасного побуту – п'єсі А.Н.Островського Не так живи, як хочетьсяі тим самим ставши першим композитором, який наважився писати «оперу із сучасності» – Ворожа сила (1871).

"Могутня купка".

Поява останніх опер Даргомизького і Сєрова лише трохи випереджає за часом постановки перших опер композиторів «Могутньої купки». Кучкістська опера має деякі «родові» риси, що виявляються у таких різних художників, як Мусоргський, Римський-Корсаков і Бородін: перевага російських тем, особливо історичних і казково-міфологічних; велика увага не лише до «достовірної» розробки сюжету, а й до фонетики та семантики слова, і взагалі до вокальної лінії, яка завжди, навіть у разі дуже розвиненого оркестру, знаходиться на першому плані; дуже значна роль хорових (найчастіше – «народних») сцен; «наскрізний», а чи не «номерной» тип музичної драматургії.

Мусоргський.

Опери, як і інші жанри, пов'язані з вокальним інтонуванням, становлять основну частину спадщини Модеста Петровича Мусоргського (1839-1881): юнаком він почав свій шлях у музиці з оперного плану (нездійснена опера Ган-ісландецьза В.Гюго) і пішов із життя, залишивши незавершеними дві опери – Хованщинуі Сорочинський ярмарок(перша була повністю закінчена в клавірі, але майже не інструментована; у другій – складено головні сцени).

Першою великою роботою молодого Мусоргського у другій половині 1860-х років стала опера Саламбо(за Г.Флобером, 1866; залишилася незакінченою; у пізнішому автобіографічному документі твір позначено не як «опера», бо як «сцени» і саме так виконується нині). Тут створено цілком самобутній образ Сходу – й не так екзотичного «карфагенського», скільки російсько-біблейського, що має паралелі у живопису («біблійні ескізи» Олександра Іванова) й у поезії (наприклад, Олексія Хомякова). Протилежний «антиромантичний» напрямок представляє друга незавершена рання опера Мусоргського – Одруження(за Гоголем, 1868). Цей, за визначенням автора, "етюд для камерної проби" продовжує лінію Кам'яного гостяДаргомизького, але максимально загострює її вибором прози замість поезії, сюжету абсолютно «реального», до того ж ще й «сучасного», укрупнюючи таким чином масштабів оперного жанру ті досліди «романсу-сцени», які вживав Даргомижський ( Титулярний радник, Черв'якта ін) і сам Мусоргський.

Борис Годунов

(1-а редакція - 1868-1869; 2-а редакція - 1872, поставлена ​​в 1874) має підзаголовок «по Пушкіну і Карамзіну», в основі його - трагедія Пушкіна, але зі значними вставками композитора. Вже в першій, більш камерній редакції опери, зосередженої на драмі особистості як драмі «злочини та покарання» ( Борис Годунов- Сучасник Злочини та покаранняФ.М.Достоєвського), Мусоргський дуже далеко відійшов від будь-яких оперних канонів - як у сенсі напруженості драматургії та гостроти мови, так і в трактуванні історичного сюжету. Працюючи над другою редакцією Бориса Годунова, що включила як дещо традиційніший «польський акт», так і зовсім незвичайну в опері сцену народного повстання («Під Кромами»), Мусоргський, можливо, вже знав подальший розвитокпрецеденту Смутного часу – повстання Разіна, стрілецькі бунти, розкол, пугачовщину, тобто. можливі лише частково втілені сюжети своїх майбутніх опер – музично-історичної хроніки Росії. З цієї програми було здійснено лише драма розколу – Хованщина, до якої Мусоргський розпочав відразу ж після закінчення другої редакції Бориса Годунованавіть одночасно з її завершенням; тоді ж у документах з'являється задум музичної драмиза участю поволзької козачини», а пізніше Мусоргський позначає зроблені ним записи народних пісень «Для останньої опери Пугачівщина».

Борис Годунов, особливо у першій редакції, представляє тип опери з наскрізним розвитком музичного впливу, де завершені фрагменти з'являються, лише будучи обумовленими сценічною ситуацією (хор славлення, плач царівни, полонез на балу палаці тощо.). У ХованщиніМусоргський поставив завдання створення, з його слів, «осмисленої/виправданої» мелодії, і її основою стала пісня, тобто. не інструментальна за природою (як і класичної арії), а строфічна, вільно варіюється структура – ​​у «чистому» вигляді чи поєднані із речитативним елементом. Ця обставина багато в чому визначила форму опери, яка, при збереженні злитості, плинності дії, включила набагато більше «завершених», «закруглених» номерів – і хорових ( Хованщинанабагато більшою мірою, ніж Борис Годунов, хорова опера – «народна музична драма»), та сольних.

На відміну від Бориса Годунова, який йшов на сцені Маріїнського театрукілька років і був виданий за життя автора, ХованщинаВперше прозвучала в редакції Римського-Корсакова через півтора десятиліття після смерті автора, наприкінці 1890-х була поставлена ​​в Московській приватній російській опері С.І.Мамонтова з молодим Шаляпіним в партії Досифея; у Маріїнському театрі Хованщиназ'явилася, завдяки зусиллям того ж таки Шаляпіна, в 1911, майже одночасно з показами опери в Парижі та Лондоні Дягілівською антрепризою (трьома роками раніше сенсаційний успіх мала дягілівська паризька постановка Бориса Годунова). У 20 ст. неодноразово робилися спроби воскресіння та завершення Одруженняі Сорочинського ярмаркуу різних редакціях; другою їх еталонною стала реконструкція В.Я.Шебалина.

Римський Корсаков.

У спадщині Миколи Андрійовича Римського-Корсакова (1844-1908) представлено багато основних музичних жанрів, але найбільші його досягнення пов'язані, як і в Мусоргського, з оперою. Вона проходить через все життя композитора: від 1868, початку твору першої опери ( Псковитянка), до 1907, завершення останньої, п'ятнадцятої опери ( Золотий півник). Особливо напружено Римський-Корсаков працював у цьому жанрі із середини 1890-х років: за наступні півтора десятиліття їм було створено 11 опер. До середини 1890-х років усі прем'єри опер Римського-Корсакова проходили у Маріїнському театрі; пізніше, з середини 1890-х років, основне значення набуло співробітництво композитора з Московською приватною російською оперою С.І.Мамонтова, де було поставлено більшість пізніх корсаківських опер, починаючи з Садко. Ця співпраця відіграла особливу роль у становленні нового типу оформлення та режисерського рішення музичної вистави(а також у творчому розвитку таких художників мамонтівського кола, як К.А.Коровін, В.М.Васнєцов, М.А.Врубель).

Цілком унікальна редакторська діяльність Римського-Корсакова: завдяки йому вперше були поставлені Хованщинаі Князь Ігор, що залишилися незавершеними після смерті Мусоргського та Бородіна (редакція бородинської опери зроблена разом з А.К.Глазуновим); він інструментував Кам'яного гостяДаргомизького (причому двічі: для прем'єри 1870 і наново 1897–1902) і видав ОдруженняМусоргського; у його редакції набув світової популярності Борис ГодуновМусоргського (і хоча нині дедалі частіше перевага надається авторській редакції, корсаківська версія продовжує йти в багатьох театрах); нарешті, Римський-Корсаков (разом з Балакірєвим, Лядовим та Глазуновим) двічі готував до видання оперні партитури Глінки. Таким чином, щодо оперного жанру (як і в ряді інших аспектів) творчість Римського-Корсакова складає свого роду стрижень російської класичної музики, поєднуючи епоху Глінки та Даргомизького з 20 ст.

Серед 15 опер Римського-Корсакова немає жанрово однотипних; навіть його опери-казки багато в чому несхожі одна на одну: Снігуронька(1882) – « весняна казка», Казка про царя Салтана(1900) - "просто казка", Чахлик Невмирущий(1902) - "осіння казочка", Золотий півник(1907) - "небилиця в особах". Подібний перелік може бути продовжений: Псковитянка(1873) - опера-літопис, Молода(1892) - опера-балет, Ніч перед Різдвом(1895) – за авторським визначенням, «биль-колядка», Садко(1897) - опера-билина, Моцарт та Сальєрі(1898) – камерні «драматичні сцени», Оповідь про невидимий місто Китеж і діву Февронію(1904) - опера-сказання (або "літургійна драма"). До традиційніших оперних типів належать лірична комедія. Травнева ніч(за Гоголем, 1880), лірична драма на російський історичний сюжет Царська наречена(по Л.А.Мею, 1899; і пролог до цієї опери Бояриня Віра Шелога, 1898) і дві менші популярністю (і дійсно менш вдалі) опери рубежу 19–20 ст. - Пан воєвода(1904) на польські мотиви та Сервілія(1902) за п'єсою Мея, дія якої відбувається у Римі першого століття нашої ери.

По суті, Римський-Корсаков реформував оперний жанр – у масштабах своєї творчості і не проголошуючи жодних теоретичних гасел. Ця реформа була з опорою на вже сформовані закономірності російської школи (на Руслана та ЛюдмилуГлінки та на естетичні принципи кучкизму), на Народна творчістьу найрізноманітніших його проявах і найдавніші форми людського мислення – міф, епос, казку (останнє обставина, безсумнівно, зближує російського композитора з його старшим сучасником – Ріхардом Вагнером, хоча основних параметрів своєї оперної концепції Римський-Корсаков прийшов цілком самостійно, до знайомства з тетралогією та пізніми операми Вагнера). Типовою рисою «міфологічних» опер Римського-Корсакова, пов'язаних із слов'янським сонячним культом ( Травнева ніч, Ніч перед Різдвом, Молода, опери-казки), є «багатомир'я»: дія розгортається у двох або більше «світах» (люди, природні стихії та їх уособлення, язичницькі божества), причому кожен «світ» говорить своєю мовою, що відповідає самооцінці Римського-Корсакова як композитора "об'єктивного" складу. Для опер середнього періоду, від Травневої ночідо Ночі перед Різдвом, характерно насичення музичної дії обрядово-ритуальними сценами (пов'язаними зі святами древнього селянського календаря – загалом в операх Римського-Корсакова відбито весь язичницький рік); у більш пізніх творахобрядовість, «статутність» (у тому числі християнська православна, а часто – синтез «старої» та «нової» народної віри) проступає у більш опосередкованому та витонченому вигляді. Хоча опери композитора регулярно виконувалися в 19 ст, справжню оцінку вони отримали лише на рубежі 19-20 ст. і пізніше, у Срібному столітті, якому цей майстер виявився найбільш співзвучним.

Бородін.

Задум Князя ІгоряОлександра Порфировича Бородіна (1833-1877) відноситься до тієї ж епохи, що і задуми Бориса Годунова, Хованщиниі Псковитянки, тобто. до кінця 1860-х - початку 1870-х років, однак за різними обставинами опера не була цілком закінчена і до моменту смерті автора в 1886, а прем'єра її (у редакції Римського-Корсакова та Глазунова) відбулася майже одночасно з Піковою жінкоюЧайковського (1890). Характерно, що на відміну від своїх сучасників, які зверталися за історичними оперними сюжетами до драматичних подій царювання Івана Грозного, Бориса Годунова і Петра Першого, Бородін взяв як основу найдавніший епічний пам'ятник - Слово о полку Ігоревім. Будучи великим вченим-природознавцем, він застосував науковий підхід і до оперного лібрето, зайнявшись тлумаченням важких місць пам'ятника, вивченням епохи дії, збиранням відомостей про стародавні кочові народи, згадані в Слові. Бородін мав виважений та реалістичний погляд на проблему оперної форми і не прагнув повністю перетворювати її. Результатом стала поява твору як прекрасного загалом і подробицях, а й, з одного боку, стрункого і врівноваженого, з другого – надзвичайно самобутнього. У російській музиці 19 в. важко знайти більш «автентичне» відтворення селянського фольклору, ніж у Хорі поселян чи Плачі Ярославни. Хоровий Пролог до опери, де ніби підхоплюється і розвивається «сказова» інтонація давньоруських сцен глинкінського Руслана, подібний до середньовічної фрески. Східні мотиви Князя Ігоря(«половецький розділ») за силою і достовірності «степового» колориту немає собі рівних у світовому мистецтві (нові дослідження показали, наскільки трохи виявився Бородін до східного фольклору навіть із погляду музичної етнографії). І ця справжність найбільш природно поєднується з використанням цілком традиційних форм великої арії – характеристики героя (Ігор, Кончак, Ярославна, Володимир Галицький, Кончаківна), дуету (Володимир і Кончаківна, Ігор та Ярославна) та інших, а також з елементами, привнесеними до стиль Бородіна із західноєвропейської музики (наприклад, «шуманізми», хоча б у тій самій арії Ярославни).

Кюї.

В огляді кучкістської опери має бути згадано також ім'я Цезаря Антоновича Кюї (1835–1918) як автора майже двох десятків опер на найрізноманітніші сюжети (від Кавказького бранця за мотивами поеми Пушкіна та Анджелоза Гюго до Мадемуазель Фіфіза Г. де Мопассан), які з'являлися і ставилися на сцені протягом півстоліття. Наразі всі опери Кюї міцно забуті, проте слід зробити виняток для першого його зрілого твори у цьому жанрі – Вільяма Раткліфаза Г.Гейном. Раткліфстав першою оперою Балакірєвського гуртка, що побачила сцену (1869), і тут вперше була втілена мрія нового покоління про оперу-драму.

Чайковський.

Подібно до Римського-Корсакова і Мусоргського, Петро Ілліч Чайковський (1840–1893) все життя відчував сильне тяжіння до оперного (а також, на відміну від кучкістів, і до балетного) жанру: перша його опера, Воєвода(за О.Н.Островським, 1869), відноситься до самого початку самостійної творчої діяльності; прем'єра останньої, Іоланти, відбулася менш ніж за рік до раптової смерті композитора

Опери Чайковського написані на різні сюжети - історичні ( Опричник, 1872; Орлеанська діва, 1879; Мазепа, 1883), комічні ( Коваль Вакула, 1874, і другий авторський варіант цієї опери - Черевички, 1885), ліричні ( Євгеній Онєгін, 1878; Іоланта, 1891), лірико-трагічні ( Чарівниця, 1887; Пікова дама, 1890) і відповідно до теми мають різний вигляд. Однак в осмисленні Чайковським усі сюжети, які він обирає, набували особистісного, психологічного забарвлення. Його порівняно мало цікавив локальний колорит, опис місця та часу дії – в історію вітчизняного мистецтва Чайковський увійшов передусім як творець ліричної музичної драми. Чайковський, як і кучкісти, не мав єдиної, універсальної оперної концепції, і він вільно користувався всіма відомими формами. Хоча стиль Кам'яного гостязавжди здавався йому «надмірним», на нього справила певний вплив ідея opera dialogue, що позначилася на перевагу музичної драматургії наскрізного, безперервного типу та мелодизованої розспівної мови замість «формального» речитативу (тут Чайковський, втім, йшов не лише від Даргомизького, але ще більше) від Глінки, особливо від глибоко шанованої їм Життя за царя). При цьому для Чайковського набагато більшою мірою, ніж для петербуржців (за винятком Бородіна), характерне поєднання безперервності музичної дії з ясністю та розчленованістю внутрішніх форм кожної сцени – він не відмовляється від традиційних арій, дуетів та іншого, майстерно володіє формою складного «підсумкового» ансамблю (у чому далося взнаки пристрасне захоплення Чайковського мистецтвом Моцарта взагалі та його операми зокрема). Не приймаючи вагнерівських сюжетів і з подивом зупиняючись перед вагнерівською оперною формою, яка здавалася йому абсурдною, Чайковський, проте, зближується з німецьким композитором у трактуванні оперного оркестру: інструментальна частина насичується сильним, дієвим симфонічним розвитком (у цьому сенсі насамперед Пікова дама).

У останнє десятиліттясвого життя Чайковський мав славу найбільшого російського оперного композитора, деякі його опери ставилися у зарубіжних театрах; пізні балети Чайковського також мали тріумфальні прем'єри. Однак успіх у музичному театрі прийшов до композитора не відразу і пізніше, ніж у інструментальних жанрах. Умовно у музично-театральній спадщині Чайковського можна виділити три періоди: ранній, московський (1868–1877) – Воєвода, Опричник, Коваль Вакула, Євгеній Онєгіні Лебедине озеро; середній, до кінця 1880-х років – три великі трагедійні опери: Орлеанська діва, Мазепаі Чарівниця(а також переробка Коваль Вакулив Черевички, що значно змінила вигляд цієї ранньої опери); пізній – Пікова дама, Іоланта(єдина у Чайковського «мала» – одноактна, камерна опера) та балети Спляча красуняі Лускунчик. Перший справжній, великий успіх супроводжував московську прем'єру Євгенія Онєгінасилами студентів консерваторії у березні 1879, петербурзька ж прем'єра цієї опери у 1884 стала однією з вершин творчого шляхукомпозитора та початком колосальної популярності цього твору. Другою, і ще вищою, вершиною стала прем'єра Пікової дами 1890.

Антон Рубінштейн.

У числі явищ, які не вписуються в основні напрямки розвитку російського музичного театру в 19 ст, можна назвати опери Антона Григоровича Рубінштейна (1829-1894): 13 власне опер та 5 духовних опер-ораторій. Найкращі з музично-театральних творів композитора пов'язані із «східною» темою: монументально-декоративна, ораторіального плану опера Маккавеї(1874, поставлена ​​у 1875), ліричні Демон(1871, поставлена ​​у 1875) та Суламіф (1883). Демон(По Лермонтову) – безумовна вершина рубінштейнівської оперної спадщини та одна з кращих російських та найпопулярніших ліричних опер.

Бларамберг та Направник.

Серед інших оперних авторів тієї ж епохи виділяються московський композитор Павло Іванович Бларамберг (1841–1907) та петербурзький композитор Едуард Францович Направник (1839–1916), знаменитий та незмінний протягом півстоліття диригент російської опери у Маріїнському театрі. Бларамберг був самоукою і намагався слідувати завітам балакірівського гуртка, хоча б у виборі сюжетів, переважно російських (найбільшим успіхом мала його історична мелодрама Тушинціз доби Смутного часу, 1895). На відміну від Бларамберга, Направник був професіоналом високого класу і, безумовно, володів композиторською технікою; його перша опера Нижегородціна національно-патріотичну тему (1868) з'явилася на сцені трохи раніше перших кучкістських історичних опер – Бориса Годуноваі Псковитянкиі до їх прем'єрка мала певний успіх; наступний оперний твір Направника, Гарольд(1885), створено під виразним впливом Вагнера, у той час як найвдаліша і досі опера цього автора, що іноді зустрічається в театральному репертуарі. Дубровський(По Пушкіну, 1894) натхненна творчістю Чайковського, улюбленого російського композитора Направника (він провів цілу низку оперних та симфонічних прем'єр Чайковського).

Танєєв.

Наприкінці 19 ст. народилася єдина опера (опера-трилогія) Сергія Іванович Танєєва (1856–1915) Орестея(На сюжет Есхіла, 1895). Лібретто опери загалом далеко відходить від античного першоджерела, у сенсі невластивого античності «психологізму», у романтичному трактуванні центрального жіночого образу. Проте основні риси стилю цієї опери ріднять її з класицистською традицією, зокрема, з ліричними музичними трагедіями Глюка. Суворий, стриманий тон твору Танєєва, створеного на порозі нового століття, наближає його до пізніших проявів неокласицистського спрямування (наприклад, до опери-ораторії Цар ЕдіпІ.Ф.Стравінського).

Рубіж 19-20 ст.

Останні півтора десятиліття 19 в. й у перші десятиліття наступного століття, тобто. у період після смерті Мусоргського, Бородіна, Чайковського (і водночас у період розквіту оперної творчості Римського-Корсакова), висувається, переважно в Москві, низка нових оперних композиторів: М.М.Іполитов-Іванов (1859–1935) ( Рутз біблійної оповіді, 1887; Асяпо Тургенєву, 1900; Зрада, 1910; Оле з Нордланду; 1916), А.С.Аренський (1861-1906) ( Сон на Волзіпо Островському, 1888; Рафаель, 1894; Наль та Дамаянті, 1903), В.І.Ребіков (1866-1920) ( У грозу, 1893; Ялинка, 1900 та ін), С.В.Рахманінов (1873-1943) ( Алекопо Пушкіну, 1892; Скупий лицар за Пушкіним і Франческа та Рімініза Данте, 1904), А.Т.Гречанінов (1864-1956) ( Добриня Микитович, 1901; Сестра Беатрісапо М.Метерлінку, 1910); пробують свої сили в оперному жанрі також Вас.С.Калінніков (1866-1900/1901) У 1812 році, 1899) та А.Д.Кастальський (1856-1926) ( Клара Мілічпо Тургенєву, 1907). Творчість цих авторів було часто пов'язані з діяльністю московських приватних антреприз – спочатку Московської приватної російської опери С.Мамонтова, та був Опери С.И.Зимина; нові опери здебільшого належали до камерно-ліричного жанру (низка їх – одноактні). Деякі з перелічених вище творів примикають до кучкістської традиції (наприклад, билинний Добриня МикитовичГречанінова, до певної міри також РутІполитова-Іванова, відзначена оригінальністю східного колориту, і опера Кастальського, в якій найбільш вдалі музичні замальовки побуту), але ще більшою мірою автори нового покоління перебували під впливом ліричного оперного стилю Чайковського (Аренський, Ребіков, перша опера Рахманінова), а також віянь у європейському оперному театрі того часу.

Перша опера Стравінського Соловей(за казкою Х.К.Андерсена, 1914) створена на замовлення Дягілевської антрепризи і стилістично пов'язана з естетикою «Світу мистецтва», а також з новим типом музичної драми, що з'явилося в Пеллеасе та МелісандіК.Дебюссі. Друга його опера Мавра(за Будиночок у КоломиїПушкіна, 1922) є, з одного боку, дотепний музичний анекдот (чи пародію), з другого – стилізацію російського міського романсу пушкінської епохи. Третя опера Цар Едіп(1927), по суті є не так оперою, як неокласицистською сценічною ораторією (хоча тут і використані принципи композиції та вокальний стиль італійської опери-серіа). Остання опера композитора, Пригоди гульвіси, була написана набагато пізніше (1951) і не має відношення до феномену російської опери.

Шостакович.

Складну долю мали і дві опери Дмитра Дмитровича Шостаковича (1906–1975), написані ним наприкінці 1920-х – на початку 1930-х років: Ніс(за Гоголем, 1929) та Леді Макбет Мценського повіту(По Лєскову, 1932, 2-а редакція 1962). Ніс, дуже яскравий і гострий твір, наприкінці 20 ст. що користувався великою популярністю в Росії та на Заході, стилістично пов'язане з експресіоністським театром і засноване на максимально загостреному принципі пародії, що доходить до нищівної та злобної сатири. Перша редакція Леді Макбетбула в певному сенсі продовженням стилістики Носа, і Головна героїняцієї опери викликала асоціації з такими персонажами, як Марія в ВоццекеА.Берга і навіть Соломія в однойменній опері Р.Штрауса. Як відомо, саме Леді Макбет, яка мала на прем'єрі значний успіх, стала «об'єктом» програмної статті газети «Правда» Сумбур замість музики(1934), яка сильно вплинула як на долю Шостаковича, так і ситуацію в радянській музиці того часу. У другій, значно пізнішій редакції опери автором було зроблено суттєві пом'якшення – як драматургічного, і музично-стилістичного плану, у результаті твір набув форми, частково наближається до класичної для російського оперного театру, але втратило своєї цілісності.

Загалом проблема опери досить гостро стояла протягом усього радянського періодуРосійська музична культура. Оскільки цей жанр вважався одним із «найдемократичніших» і в той же час самих «ідеологічних», органи, які керували мистецтвом, зазвичай заохочували композиторів до роботи в даній галузі, але одночасно суворо її контролювали. У 1920-ті та на початку 1930-х років оперна культура в Росії знаходилася в блискучому стані: у Москві та Ленінграді з'являлися чудові постановки класичного репертуару, широко ставилися нові західні твори; експериментами в галузі музичного театру займалися найбільші режисери, починаючи з К.С.Станіславського та В.Е.Мейєрхольда та ін. Згодом ці завоювання були багато в чому втрачені. Пора експериментів в оперному театрі закінчилася на початку 1930-х років (зазвичай, поряд з постановками опер Прокоф'єва і Шостаковича, тут називаються опери, що користувалися деяким успіхом, на «революційні» сюжети Л.К.Кніппера (1898–1974), В.В.Де. (1889-1955), А.Ф.Пащенко (1883-1972) та ін; нині всі вони канули в лету). У 1930-х років на перший план виходить концепція так званої «пісенної опери» як «доступної народу»: еталоном її був Тихий Дон (за М.Шолоховим, 1935) І.І.Дзержинського (1909-1978); до цього ж різновиду ставляться популярні свого часу опери Т.Н.Хренникова (р. 1913) У бурю(1939) та Д.Б.Кабалевського (1904–1987) Сім'я Тараса(1950). Щоправда, у той самий період з'являються більш-менш вдалі «нормальні» опери, наприклад приборкання норовливої(1957) В.Я.Шебаліна (1902-1963), Декабристи(1953) Ю. А. Шапоріна (1887-1966). Починаючи з 1960-х років в оперному театрі настає період певного пожвавлення; для цього часу характерно виникнення різноманітних «гібридних» жанрів (опера-балет, опера-ораторія і т.д.); широко розвиваються забуті попередні десятиліття жанри камерної опери і особливо моноопери. До опери в 1960-1990-і роки зверталися багато авторів, у тому числі талановиті (серед композиторів, що активно працювали в музичному театрі, можна назвати Р.К.Щедріна (р. 1932), А.П.Петрова (р. 1930), С .М.Слонімського (нар. 1932); ), Г.І.Банщикова (р. 1943) та ін Однак колишнє становище цього жанру як провідного в російській музичній культурібув відновлено, і сучасні твори (як вітчизняні, і зарубіжні) з'являються в афішах великих оперних театрів лише спорадично. Деякий виняток становлять невеликі трупи різних міст, які оперативно ставлять нові опери, які втім рідко утримуються надовго в репертуарі.



Однак історія опери в нашій країні як музично-драматичного жанру, що прийшов із Заходу, почалася задовго до постановки "Життя за царя" ("Іван Сусанін") М. І. Глінки - першої російської класичної опери, прем'єра якої відбулася 27 листопада 1836 року.

Якщо постаратися, зачатки російської опери можна знайти в давнину, оскільки музично-драматичний елемент властивий народним російським обрядам, таким як весільні обряди, хороводи, і навіть церковним дійствам середньовічної Русі, які вважатимуться передумовами появи російської опери. З ще більшим підставою можна побачити зародження російської опери в народно-духовних дійствах 16-17 століть, в шкільних драмахКиївської та Московської академій на біблійні сюжети. Всі ці музично-історичні елементи знайдуть своє відображення у роботах майбутніх російських оперних композиторів.

17 жовтня 1672 р. відбулася перша вистава «Есфірі» («Артаксерксове дійство») Йоганна Готфріда Грегорі, що тривала десять годин, до самого ранку. До участі в дії була залучена музика – оркестр з німців та дворових людей, які грали «на органах, віолах та інших інструментах», можливо, в п'єсі брали участь і хори з «государових співчих дяків». Цар був зачарований, всі учасники вистави були обласкані, щедро винагороджені і навіть допущені до цілування царської руки - «були у великого государя в руки», деякі отримали чини та платні, сам Грегорі отримав сорок соболів на сто карбованців (захід хутряної скарбниці).

Наступні п'єси Грегорі розігрувалися вже у Москві кремлівських палатах, глядачами були наближені царя: бояри, окольничі, дворяни, дяки; для цариці та царівни були спеціальні місця, обгороджені частою решіткою, щоб вони не були видно публіці. Вистави розпочиналися о 10 годині вечора і тривали до ранку. Якщо в «Артаксерксовому дійстві» участь музики мало, скоріше, випадковий характер, то в 1673 р. на сцені з'явилася п'єса цілком аналогічна опері. Найімовірніше, це була переробка лібретто опери Рінуччіні «Еврідіка», яка була однією з перших опер і широко розійшлася Європою в численних обробках.

Йоган Грегорі у 1673 році навіть заснував театральну школу, в якій 26 міщанських дітей навчалися «комедійній справі». Однак у 1675 році Грегорі захворів і поїхав у німецькі землі на лікування, але незабаром помер у місті Мерзербурзі, де й був похований, а театральна школазакрилася. Після смерті царя Олексія Михайловича в 1676 новий цар Федір Олексійович не виявив зацікавленості в театрі, головний покровитель Артамон Матвєєв був відправлений на заслання в Пустозерськ, театри розукомплектували. Видовища припинилися, але залишилася думка, що це можна, якщо сам пан потішався цим.

Проживши більшу частину життя Росії, Грегори відстав від сучасних театральних тенденцій і поставлені їм комедії були застарілими, проте, початок драматичному і оперному мистецтву Росії було покладено. Наступне звернення до театру та його відродження відбулися через двадцять п'ять років за часів Петра I.

З того часу минуло чотири століття, але опера досі вважається одним із найпопулярніших музичних жанрів. Розуміння оперної музики доступне кожному, цьому допомагають слова та сценічні дії, а музика посилює враження від драми, висловлюючи з властивою їй лаконічністю те, що іноді важко передати словами.

В даний час інтерес у російської публіки викликають опери С. М. Слонімського, Р. К. Щедріна, Л. А. Десятнікова, В. А. Кобекіна, А. В. Чайковського - їх, хоч і складно, але можна подивитися, придбавши квитки у Великий театр. Найвідомішим і найпопулярнішим театром нашої країни, звичайно ж, є Великий театр – один із основних символів нашої держави та її культури. Раз побувавши у Великому, ви зможете повною мірою відчути спілку музики та драми.

Російська композиторська школа, продовжувачем традицій якої стала радянська та сьогоднішня російська школи, починалася в 19 столітті з композиторів, які об'єднали європейське музичне мистецтвоз російськими народними мелодіями, зв'язавши воєдино європейську форму та російський дух.

Про кожного з цих знаменитих людей можна розповідати багато, у всіх не прості, а часом і трагічні долі, але в цьому огляді ми постаралися дати тільки коротку характеристикужиття та творчості композиторів.

1. Михайло Іванович Глінка

(1804-1857)

Михайло Іванович Глінка під час твору опери «Руслан і Людмила». 1887р., художник Ілля Юхимович Рєпін

«Щоб створити красу, треба самому бути чистим душею.»

Михайло Іванович Глінка є основоположником російської класичної музики та першим вітчизняним композитором-класиком, який досяг світової слави. Його роботи, що спиралися на багатовікові традиціїРосійська народна музика була новим словом у музичному мистецтві нашої країни.

Народився у Смоленській губернії, освіту здобув у Санкт-Петербурзі. Формуванню світогляду та основний ідеї творчості Михайла Глінки сприяло безпосереднє спілкування з такими особистостями, як А.С.Пушкін, В.А.Жуковський, А.С.Грибоєдов, А.А.Дельвіг. Творчий імпульс його роботам додала багаторічна поїздка Європою на початку 1830-х та зустрічі з провідними композиторами часу — В.Белліні, Г.Доніцетті, Ф.Мендельсоном і пізніше з Г.Берліозом, Дж.Мейєрбером.

Успіх прийшов до М.І.Глінки в 1836 році, після постановки опери «Іван Сусанін» («Життя за царя»), яка була захоплено зустрінута всіма, вперше у світовій музиці органічно поєдналися російське хорове мистецтво та європейська симфонічна та оперна практика, а також з'явився герой, подібний до Сусаніна, образ якого узагальнює кращі риси національного характеру.

Одоєвський охарактеризував оперу «нова стихія в Мистецтві, і починається в його історії новий період- Період Російської музики ».

Друга опера — епічна «Руслан і Людмила» (1842), робота над якою велася на тлі смерті Пушкіна і у важких життєвих умовах композитора, в силу глибоко новаторської сутності твору, була неоднозначно зустрінута глядачами та владою, та принесла М.І.Глінці важкі переживання. Після цього він багато подорожував, поперемінно живучи в Росії і за кордоном, не припиняючи писати. У його спадщині залишилися романси, симфонічні та камерні роботи. У 1990-х роках "Патріотична пісня" Михайла Глінки була офіційним гімном Російської Федерації.

Цитата про М.І.Глінку:«Вся російська симфонічна школа, подібно до того як весь дуб у шлунку, укладена в симфонічній фантазії «Камаринська». П.І.Чайковський

Цікавий факт:Михайло Іванович Глінка не відрізнявся міцним здоров'ям, незважаючи на це був дуже легким на підйом і чудово знав географію, можливо, якби він не став композитором, то став би мандрівником. Він знав шість іноземних мов, у тому числі перську.

2. Олександр Порфирович Бородін

(1833-1887)

Олександр Порьфірович Бородін, один з провідних російських композиторів другої половини 19-го століття, крім композиторського таланту був ученим-хіміком, лікарем, педагогом, критиком і володів літературним обдаруванням.

Народився в Санкт-Петербурзі, з дитинства всі оточуючі відзначали його незвичайну активність, захопленість і здібності у різних напрямках, насамперед у музиці та хімії.

А.П.Бородін є російським композитором-самородком, він не мав професійних вчителів-музикантів, всі його досягнення в музиці завдяки самостійній роботі над оволодінням технікою композування.

На формування А.П.Бородіна вплив справила творчість М.І. Глінки (як втім на всіх російських композиторів 19-го століття), а імпульсом до щільного заняття композицією на початку 1860-х дали дві події - по-перше, знайомство та одруження з талановитою піаністкою Є.С.Протопопової, по-друге, зустріч з М. А. Балакірєвим і вступ у творче співтовариство російських композиторів, відомого як «Могутня купка».

Наприкінці 1870-х і в 1880-х А.П.Бородін багато подорожує і гастролює в Європі та Америці, зустрічається з передовими композиторами свого часу, його популярність зростає, він став одним із найвідоміших і найпопулярніших російських композиторів у Європі кінця 19-го. го століття.

Центральне місце у творчості А.П.Бородіна займає опера «Князь Ігор» (1869-1890), що є взірцем національного героїчного епосуу музиці і яку він сам не встиг закінчити (її завершили його друзі А.А.Глазунов та Н.А. Римський-Корсаков). У «Князі Ігорі» на тлі величних картин історичних подій, знайшла відображення Головна думкавсієї творчості композитора - мужність, спокійна велич, душевне шляхетність кращих російських людей і могутня сила всього російського народу, що виявляється при захисті батьківщини.

Незважаючи на те, що А.П.Бородін залишив відносно невелику кількість творів, його творчість дуже різнопланова і він вважається одним із батьків російської симфонічної музики, що вплинула на багато поколінь російських і зарубіжних композиторів.

Цитата про А.П.Бородіне:«Талант Бородіна одно могутній і вражаючий як і симфонії, і у опері й у романсі. Головні риси його — велетенська сила і ширина, колосальний розмах, стрімкість і рвучкість, поєднана з дивовижною пристрастю, ніжністю та красою». В.В.Стасов

Цікавий факт:Ім'ям Бородіна названо хімічна реакціясрібних солей карбонових кислотз галогенами, що дає в результаті галогенозаміщені вуглеводні, яку він першим досліджував у 1861 році.

3. Модест Петрович Мусоргський

(1839-1881)

«Звуки людської мови, як зовнішні прояви думки і почуття, повинні без перебільшення і ґвалтування стати музикою правдивою, точною, але художньою, високохудожньою.»

Модест Петрович Мусоргський — один із найгеніальніших російських композиторів 19 століття, член «Могутньої купки». Новаторська творчість Мусоргського далеко випередила свій час.

Народився Псковської губернії. Як багато талановитих людей, з дитинства показав здібності в музиці, навчався в Санкт-Петербурзі, був, за сімейною традицією, військовим. Вирішальною подією, що визначила, що Мусоргський народжений не для військової служби, а музики, стала його зустріч із М.А.Балакиревым і вступ у «Могутню купку».

Мусоргський великий тим, що у своїх грандіозних творах — операх «Борис Годунов» та «Хованщина» відобразив у музиці драматичні віхи російської історіїз радикальною новизною, яку не знала до нього російська музика, показавши в них поєднання масових народних сцен та різноманітне багатство типів, неповторний характер російських людей. Ці опери, у численних редакціях, як автора, і інших композиторів, є одними з найпопулярніших російських опер у світі.

Ще одним видатним творомМусоргського є цикл фортепіанних п'єс «Картинки з виставки», колоритні та винахідливі мініатюри пронизані російською темою-рефреном та православною вірою.

У житті Мусоргського було все — і велич, і трагедія, але він завжди відрізнявся справжньою духовною чистотою та безкорисливістю.

Останні роки були важкими — життєва невлаштованість, невизнання творчості, самотність, пристрасть до алкоголю, усе це визначило його ранню смерть в 42 року, він залишив порівняно трохи творів, деякі з яких були завершені іншими композиторами.

Специфічна мелодика та новаторська гармонія Мусоргського передбачили деякі риси музичного розвитку 20 століття відіграли важливу роль у становленні стилів багатьох світових композиторів.

Цитата про М.П.Мусоргського:«Споконвічно російське звучить у всьому, що творив Мусоргський» Н. К. Реріх

Цікавий факт:Наприкінці життя Мусоргський, під тиском «друзів» Стасова та Римського-Корсакова, відмовився від авторських прав на свої твори та подарував їх Тертію Філіппову.

4. Петро Ілліч Чайковський

(1840-1893)

«Я артист, який може і мусить принести честь своїй Батьківщині. Я відчуваю в собі велику художню силу, я ще не зробив і десятої частки того, що можу зробити. І я хочу всіма силами душі це зробити.

Петро Ілліч Чайковський, мабуть, найбільший російський композитор 19 століття, підняв на небувалу висоту російське музичне мистецтво. Він є одним із найважливіших композиторів світової класичної музики.

Уродженець Вятської губернії, хоча коріння по батьківській лінії в Україні, Чайковський змалку показав музичні здібності, однак перша освіта та робота була в галузі правознавства.

Чайковський — один із перших російських композиторів-«професіоналів» — теорію музики та композицію він вивчав у новій Санкт-Петербурзькій консерваторії.

Чайковського вважали «західним» композитором, у протиставленні народним діячам «Могутньої купки», з якими у нього були гарні творчі та дружні стосунки, проте його творчість не менш пронизана російським духом, йому вдалося унікально поєднати західну симфонічну спадщину Моцарта, Бетховена традиціями, успадкованими від Михайла Глінки.

Композитор вів активне життя — був педагогом, диригентом, критиком, громадським діячем, працював у двох столицях, гастролював у Європі та Америці.

Чайковський був людиною досить емоційно нестійкою, захопленість, зневіра, апатія, запальність, буйний гнів — усі ці настрої змінювалися в ньому досить часто, будучи дуже товариською людиною, він завжди прагнув самотності.

Виділити щось найкраще з творчості Чайковського — складне завдання, він має кілька рівновеликих творів майже в усіх музичних жанрах — оперу, балет, симфонію, камерну музику. А зміст музики Чайковського універсально: з неповторним мелодизмом вона охоплює образи життя і смерті, любові, природи, дитинства, у ній по-новому розкриваються твори російської та світової літератури, відбиваються глибокі процеси духовного життя.

Цитата композитора:«Життя має тільки тоді принадність, коли складається з чергування радостей і горя, боротьби добра зі злом, зі світла і тіні, словом — з різноманітності в єдності.»

"Великий талант вимагає великої працьовитості."

Цитата про композитора: «Я готовий день і ніч стояти почесною варти біля ганку того будинку, де живе Петро Ілліч, — настільки я поважаю його» А.П.Чехов

Цікавий факт:Кембриджський університет заочно і без захисту дисертації удостоїв Чайковського звання доктора музики, так само Паризька академія Художніх мистецтв обрала його членом-кореспондентом.

5. Микола Андрійович Римський-Корсаков

(1844-1908)

Н.А.Римський-Корсаков та А.К.Глазунов зі своїми учнями М.М.Чорновим та В.А.Сеніловим. Фото 1906 р

Микола Андрійович Римський-Корсаков - талановитий російський композитор, одна з найважливіших постатей у створенні безцінного вітчизняного музичного надбання. Його своєрідний світ і поклоніння вічній всеосяжній красі світобудови, захоплення дивом буття, єдності з природою немає аналогів історія музики.

Народився в Новгородській губернії, за сімейною традицією став морським офіцером, на військовому кораблі обійшов багато країн Європи та двох Америк. Музичну освіту здобув спочатку від матері, потім беручи приватні уроки у піаніста Ф. Канілле. І знову завдяки М. А. Балакірєву, організатору «Могутньої купки», який ввів Римського-Корсакова в музичну спільноту і вплинув на його творчість, світ не втратив талановитого композитора.

Центральне місце в спадщині Римського-Корсакова складають опери — 15 робіт, що демонструють різноманітність жанрових, стилістичних, драматургічних, композиційних рішень композитора, які мають особливий почерк — при всьому багатстві оркестрової складової головними є мелодійні вокальні лінії.

Два основних напрямки відрізняють творчість композитора: перший - російська історія, другий - світ казки та епосу, за що він отримав прізвисько "казкар".

Крім безпосередньої самостійної творчої діяльності Н.А.Римский-Корсаков відомий як публіцист, укладач збірок народних пісень, яких він виявляв великий інтерес, і навіть як завершувач робіт своїх друзів — Даргомижского, Мусоргского і Бородіна. Римський-Корсаков був творцем композиторської школи, як педагог і керівник Санкт-Петербурзької консерваторії він випустив близько двохсот композиторів, диригентів, музикознавців, серед них Прокоф'єв та Стравінський.

Цитата про композитора:«Римський-Корсаков був дуже російською людиною та дуже російським композитором. Я вважаю, що ця його споконвічно російська суть, його глибинна фольклорно-російська основа сьогодні має бути особливо цінована». Мстислав Ростропович

Факт про композитора:Перший урок контрапункту Микола Андрійович почав так:

— Зараз я дуже багато говоритиму, а ви дуже уважно слухатимете. Потім я говоритиму менше, а ви слухатимете і думатимете, і, нарешті, я зовсім не говоритиму, і ви думатимете своєю головою і працюватимете самостійно, бо моє завдання як вчителя — стати вам непотрібним…

7 російських опер зі світовим ім'ям

Російський художник та письменник Костянтин Коровін.
Борис Годунов. Коронування. 1934. Ескіз декорації до опери М.П.Мусоргського "Борис Годунов"

Зародившись як наслідування західним зразкам, російська опера зробила найцінніший внесок у скарбницю всієї світової культури. З'явившись у епоху класичного розквіту французької, німецької та італійської опер, російська опера у 19 столітті як наздогнала класичні національні оперні школи, а й випередила їх. Цікаво, що російські композитори традиційно обирали своїх творів сюжети чисто-народного характеру.

1

«Життя за царя» Глінки

Опера «Життя за царя» або «Іван Сусанін» розповідає про події 1612 - польський похід шляхти на Москву. Автором лібретто став барон Єгор Розен, проте, за радянських часів з ідеологічних міркувань редакцію лібретто було доручено Сергію Городецькому. Прем'єра опери відбулася в Великому театріПетербурга у 1836 році. Довгий час партію Сусаніна виконував Федір Шаляпін. Після революції «Життя за царя» пішло з радянської сцени. Були спроби адаптувати сюжет під вимогу нового часу: так Сусаніна приймали до комсомолу, а фінальні рядки звучали як «Слави, слався, радянський лад». Завдяки Городецькому під час постановки опери у Великому театрі 1939 року «радянський лад» було замінено «російським народом». Великий театр із 1945 року традиційно відкриває сезон різними постановками «Івана Сусаніна» Глінки. Найбільша постановка опери за кордоном була реалізована, мабуть, у міланському «Ла Скала».

2

«Борис Годунов» Мусорського

Опера, у якій двох дійових осіб обрано цар і народ, розпочато Мусоргським у жовтні 1868 року. Для написання лібрето композитор використав текст однойменної трагедії Пушкіна та матеріали карамзинської «Історії держави Російського». Темою опери став час правління Бориса Годунова перед «Смутнішим часом». Мусоргський закінчив першу редакцію опери «Борис Годунов» у 1869 році, яку було представлено театральному комітету Дирекції імператорських театрів. Проте рецензенти забракували оперу, відмовивши у постановці через відсутність яскравої жіночої ролі. Мусоргський ввів в оперу «польський» акт любовної лінії Марини Мнішек та Лжедмитрія. Їм також було додано монументальну сцену народного повстання, яка зробила фінал ефектнішим. Незважаючи на всі корективи, оперу знову відкинули. Її вдалося поставити лише через 2 роки в 1874 році на сцені Маріїнського театру. За кордоном прем'єра опери відбулася у Великому театрі у паризькому Гранд-Опері 19 травня 1908 року.

3

«Пікова дама» Чайковського

Опера була закінчена Чайковським ранньою весною 1890 у Флоренції, а перша постановка трапилася в грудні цього ж року в Маріїнському театрі Петербурга. Опера була написана композитором на замовлення Імператорського Театру, причому вперше Чайковський відмовився брати замовлення, аргументуючи свою відмову відсутністю сюжету «належної сценічності». Цікаво, що у повісті Пушкіна головний геройносить прізвище Герман (з двома «н» на кінці), а в опері головним дійовою особоюстає людина на ім'я Герман - це помилка, а навмисне авторське зміна. У 1892 році опера була вперше поставлена ​​за межами Росії у Празі. Далі - перша постановка у Нью-Йорку у 1910 році та прем'єра у Лондоні у 1915 році.

4

«Князь Ігор» Бородіна

Основою для лібрето став пам'ятник давньоруської літератури"Слово о полку Ігоревім". Ідею сюжету було підказано Бородіну критиком Володимиром Стасовим на одному з музичних вечорів у Шостаковича. Опера створювалася протягом 18 років, але не була закінчена композитором. Після смерті Бородіна роботу над твором завершили Глазунов та Римський-Корсаков. Існує думка, що Глазунов зміг по пам'яті відновити почуту ним увертюру опери в авторському виконанні, однак, сам Глазунов цю думку спростовував. Незважаючи на те, що Глазунов і Римський-Корсаков виконали велику частину роботи, вони наполягли на тому, що «Князь Ігор» є повністю оперою Олександра Порфировича Бородіна». Прем'єра опери пройшла в Маріїнському театрі Петербурга 1890 року, через 9 років її побачив іноземний глядач у Празі.

5

«Золотий півник» Римського-Корсакова

Опера «Золотий півник» була написана 1908 року за однойменною пушкінською казкою. Ця опера стала останньою роботою Римського-Корсакова. Імператорські театри відмовили у постановці опери. Але як тільки глядач вперше побачив її в 1909 році в московському оперному театрі Сергія Зіміна, оперу через місяць поставили у Великому театрі, а потім вона розпочала свою тріумфальну ходу по всьому світу: Лондон, Париж, Нью-Йорк, Берлін, Вроцлав.

6

«Леді Макбет Мценського повіту» Шестаковича

Опера за мотивами однойменної повісті Лєскова було завершено у грудні 1930 року, вперше поставлено Михайлівському театрі Ленінграда у січні 1934 року. В 1935 опера була показана глядачам Клівленда, Філадельфії, Цюріха, Буенос-Айреса, Нью-Йорка, Лондона, Праги, Стокгольма. У другій половині 30-х аж до 50-х років оперу було заборонено до постановки в Росії, а сам Шестакович був засуджений керівництвом компартії країни. Твір був охарактеризований як «сумбур замість музики», «навмисне зроблений комір-навиворіт» і послужив поштовхом для цькування композитора. Постановки у Росії відновилися лише 1962 року, проте глядачі побачили оперу під назвою «Катерина Ізмайлова».

7

«Кам'яний гість» Даргомизького

Ідея опери виникла у Олександра Даргомизького у 1863 році. Однак композитор сумнівався в її успіху та розглядав роботу як творчу «розвідку», «забаву над «Дон-Жуаном» Пушкіна». Він писав музику на пушкінський текст «Кам'яного гостя», не змінюючи у ньому жодного слова. Проте проблеми із серцем не дозволили композитору закінчити роботу. Він помер, попросивши у заповіті своїх друзів Кюї та Римського-Корсакова завершити роботу. Вперше опера була представлена ​​глядачеві в 1872 на сцені Маріїнського театру в Петербурзі. Закордонна прем'єра відбулася лише 1928 року в Зальцбурзі. Ця опера стала одним із «основних каменів», без її знання неможливо зрозуміти не тільки російську класичну музику, а й загальну культуру нашої країни.